ART NEWS

Raffaello e l’eco del mito, Bergamo anticipa le celebrazioni della morte del maestro

Raffaello Sanzio, San Sebastiano

Nel 2020 saranno esattamente cinquecento anni dalla morte di Raffaello Sanzio, che morì prematuramente a Roma a soli trentasette anni. Se un film, Il Principe delle Arti (di cui vi ho parlato qui) lo ha celebrato lo scorso anno al cinema, una mostra a Bergamo anticipa le iniziative per le celebrazioni del maestro urbinate.

Raffaello e l’eco del mito è questo il titolo della rassegna, che da oggi, 27 gennaio, fino al 6 maggio porterà all’Accademia Carrara sessanta opere, provenienti da importanti prestiti nazionali e internazionali, ma anche da prestigiose collezioni private.

L’intero progetto scientifico che ha dato origine a questo evento, ruota intorno al San Sebastiano di Raffaello, capolavoro giovanile del pittore rinascimentale, che fa parte oggi delle raccolte della Carrara. Da qui si muovono diverse sezioni che indagano gli anni della formazione e dei maestri che hanno influito sulla sua arte come Perugino, Pinturicchio, Giovanni Santi, Luca Signorelli.

Raffaello Sanzio, Madonna con il Bambino (Madonna Diotallevi)

Una significativa raccolta di opere invece racconta i primi anni, quelli che vanno dal 1500 al 1505, e infine la straordinaria influenza che in pochi anni di attività questo straordinario artista ha avuto sulle nuove generazioni, raccontate in due sezioni: la prima ottocentesca, di cui La Fornarina (in prestito dalle Gallerie Nazionali di Arte Antica di Roma Palazzo Barberini) si fa simbolo e fonte di ispirazioni per autori del diciannovesimo secolo, come mostrano gli esempi in mostra delle opere di Giuseppe Sogni, Francesco Gandolfi, Felice Schiavoni, Cesare Mussini. La seconda dedicata ad artisti contemporanei che al maestro continuano a ispirarsi.

Dalla Madonna Diotallevi di Berlino alla Croce astile dipinta del Museo Poldi Pezzoli, dal Ritratto di giovane di Lille al Ritratto di Elisabetta Gonzaga degli Uffizi, fino al San Michele del Louvre. Sono 14 le opere i capolavori che testimoniano l’originalità nell’innovare i coevi canoni linguistici e la straordinaria espressione artistica.

Una mostra che ricompone per la prima volta la Pala Colonna, le cui parti provengono dal Metropolitan Museum of Art di New York, dalla National Gallery di Londra e dall’Isabella Stewart Gardner di Boston.

Raffaello Sanzio, La Fornarina

A cura di a cura di Maria Cristina Rodeschini, Emanuela Daffra e Giacinto Di Pietrantonio, la mostra è realizzata grazie alla Fondazione Accademia Carrara in collaborazione con GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo e in coproduzione con Marsilio Electa.

Per maggiori informazioni:

www.raffaellesco.it

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LIFESTYLE

Edenlandia riapre al pubblico. Ritorna a Napoli “la gioia di giornate spensierate”

L’ultima volta che sono stato all’Edenlandia Janet Jackson cantava All for you. Sono trascorsi un po’ di anni da quando trascorsi quell’ultimo, bellissimo, giorno nel famoso parco di divertimenti napoletano in compagnia di amici.

Mi ritorna alla mente le volte in cui mi portava mio padre, in macchina, ed io capivo quando eravamo quasi arrivati oltrepassando la galleria che porta nel quartiere di Fuorigrotta a Napoli.

Aperto al pubblico dal 1965, ha avuto alterne fortune, passando dai successi degli anni ’90, ad un primo tentativo di rinnovarsi cambiando le modalità di accesso con l’ingresso forfettario con il bracciale, fino alla decadenza nel primo decennio degli anni 2000.

Edenlandia prendeva ispirazione dall’omologo parco Californiano di Disneyland che aveva aperto nella periferia di Los Angeles un decennio prima, e a questo si ispira anche il logo del parco, con un castello ed un carattere che molto ricordano quello disneyano.

Il castello vero e proprio arriverà qualche anno più tardi, con il Castello di Lord Sheidon.

Edenlandia, il Trenino (foto
del 1965 da wikipedia)

Ancora ricordo la musica, le risate, lo schiamazzo della gente con lo zucchero filato e le code per le giostre a tema: il trenino, il Far West e, il mio preferito, le cascate dei tronchi, tappa per me irrinunciabile.

Edenlandia diventa una vera e propria attrazione turistica con i suoi 38 mila metri quadri di divertimento, e sarà superata solo nella metà degli anni ’70, quando Gardaland, con i suoi 500 mila metri quadri di superficie e giochi, aprirà al pubblico.

Edenlandia, Cascata dei Tronchi (foto del 1965 da wikipedia)

Nei primi anni 2000 arriveranno nuovi giochi, quelli da brivido, con cadute libere e sfide alla forza di gravità. Ma l’epoca dei parchi divertimento sembra ormai superata, e con essa quella spensierata aria di divertimento. Le giostre si fanno tristi, la folla sembra diradarsi, e il parco sembra meta solo dei giovanissimi. Complice l’età adulta, che cambia la concezione del divertimento, ma anche, forse, la rapida diffusione dell’home-gaming con la PlayStation, dei Tomb Raider, dei Resident Evil, dei Gran Turismo che ci facevano vivere avventure, paura e brivido con un realismo all’ora inimmaginabile, che preludeva ad una chiusura nelle mura domestiche, ad un isolamento, e ad un divertimento fatto di joystick, pad e primi giochi in 3D.

La società che se ne occupava dal 2003, Park and Leisure, dichiarerà fallimento nel 2011.

Da questo momento si parlerà più volte di ristrutturazioni e riaperture, senza mai arrivare ad una conclusione vera e propria.

Nel 2015, sotto il nome di New Edenlandia S.p.A. un gruppo di imprenditori rileva la proprietà, facendo ufficialmente partire i lavori nel dicembre dello stesso anno.

Oggi, a quasi tre anni dai lavori, il parco sembra finalmente pronto per riaprire i suoi cancelli al pubblico di grandi e piccoli. Non c’è ancora una data ufficiale, ma, pare, che il nastro d’inaugurazione possa essere tagliato già ad aprile.

Tante le novità, che traghettano Edenlandia nel 2018 e che, alle 15 attrazioni “storiche” vedrà l’affiancamento di 13 nuove attrazioni, per un totale di 38 attrazioni, quindici punti ristoro, il teatro dei piccoli e un PalaEden con 600 posti a sedere, più aree commerciali e di intrattenimento. Un investimento di oltre 8 milioni di euro che si propone, con questa apertura, di riqualificare l’area occidentale di Napoli e restituire ai suoi abitanti e non solo “la gioia di giornate spensierate”: «Edenlandia – ha detto Gianluca Vorzillo, della GCR Outsider, società che lo scorso agosto ha acquisito la maggioranza della New Edenlandia spa – non sarà solo un parco giochi, ma un vero parco di intrattenimento con giostre, aree spettacoli e un’ampia zona food con la presenza di marchi nazionali e internazionali».

Le immagini che vi ho proposto sono quelle del 1965 pubblicate da wikipedia, a mio avviso bellissime.

ART NEWS

Il mondo incontaminato e primordiale di Sebastião Salgado al PAN fino al 28 gennaio

Considerato più volte da World Press Photo uno dei migliori fotografi dell’anno, Sebastião Salgado è considerato uno dei migliori fotoreporter umanisti dei nostri tempi. Classe 1944, comincia la sua attività di fotografo dopo gli studi in economia e statistica, decide di diventare un fotografo a seguito di una sua missione in Africa.

Uno dei suoi primi reportage, agli inizi degli anni ’70 è stata la siccità del Sahel, da allora inizia uno straordinario percorso di documentarista, raccontando, con i suoi scatti rigorosamente in bianco e nero, la rivoluzione in Portogallo e le guerre coloniali in Angola e in Mozambico.

Negli anni ’80 entra a far parte anche della prestigiosa agenzia fotografica Magnum, che lascerà nel 1994 per fondare la Amazonas Images e dedicarsi completamente al suo lavoro.

Ultimi giorni per avere l’occasione di apprezzare gli scatti del pluripremiato fotografo brasiliano, che è arrivato al PAN di Napoli dopo Steve McCurry e Helmut Newton con Genesi, monumentale progetto suddiviso in cinque sezioni, in cui l’artista racconta le terre a lui care.

Cinque le sezioni, Il Pianeta Sud, I Santuari della Natura, l’Africa, Il grande Nord, l’Amazzonia el Pantanàl per un totale di 245 scatti che ritraggono natura selvaggia e animali in libertà, e una primigenia umanità che non ha perso il contatto con un incontaminato mondo che la circonda.

Comincio dal secondo piano di Palazzo Roccella, dove ad aprire questa esposizione sono gli scatti del Pianeta Sud, l’Antartide e i suoi abitanti, le colonie di alabatri che sfidano le temperature ostili, ma anche i performer della Nuova Guinea. La flora del Madagascar e le sue isole da forme sorprendenti.

Immagini di un mondo altro, in cui si respira un senso di pace e armonia con la natura.

È straordinario guardare questi panorami di terre isolate, per catturare le quali Salgado ha spesso sfidato il tempo, aspettando pazientemente la luce giusta e il momento giusto.

Il bue muschiato, i leoni marini, i pinguini, ma anche le bellissime foto di renne stagliate a branchi contro bianco della neve, come macchie di inchiostro irregolari su di un foglio: si muovono in lontananza, camminano.

Le immagini di questa esposizione sono state scattate tutte nel primo decennio degli anni 2000.

Dal Canada alla Siberia, passando per la California e il Grand Canyon. Terre selvagge, spesso inospitali, che diventano negli scatti del fotografo racconti di viaggio e di vita, come quella dei Nenci, popolazione indigena Russa, che vivono nelle loro tende o čum, nel Nord del golfo dell’Ob, ma anche l’Alaska, dove Salgado sembra carpire l’anima degli uomini e delle donne che ritrae mentre mostrano i loro abiti tradizionali in pelliccia.

Persino i fiumi si tramutano in poesia di luci e ombre, catturati come folgori lucenti tra le rocce.

Dal grigio e dai colori freddi che caratterizzano le prime sale, passo ai toni caldi del bordeaux di quelle al primo piano del museo, dove prosegue la mostra e il mio percorso in questi mondi fantastici. Percepisco già che il clima è cambiato, passando dalle aree algide del nord alle terre calde dell’Africa, da sempre terra molto cara al fotografo che la definisce “apparentemente eterna”.

Qui la natura si fa rigogliosa, frastagliata, ricca di flora e fauna, come i gorilla di montagna, il babbuino Gelada, gli elefanti africani.

Le didascalie che accompagnano le foto, diventano quasi stralci enciclopedici del National Geographic, e così apprendo che le donne degli himba, dalle lunghe treccine ricoperte di ocra e grasso, appartengono ad una comunità quasi esclusivamente femminile, perché gli uomini si sono allontanati con le loro mandrie in cerca di acqua e pascoli.

Le sale dell’Amazzonia sono di un vivace color turchese, lo stesso che probabilmente caratterizza le foreste del Brasile, dove il fotografo ritrae gli Zo’é, piccola comunità di appena 275 membri che vivono suddivisi in una decina di piccoli paesi collegati tra loro da sentieri.

E guardando queste bellissime immagini è impossibile non domandarsi se non sia proprio questa la genesi, l’origine di ogni cosa, tra i giaguari in agguato e la pesca della tribù waura nel lago Piyulaga.

ART NEWS

Fede Velata, la statua gemella della Pudicizia di Cappella Sansevero a Napoli

Tra qualche giorno si conclude, dopo un breve periodo di proroga, la mostra Le Stanze Segrete di Vittorio Sgarbi, allestita dal critico d’arte al Castello Visconteo Sforzesco di Novara.

Una mostra che, come avevo già raccontato in un mio precedente post, ha reso omaggio alla bellissima collezione d’arte di Rina Cavallini-Sgarbi, madre del noto storico dell’arte, nonché grande appassionata e collezionista di opere uniche.

Innocenzo Spinazzi, Fede Velata – Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze

Non ho avuto modo di vedere personalmente la rassegna, ma sfogliandone il catalogo sono stato particolarmente rapito dall’opera di Innocenzo SpinazziFede Velata.

Antonio Corradini, La Pudicizia (o Pudicizia Velata) Cappella Sansevero a Napoli

I partenopei probabilmente avranno già capito, guardando la straordinaria somiglianza dell’opera (che vi mostro qui in una foto di wikipedia) con quella del 1752 di Antonio CorradiniPudicizia (o Pudicizia Velata), scultura che si trova all’interno della Cappella Sansevero a Napoli, dedicata a Cecilia Gaetani dell’Aquila d’Aragona, madre di Raimondo De Sangro Principe di Sansevero.

Un’opera, quella di Corradini, dai tanti significati simbolici, a cominciare dalla virtù, raffigurata come una donna che con leggiadria si appoggia ad una lapide spezzata, come la vita della Gaetani morta prematuramente. Lo sguardo perso nel vuoto, quasi inespressivo, mentre un albero della vita germoglia dal marmo in questo tema di vita e di morte che ripercorre l’intero ciclo dell’esistenza terrena.

Antonio Corradini, La Pudicizia (o Pudicizia Velata)
Cappella Sansevero a Napoli

L’opera è considerata da molti il vero capolavoro di Corradini, e a giudicare dal finissimo quanto realistico velo che copre completamente la figura della donna, è facile capirne il motivo. La Pudicizia infatti si svela in trasparenza, attraverso un tessuto leggero, perfettamente drappeggiato, che aderisce alle forme morbide della donna, evidenziandone il delicato volto e la vita, stretta appena da una cintura floreale.

Francisco Basoletti, murales
Quartieri Spagnoli a Napoli

La scultura di Corradini, protagonista di un imponente murales di Francisco Basoletti nei Quartieri Spagnoli, vuole essere anche un tributo alla velata Iside, alla quale era probabilmente dedicata una raffigurazione posta proprio dove oggi sorge la statua dello scultore italiano, anch’esso massone, e che consapevolmente aiutò De Sangro nella realizzazione di una Cappella fortemente caratterizzata dalla simbologia massonica e occulta.

L’opera dello Spinazzi si trova invece, insieme ad un’altra figura, la Penitenza, nelle nicchie del lato sinistro di Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze. Benché la scultura velata di Spinazzi somigli molto di più alla Pudicizia, lo scultore, di origine romana, ebbe probabilmente modo di vedere un’altra opera del Corradini, Tuscia (o Tucciavelata, esposta all’epoca nella capitale a Palazzo Barberini, e eseguita dal Corradini nel 1740.

La raffigurazione di quello che nella statuaria antica era il peplo, è un tema ricorrente anche nella scultura del XVIII secolo, ed è coerentemente ripreso nell’ambito del classicismo del tempo.

Innocenzo Spinazzi, La Penitenza
Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze

A Roma Spinazzi era stato allievo dello scultore Giovanni Battista Maini, dal quale apprende e riprende quell’eleganza formale che ritroviamo in sculture come la Penitenza.

Un omaggio, quello di Spinazzi, alla tradizione tardo-barocca di fine ‘700 in cui lo scultore è perfettamente inserito.

MUSICA

Ciao Dolores, voce di un’epoca che se ne va con te

Oggi è morta Dolores O’Riordan, voce e anima dei Cranberries. Aveva solo 46 anni.

Ho scoperto Dolores O’Riordan negli anni 2000. All’ora cantava Just my imagination e la prima volta che la vidi fu in questo coloratissimo videoclip che andava in rotazione su MTV, che ai tempi aveva ancora il doppio logo di Rete A.

Nel video Dolores ascoltava musica in cuffia, mentre guardava un variopinto mondo fatto di farfalle e fiori.

Ai tempi ero poco più che un adolescente, ed ero inconsapevole del fatto che quella voce vibrante fosse la stessa che qualche anno prima mi aveva già accompagnato in tanti momenti della mia vita, d’estate al mare, quando ragazzino sul Lido Pagano 2 inserivo 500 lire nel Juke-Box per ascoltare Zombie, vecchia di un anno, ma già classico.

E non sapevo che sua era anche Animal Instinct, con quella forza vocale che ascoltavi quasi in modo catartico e liberatorio al bar della spiaggia, mentre giovanissimo immaginavi il mondo ai tuoi piedi quasi liberando quell’istinto animale che nemmeno sapevi bene cosa fosse. Era il 1999, l’anno di Entrapment e del millennium bug.

E poi ascolti Dreams, e ti ritorna in mente quel vago spot in TV di non-so-cosa.

Erano gli anni dell’incoscienza, quelli in cui la sua voce mi ha tenuto compagnia, gli anni delle prime scoperte, dei primi baci e delle prime consapevolezze. Gli anni di quando marinavi la scuola e passavi notti insonni per preparare compiti in classe e interrogazioni.

Gli anni de “il latino che palle!”, dei lenti alle feste a casa degli amici ballando Linger, o di quella canzone che hai riconosciuto nel tuo telefilm preferito.

Non c’era Shazam o YouTube all’ora, ma CD, musicassette e registrazioni dalla radio. Le cose dovevi conoscerle o sentirle.

E poi ricordi quella volta che “Analyse mi piace un sacco!” al telefono con il tuo migliore amico, perché non potevi condividerla su facebook, né farlo sapere agli altri se non parlandone durante l’intervallo in classe o all’uscita da scuola.

Erano gli anni di Total Request Live e di Select con Daniele Bossari.

Camaleontica, mai uguale eppure sempre fedele a se stessa e al suo stile.

Quelle classifiche sono oggi annali dei ricordi di un’epoca che la voce di Dolores, dei Cranberries il suo gruppo, ha contribuito a segnare con quella modulazione così riconoscibile quanto unica.

E poi c’è Stars, il singolo che “hai sentito forse si sciolgono”, l’ultimo firmato con la band. Era il 2002, i modem erano a 56k e prima di connettersi facevano un rumore strano tipo navicella-degli-alieni-sta-atterrando.

Poi c’è la pausa, quella durante la quale la vita continua il suo corso, ascoltando le sue canzoni, quelle dei The Cranberries, come reliquie sonore mentre aspetti che ritornino insieme, e intanto c’è il diploma, l’università, i primi lavori, e quell’adolescente che l’ascoltava inconsapevolmente sulla spiaggia è ormai un uomo che riascolta già i suoi pezzi con nostalgia.

Nel frattempo arriva il download di musica illegale, quello legale, sono gli anni di Napster e di iTunes. Gli anni dell’iPod e dei Blackberry.

Per tutti è diventata universalmente Dolores O’Riordan nel 2007, quando pubblica il suo primo album da solista, Are you listening?, e quella sua Ordinary Day che di ordinario non aveva nulla. Ma anche in quel momento lei non continuava ad essere non solo la voce, ma l’anima dei Cranberries, di un gruppo che faceva parte di noi e di lei e che ritroverà di nuovo qualche anno più tardi con l’album Roses, perché forse anche in un gruppo non c’è amore senza spine, anticipato dal singolo Tomorrow, domani, che profeticamente dice “Tomorrow could be too late”, domani potrebbe essere troppo tardi, e così che è andata via questa voce che resterà nei nostri cuori, all’improvviso. Troppo presto.

Ciao, Dolores. Mi mancherai.

TELEVISIONE

American Crime Story, la controversa serie sulla morte di Gianni Versace

A pochi giorni dalla messa in onda statunitense (e italiana) di American Crime Story: The Assassination of Versace, si ritorna naturalmente a parlare di lui, di Gianni Versace, storico fondatore dell’omonima casa di moda, assassinato il 15 luglio del 1997. Se da un lato è un modo per riscoprire le radici della Medusa, questo da sempre il logo della maison, come ha fatto Donatella omaggiando il fratello scomparso nell’ultima sfilata, dall’altro diventa un modo morboso per eviscerare tutti i rapporti dello stilista di Reggio Calabria, incluso quello con la sorella che ne ha ereditato il marchio e la pesante eredità artistica di tutta una vita.

Il serial, che in nove puntate vuole ricostruire la vita e la morte dello stilista italiano, parte proprio da qui, dalla fine, e da quel tragico giorno nella villa di Miami quando Gianni fu sparato proprio sui gradini della sua villa.

Da qui un percorso a ritroso, che restituisce al pubblico fatti (romanzati, s’intende) che finora ha soltanto potuto immaginare, come il rapporto tra i fratelli Versace o quello con l’ex modello Antonio D’Amico, compagno dello stilista, qui interpretato da Ricky Martin.

l’attrice Penelope Cruz nei panni di Donatella Versace

A dare il volto agli stilisti italiani c’è invece un cast prevalentemente latino, dalla spagnola Penelope Cruz, premio Oscar per Vicky Cristina Barcelona, l’interpretazione senza dubbio più attesa, che dà il volto a Donatella, passando per il venezuelano Édgar Ramírez, che interpreta Gianni e, per farlo, è ingrassato di circa dodici chili.

l’attore Édgar Ramírez nei panni di Gianni Versace

Una serie molto attesa, questa seconda stagione antologica, creata dal genio di Ryan Murphy, che aveva dedicato la prima serie a O. J. Simpson, caso di cronaca poco noto in Italia sul giocatore di football accusato dell’omicidio di sua moglie.

la copertina del libro di Maureen Orth

In onda dal 19 gennaio sul canale satellitare Fox Crime, la serie attinge da un libro di cronaca non autorizzato, Vulgar favors : Andrew Cunanan, Gianni Versace, and the largest failed manhunt in U.S. history (Favori volgari: Andrew Cunanan, Gianni Versace e la più grande caccia all’uomo fallita nella storia degli Stati Uniti) della giornalista Maureen Orth, e si preannuncia già come una delle produzioni più discusse e calde di questa nuova stagione televisiva.

Tra le motivazioni ci sarebbe il fatto che il compianto stilista aveva dichiarato al mondo la propria omosessualità solo poco tempo prima della sua morte, nascondendo nell’armadio uno scheletro ben più spaventoso che continuava ad ossessionarlo, il timore che fosse HIV positivo.

Immediata la reazione della casa di moda, che ha preso le distanze dalla serie e, tiene a precisare, nulla ha a che vedere con questa produzione della rete americana FX: «La famiglia Versace non ha autorizzato né ha avuto alcun coinvolgimento nella serie televisiva dedicata alla morte di Gianni Versace – ha dichiarato in merito Donatella Versace – dato che Versace non ha autorizzato il libro da cui è parzialmente tratta, e non ha preso parte alla stesura della sceneggiatura, questa serie televisiva deve essere considerata un’opera di finzione».

Ma, polemiche a parte, Versace farà anche la gioia degli amanti della moda e del glamour, poiché già dalle prime immagini si preannuncia molto patinato e ricco.

Lou Eyrich, costumista della serie, ha detto di aver acquistato capi vintage Versace, per ricreare l’ambiente della Miami degli anni ’90, e ritrovare le iconiche fantasie che da sempre caratterizzano la casa di moda: dalla stampa barocca agli abiti in metallo, dalle fantasie animalier all’immancabile logo della casa, come dimostra l’ultima settimana della moda milanese in cui la stilista ha presentato la collezione Go big & go home, declinando le storiche fantasie della casa della Medusa in una versione urban più moderna, ritrovando le vere radici e rifiutando fermamente una serie che noi invece non vediamo l’ora di vedere.

ART NEWS

I Longobardi, un popolo che cambia la storia. Al MANN fino al 25 marzo

Per chiudere in bellezza l’anno appena passato, ho deciso di vedere la mostra i Longobardi, al Museo Archeologico Nazionale di Napoli fino al prossimo 25 marzo. Una rassegna itinerante, questa, che fa tappa a Napoli dopo l’esposizione pavese al Castello Visconteo.

Longobardi. Un popolo che cambia, questo il titolo completo della rassegna, apre un’ampia parentesi monografica su questa dinastia che ha dominato il nostro paese dal II al VI secolo d.C e sulla sua evoluzione nel corso dei secoli.

Una mostra storico-artistica nel senso più ampio di questa accezione, che ripercorre non soltanto la grande maestria artigianale di questa popolazione di origine germanica, ma anche il percorso geografico che dal nord dell’Italia ha portato alla conquista anche dell’entroterra meridionale del nostro Paese.

Allestita al primo piano del museo napoletano con un allestimento che, benché bellissimo, tanto ha tolto alla pavimentazione messa in opera proveniente dall’antica Pompei.

Una ricostruzione di ampio respiro, questa, che vede lungo il suo percorso corredi funerari, monili preziosi e persino carcasse di cavalli.

I reperti sono accompagnati da video-installazioni cui sono affidate le pagine storiche della mostra, che restituiscono ricostruzioni anche tridimensionali di siti e luoghi, mostrando minuziosamente, usi, costumi e percorsi lungo la nostra penisola.

Mariano Cervone alla mostra I Longobardi al Museo Archeologico Nazionale di Napoli

Spade, spilloni, spille, fibbie, ma anche abiti e oggetti in pelle. Sono tanti e variegati gli oggetti che è possibile vedere attraverso le eleganti vetrine esagonali, che sposano i colori del verde e dell’arancio a motivi geometrici.

Non mancano teschi e incunaboli, con approfondimenti che vanno dall’antropologia alla cultura.

Ciò che sorprende più di ogni altra cosa è l’estensione di questa rassegna, in cui trovano posto anche epigrafi e fregi ornamentali, marmi in cui era scolpita l’arte e la storia longobarda, il cui gusto orientaleggiante incontra il cristianesimo, nelle sue croci d’oro e nelle raffigurazioni.

 

Per le immagini della mostra, vi rimando al mio profilo instagram @marianocervone

LIFESTYLE

Gucci Garden, giardino delle delizie a Palazzo della Mercanzia a Firenze

L’ultima tendenza del lusso è la declinazione food. Se Tiffany a New York ha infatti aperto un Blue Box Cafè nella sua iconica gioielleria sulla quinta strada, Gucci a Firenze inaugura oggi il suo Gucci Garden a Palazzo della Mercanzia. Un giardino delle delizie, a cura di Alessandro Michele, direttore artistico della maison.

Il museo della casa di moda italiana, che ha sede nello storico Tribunale di Piazza della Signoria, si trasforma così in uno spazio multifunzione, che vuole stimolare anche i sensi olfattivi e gustativi dei suoi ospiti.

Costruito nel 1359, in piena epoca medievale, il palazzo della casa di moda risponde allo squisito gusto fiorentino del tempo. Il tribunale ha visto il passaggio di avvocati forestieri e consiglieri cittadini, scelti tra le arti maggiori per giudicare le cause dei mercanti fiorentini in qualunque parte del mondo si trovassero, e tutte le controversie commerciali tra i membri delle corporazioni delle Arti a Firenze.

In origine la facciata comprendeva anche un portico, dove Taddeo Gaddi avrebbe dipinto La Verità che cava la lingua alla Bugia, mentre Sandro Botticelli e il Pollaiolo invece una serie di Virtù, oggi visibili all’interno delle sale degli Uffizi.

Bellissima la massima latina che recita Omnis sapientia a Domino Deo est, ogni conoscenza (o forse è più appropriato dire giudizio) viene dal Signore.

Ancora ben visibili tutti gli stemmi che rappresentano le arti maggiori e minori.

Gucci Garden, interno

Sede del museo Gucci dal 2011, inaugurato in occasione del novantesimo della maison nata nel 1921, vede oggi gli ambienti tripartiti, dove trova posto una boutique al pian terreno, in cui sarà possibile acquistare oggetti a tiratura limitata, creati proprio per questo spazio, ispirati allo storico marchio.

Scatole con la caratteristica texture della casa di moda, manichini vestiti di raso, ma anche oggetti più recenti, memorabilia e Gucci Decor, arrivando alla nuova collezione di borse con pipistrelli e occhi e l’arte contemporanea.

Ma è il lato sinistro a destare maggiore attenzione, dove ospiterà un’osteria, naturalmente Deluxe, curata dallo chef tre volte stellato Michelin, Massimo Bottura, conosciuto soprattutto per la sua Osteria Francescana al centro di Modena e per i Refettori.

La Galleria Gucci, che vede i suoi spazi in perenne trasformazione, è curata da Maria Luisa Frisa ed è organizzata per aree tematiche.

Convivialità con stile ed eleganza. Sono questi i tre elementi che rendono il lusso esperienziale. Cene gourmet, piatti esotici, cake design. La cucina incontra la moda, per un food che vuole essere piacere per gli occhi prima che per il palato.

INTERNATTUALE

Se la Reggia di Caserta diventa il nuovo “Castello delle Cerimonie”

In questi giorni si è molto discusso e si continua a discutere della festa faraonica alla Reggia di Caserta. Si è trattato del matrimonio dell’AD del brand Frankie Morello, Angela Ammaturo, che ha voluto il complesso vanvitelliano per il suo giorno più bello.

Se le polemiche suscitate finora dall’obsoleta filastrocca sulla disparità tra ricchi e poveri, sono abbondantemente superate dal fatto che questa, il noleggio di musei e edifici pubblici, è una pratica più che diffusa all’estero, basti considerare il Guggenheim a New York ma anche la Reggia di Versailles, a far parlare in queste ore è l’aver oltrepassato quella dignità di luogo d’arte che pone sullo stesso piano la Reggia di Caserta al Grand Hotel La Sonrisa a Sant’Antonio Abate, più noto al grande pubblico come il Castello delle Cerimonie.

il florist a cavalcioni sul leone dello scalone della Reggia (foto pagina facebook Camilla Sgambato)

A far discutere in particolare è la foto postata sulla pagina facebook da Camilla Sgambato, parlamentare del PD, che ha (giustamente) mostrato un florist a cavalcioni su di uno dei famosissimi leoni dello scalone principale per allestire il complesso nel giorno delle nozze della Signora Ammaturo.

Ciò che forse sorprende di più è l’immediata la risposta di Mauro Felicori, direttore della Reggia, che fa leva sui numeri totalizzati dal sito casertano nel 2017: 837.848 visitatori con un incremento del 23% rispetto all’anno precedente, ed un introito di oltre 5 milioni di euro.

A questo punto però è doveroso fare un po’ di precisazioni, perché la sola motivazione di un bilancio più che positivo per il sito da sola non basta a giustificare la totale mancanza di rispetto dello stesso.

Che una mentalità imprenditoriale fosse fondamentale per i direttori dei musei italiani, e campani in particolare, era indubbio, come è assiomatico che essi dovessero assumere un comportamento manageriale ponendosi come obiettivo, al pari di qualsiasi azienda, quello di produrre ricchezza per sostenere e alimentare l’intero ciclo museale.

Dipendenti, manutenzioni ordinarie e straordinarie, restauri sono tutte attività necessarie per garantire il naturale ciclo vitale di un’opera, un monumento, un sito o parco archeologico, hanno dei costi ed è giusto ricercare e raccogliere, in un momento storico come il nostro, anche fondi privati affinché questo ingranaggio continui a girare.

Si può e si deve dunque incentivare investimenti da parte di aziende private, vedi il restauro della Fontana di Trevi ad opera di Fendi o quello del Giardino dei Boboli a Firenze finanziato da Gucci, così come è giusto anche incentivare privati facoltosi a ricercare il lusso in una location d’eccezione che per altri è destinata a rimanere solo un sogno.

Ciò che però non bisogna mai dimenticare è il decoro del luogo che si intende, o si intenderebbe, valorizzare, affinché non passi l’errato messaggio che chi paga può tutto, compreso l’uso improprio e del tutto arbitrario di un’opera.

Reggia di Caserta scalone reale – foto da artemagazine.it

Se va bene il fatto che il Direttore Felicori ha autorizzato l’allestimento floreale della scala perché simbolo di gioia collettiva e, a suo dire, ha pensato che “non dispiacesse ai visitatori, anzi”, è assolutamente ingiustificato ed ingiustificabile il fatto che non ha preso le distanze dal comportamento degli allestitori e dal conseguente rischio di poter danneggiare anche in modo permanente il sito o parte dello stesso.

Probabilmente il Direttore Felicori ha dimenticato che lo scalone reale a doppia rampa è un autentico capolavoro dell’architettura tardo-barocca, e che le sculture leonine letteralmente calpestate dai fiorai sono due opere in marmo di Pietro Solari e Paolo Persico del XVIII secolo. La Reggia di Caserta è stata inoltre inclusa nel patrimonio dell’UNESCO dal 1997, e di certo non è un ristorante di quarta categoria da riempire a tutti i costi.

È vero che un evento mondano può talvolta contribuire anche al rilancio di un museo, e a quell’immagine un po’ polverosa e preconcetta che spesso si ha dei luoghi di cultura, ma è altrettanto vero che siti come il Museo Archeologico Nazionale di Napoli attraverso una proficua simbiosi tra archeologia e arte contemporanea, mostre, applicazioni ed un crescente interesse mediatico, che ha portato set di film come Napoli Velata di Ozpetek, fiction rai come Sirene, produzioni Netflix e persino videoclip, ha raggiunto il traguardo dei 500.000 visitatori nel 2017 senza scendere a patti che compromettessero la storia e il prestigio del museo e delle collezioni in esso contenute.

Parimenti la Reggia di Caserta, che conta una notorietà forse maggiore del MANN, ha visto inoltre negli anni film come Angeli e Demoni e Mission Impossible III, attori quali Tom Hanks e Tom Cruise, ma anche fiction rai come Luisa Sanfelice con Letizia Casta con un ritorno mediatico enorme, come se la fama da sola già non bastasse a fare da attrattore turistico, senza considerare documentari che periodicamente le vengono tributati, ultimo proprio quello di Alberto Angela questa sera, Meraviglie, che gli dedicherà un’ampia pagina nella prima serata di raiuno.

Dopo aver visto la foto della Sgambato, è lecito supporre che altri usi impropri del sito siano stati fatti affinché soddisfacesse la funzione di location per ricevimenti, avallata dal fatto che il Direttore nella sua risposta non ha benché minimamente preso le distanze da atti che restano sconsiderati.

Non che la Reggia, successi a parte, goda di una amministrazione ottimale. Appena lo scorso dicembre infatti l’intonaco del soffitto nella Sala delle Dame di Compagnia ha ceduto ed è crollato proprio durante una qualsiasi mattinata di visita. Non ci sono stati feriti, per fortuna, ma tanta paura per una storia che poteva finire peggio.

Ma quello del 2017 non è il solo caso. Già nel 2014 un altro crollo aveva interessato il soffitto della reggia, e l’Huffington post ne parlava addirittura come “Reggia del Degrado”.

Sono andato sul profilo ufficiale del Direttore, e ciò che forse più di tutto mi ha deluso, è il fatto che il direttore non prenda le distanze da tanta superficialità, liquidandola semplicemente con un “verificherò cosa non ha funzionato nella vigilanza”, mentre mi aspettavo che fosse quantomeno un po’ indignato per quella che, a mio avviso, è una grave mancanza (seppur senza danni) di rispetto per l’opera e il sito stesso.

Da studioso di beni culturali e appassionato d’arte, non posso che non chiedermi anch’io come faremo in futuro a pretendere rispetto ai tanti ragazzini che visitano il sito se noi per primi lanciamo il messaggio che il denaro, da solo, giustifica qualsiasi azione?

CINEMA, LIBRI

Chiamami col tuo nome, l’acclamato film di Luca Guadagnino

Chiamami col tuo nome – poster

Quando ho finito il romanzo di André Aciman, Chiamami col tuo nome, mi sono sentito fisicamente male tanta era la sofferenza e il pathos che l’autore ha saputo imprimere in quelle pagine. Era l’estate del 2011, e divorai il libro in appena un giorno e mezzo, immedesimandomi in quella sorta di diario segreto che quasi mi sembrò di aver trovato per caso.

Un’infatuazione estiva che a poco a poco si trasforma in un tormento interiore, in quella sofferenza squisitamente adolescenziale che nasconde accenni di un sentimento ben più radicato e profondo.

Potrei riassumerla così la trama di questo libro ambientato agli inizi degli anni ’80 in una imprecisata località di villeggiatura del nord Italia (forse la costa ligure, nel romanzo invece la campagna lombarda), che racconta con spietata crudezza la storia d’amore tra due ragazzi.

Non era facile dunque per Luca Guadagnino trasporre nel film tanta carica emotiva. Il regista ci ha provato con l’aiuto di un veterano del genere, James Ivory, che con lui ha tratto dal libro la sceneggiatura di un film, in uscita da noi il 25 gennaio, che sta raccogliendo consensi e premi in ogni dove.

Era naturale dunque che, con queste premesse, fossi particolarmente incuriosito di vedere questo film, che è riuscito a portare un po’ del nostro Paese persino nelle categorie principali dei Golden Globe e, forse, potrebbe rappresentarci anche agli Oscar bissando quell’impresa che fu di Roberto Benigni e del suo La Vita è Bella ormai ben vent’anni fa.

Non starò qui a fare la solita tiritera su quanto il libro sia superiore al film, perché chiaro che ogni lettore lascia nelle pagine anche un po’ di sé stesso, facendo sua la storia che legge. Ma qui, più di ogni altro romanzo, Luca Guadagnino aveva l’ingrato compito di portare sul grande schermo un’interiorità emotiva diversa.

La sua è una regia asciutta, scevra da artifizi hollywoodiani, da colonne sonore ingombranti o sensazionalismi amorosi.

Tutto avviene lì, davanti agli occhi dello spettatore che quasi ha la sensazione di osservare la scena da dietro una siepe in giardino, un angolo in penombra della casa, la serratura di una porta.

Amira Casar, Michael Stuhlbarg, Armie Hammer, and Timothée Chalamet in Chiamami col tuo nome (2017)

Luca Guadagnino ci riporta negli anni ’80, e non si avvale solo di auto vintage e ambientazioni perfettamente ricostruite, restituendo fedelmente un momento storico-politico italiano, ma introduce un elemento in più, che nel libro di Aciman forse mancava, i riferimenti musicali. Radio Varsavia, J’adore Venise, ma anche Paris Latino e Lady Lady Lady. Battiato, Berté, Bandolero, Giorgio Moroder ci fanno ricordare esattamente come dovevano essere le serate estive nei locali all’aperto delle piccole cittadine di vacanza. Fumosi, chiassosi, con lampadine colorate e senza particolari controlli né pericoli. Un senso di libertà perduta, che si fa chiaro manifesto di un’epoca.

I lettori del romanzo come me, forse si aspettavano una voce narrante che desse corpo ai pensieri del giovane Elio, così come Aciman li ha delicatamente tracciati sulle pagine del suo romanzo, ed è forse questo ciò che manca alla pellicola, che è perfettamente calata nello stile di Guadagnino, così come l’intenso finale del romanzo, che sfuma nel film in una scena che probabilmente non rende davvero giustizia al viscerale climax sapientemente delineato dall’autore statunitense.

Luca Guadagnino è tuttavia riuscito a cogliere l’essenza del romanzo, e dare alla storia la materica consistenza della realtà.

Armie Hammer and Timothée Chalamet in Chiamami col tuo nome (2017)

E se il regista di Io sono l’Amore ha mantenuto la scomoda scena della pesca (chi ha letto il libro sa bene di cosa parlo), altre parti della storia sono state narrate o tagliate con una maggiore licenza poetica, tramutando Roma in Bergamo e tralasciando intellettualismi letterari per rispondere, forse, alle leggi dell’odierna cinematografia.

Molto bravi i due interpreti, Armie Hammer (Oliver) e il giovane Timothée Chalamet (Elio), a dispetto di una non proprio felice pronuncia nelle scene in italiano, che hanno però saputo dare vita a questa passione segreta, quest’amore proibito vissuto con la discrezione di chi teme la luce del sole e le convenzioni sociali, ma con il disinibito desiderio di due amanti segreti che continueranno a cercarsi.