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La pop-art italiana alla Galleria d’Arte Moderna Pizzinato a Pordenone

Da qualche tempo stiamo assistendo ad una vera e propria haute couture dell’arte. Non ci sono passerelle qui, ma musei che diffondono il gusto, quello culturale s’intende, per le tendenze espositive. Se al Museo del Novecento a Milano Boom 60 occhieggiava alla comunicazione mediatica degli anni ’50 e ’60 in pieno boom economico, alla Galleria d’Arte Moderna Armando Pizzinato di Pordenone il 13 maggio 2017 arriva una mostra che mette insieme i maggiori esponenti della Pop Art italiana. Il mito del pop percorsi italiani, questo il titolo della rassegna a cura di Silvia Pegoraro, riunisce una ventina di artisti per un totale di settanta opere selezionatissime. Mimmo Rotella, Tano Festa, Franco Angeli e Mario Schifano sono solo alcuni dei nomi messi insieme per dar vita a qualcosa di unico e irripetibile. Alcuni dei lavori che troveranno posto lungo il percorso non sono mai stati esposti al pubblico e si affiancheranno ai famosi décollages-collages dei manifesti pubblicitari rotelliani, alle lupe e le acquile di Angeli o le riletture di Michelangelo e dei grandi maestri di Festa.

Galeotta fu la Biennale di Venezia che nel 1964 celebra la pop-art statunitense.

Immagini che coniugano il boom economico al fascino senza tempo della dolce vita: «È il momento – afferma l’Assessore alla Cultura del Comune di Pordenone Pietro Tropeano – di avviare l’approfondimento e la rilettura di un movimento artistico italiano di grande importanza com’è quello della Pop Art in Italia che ha avuto tanti protagonisti in un periodo tra i più vivaci dell’arte contemporanea nel nostro paese».

L’esposizione, che resterà aperta al pubblico fino al prossimo 8 ottobre, è promossa e organizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Pordenone, in collaborazione con l’Ente Regionale per il Patrimonio Culturale della Regione Friuli Venezia Giulia, con il contributo di Fondazione Friuli, e il sostegno di Crédit Agricole Friuladria e Itas Mutua.

Una mostra che ricorre nel trentennale della morte di Ettore Innocente, grande esponente della pop art italiana, al quale è dedicata la locandina dell’evento, e che acquista così una connotazione celebrativa di un gusto sempre attuale e di una figura che ha contribuito a renderlo grande agli occhi del mondo, diffondendo quello stile tipicamente italiano: «Il gusto tutto europeo e italiano, prima ancora che nei riferimenti alla tradizione artistica, si manifesta – afferma la curatrice – in tutti questi artisti nella forte istanza di intervento artigianale/manuale, lontana dalle tecniche prettamente industriali utilizzate dalla Pop americana. Una originalità che le opere in mostra confermano. Evidenziando che, fondamentale nel confronto, è soprattutto l’inclinazione degli italiani a lavorare su stereotipi culturali, anziché soltanto su oggetti-merce e su immagini della comunicazione di massa, con una più spiccata manipolazione delle immagini».

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Bill Viola: “Rinascimento Elettronico” a Palazzo Strozzi a Firenze fino al 23 luglio

Un fuoco. Una videoinstallazione di un grande incendio, i cui crepitii si propagano in tutta la sala, e per un momento Palazzo Strozzi sembra bruciare davvero. Non poteva che iniziare così la mostra di Bill Viola, Rinascimento Elettronico, a Firenze fino al 23 luglio 2017, dove sono stato ospite durante il mio soggiorno fiorentino

Una performance di Phil Esposito, proveniente dallo studio dell’artista, che si lascia idealmente divorare dalle fiamme, diventando egli stesso fuoco. Un fuoco che è passione, un fuoco che è purificazione, un fuoco che è luce, morte, rinascita, rinascimento.

Fuoco, che si trasforma in acqua dall’altra parte della sala, dove specularmente è proiettato un video dove tutto invece è travolto dall’acqua. L’acqua, l’elemento principe nella video-art di Viola, con cui si misurerà sin dai primi esordi alla fine degli anni ’70.

Due facce della stessa medaglia, due aspetti del ciclo vitale: l’acqua e il fuoco, componenti essenziali, e talvolta devastatrici, della vita stessa dell’Uomo.

Bellissimo il dialogo dell’artista italo-americano con la Visitazione di Carmignano del Pontormo, che con i suoi video al rallenty che si ripetono in loop, sembrano riportare in vita il dipinto cinquecentesco, facendoci riflettere sul vento che gonfia le vesti delle donne ritratte dal pittore italiano, e al contempo ci restituisce un’idea fedele dei gesti, i sorrisi, le espressioni che il maestro della videoarte traspone in una indefinita contemporaneità.

Sorprende Il Sentiero, che mostra degli uomini e delle donne attraversare un bosco percorrendo in silenzio lo stesso cammino che, idealmente, si ritrova a percorrere anche il visitatore stesso per spostarsi nell’altra sala, quasi a diventare tutt’uno con l’arte di Viola.

Viola. Un cognome, che tradisce l’origine italiana del maestro americano. Viola, come il colore di una città, Firenze, cui questa mostra è intrinsecamente legata.

Il Rinascimento Elettronico di Viola è davvero un nuovo Rinascimento, contemporaneo, forte, che pone l’uomo al centro del suo lavoro, e che oggi come all’ora continua a far riflettere. Il raffronto con Andrea Di Bartolo pone l’accento proprio sul tempo e la spiritualità, con l’alternarsi delle stagioni, in una giornata, quella della stanza di Caterina che, metaforicamente, diventa la vita intera di ognuno di noi.

L’apice di questo percorso di storia dell’arte contemporanea è probabilmente il confronto con Masolino da Panicale, Cristo in Pietà, che nella versione di Bill diventa un’Emersione, che qui si fa manifesto dell’intera rassegna. Cristo che emerge dal sepolcro come un inerme eroe greco sconfitto in battaglia: diafano, indifeso, nudo, che tuttavia non vuole essere scabroso o scandalistico. Accanto a lui una Maria e una novella Maddalena, archetipi di quei legami incondizionati che derivano dal sangue e dall’amore.

Nella videoarte di Bill Viola la realtà è sospesa, a tratti stravolta e capovolta, ma resta intatta la sua forza di comunicazione.

Lungo il percorso museale trovano posto anche le opere più vecchie dell’artista, quelle su nastro, fino alle moderne tecnologie dell’alta definizione e dei pannelli LED.

La mostra, come nuova moda museale impone, presenta diverse appendici in giro per Firenze, negli Uffizi, ma anche nel Museo del Duomo, dove Viola incontra la Maddalena Penitente di Donatello, e ci mostra una donna, che spiritualmente ne eredita il ruolo, che nella forza dell’acqua ritrova quella catarsi, che alla fine di questo straordinario percorso diventa anche quella del visitatore stesso.

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L’Art Déco, l’amore per il lusso e la modernità in mostra a Sogliano al Rubicone

per BROWSER e DESK queste tre foto titolo L'Art Deco' nella collezione Parenti
Vogue, Collezione Parenti

Dopo Caravaggio, la moda museale del momento è sicuramente l’Art Déco. Sono ben due, tutte in territorio romagnolo, le rassegne dedicate allo stile che negli anni ’20 ha segnato un’epoca, rappresentando, ancora oggi, una fonte di ispirazione per architetti e artisti di ogni decennio a venire.

Fino al prossimo 16 luglio, al Museo di Arte PoveraSogliano al Rubicone (in provincia di Forlì-Cesena), sarà infatti possibile ammirare Art Deco nella collezione Parenti. Moda e pubblicità nell’epoca dorata successiva al Liberty, questo il titolo della rassegna che mette insieme l’ampia Collezione Parenti, oltre 300 opere.

Sono molto legato a questi luoghi, chi mi segue su instagram lo sa bene.

Lavori grafici dal tratto inconfondibile, che raccontano una smodata passione per il lusso, una ricerca estetica del bello, esprimendo la gioia per la vita e la voglia di godersela in quelli che erano gli anni ruggenti, che ambivano soprattutto alla modernità. Automobili certo, ma anche abiti dal taglio moderno, per donne che iniziavano ad emanciparsi dal semplice ruolo di mogli e madri, ma anche una velata ricerca di sensualità e piacere.

art-deco-museo-di-arte-povera-sogliano-al-rubicone-internettualeLa mostra incontra un’altra importante rassegna su questo stile, quella dei  Musei di San Domenico a Forlì fino al prossimo 18 giugno.

All’interno di Palazzo Marcosanti i visitatori potranno ammirare le opere allestite, che raccontano la fioritura di una creatività che si diffuse presto in tutta Europa, e che in Italia ebbe una notevole influenza non soltanto negli stili architettonici, ma anche nelle arti decorative e nell’industria, rappresentando un germe di quello che fu la fioritura del design italiano.

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I Tesori Nascosti di Vittorio Sgarbi a Napoli fino al prossimo 28 maggio

Dal 5 dicembre, alla Basilica di Santa Maria Maggiore a Napoli, detta la Pietrasanta, arrivano i Tesori Nascosti di Vittorio Sgarbi. Una mostra che mette insieme opere di collezionisti privati nel cuore del capoluogo partenopeo, a due passi da San Gregorio Armeno e la storica Via dei Tribunali, l’antico decumano greco-romano che attraversa il centro storico della città.

Un’esposizione, questa, dal retrogusto civico, che mette insieme autori quali Tino di Camaino, alla corte di Roberto D’Angiò a Napoli dove è morto, Caravaggio, che soggiornò nella città di Partenope per un anno intero agli inizi del XVII secolo, o il napoletano Gemito, attivo nella città natale fino al successo dei Salons di Parigi a fine ‘800. Sono soltanto alcuni dei nomi, degli stili e delle epoche che ritroveremo nell’evento curato dal noto critico italiano che in merito ha detto: «Un luogo ritrovato di Napoli, la Basilica di Santa Maria della Pietrasanta una chiesa che è stata dimenticata, vicino a San Gregorio Armeno nel cuore di Napoli – commenta Sgarbi – e lì, in uno spazio che diventa museo, andranno i Tesori Nascosti».

La mostra infatti è allestita all’interno del complesso di Santa Maria Maggiore, primo edificio di culto, a Napoli, dedicato alla Vergine, a pochi metri dalla Cappella del Pontano e dell’adiacente Cappella del Santissimo Salvatore, dell’Arciconfraternita del Cappuccio alla Pietrasanta.

L’edificio sorge sui resti di una Basilica Paleocristiana del VI secolo, a sua volta costruita su di antico tempio di Diana, i cui marmi sono ancora incastonati nel campanile in laterizio nella piccola piazza antistante la Chiesa, risalente all’XI secolo.

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La Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta di Napoli (2016) – dal profilo instagram di @marianocervone

La facciata dell’edificio è attribuita all’Architetto Cosimo Fanzago, che nella metà del XVII secolo ne diede una rilettura in chiave barocca.

Il suo soprannome, Pietrasanta, è dovuto ad una leggenda secondo la quale al suo interno sarebbe stata custodita una pietra che procurava l’indulgenza a chi la baciava. La tradizione inoltre indica la chiesa come luogo di sepoltura di Papa Evaristo, quinto Vescovo di Roma tra il 96 e il 106 d.C.

La basilica è stata per lungo tempo oggetto di veri e propri atti vandalici: lasciata all’incuria del tempo e all’indifferenza di cittadini assuefatti all’overdose d’Arte della città, è stata anche arbitrariamente utilizzata come crossodromo urbano.

In un’ottica di recupero dell’edificio, la Curia di Napoli ha affidato la basilica al Dottor Raffaele Iovine, imprenditore napoletano, oggi Presidente della Fondazione Pietrasanta.

«Grandi capolavori della pittura italiana e soprattutto napoletana – prosegue il critico nella presentazione del progetto – che non si vedono, ma non sono nascosti o privati per cupidigia, ma appartengono a fondazioni, collezioni, istituzioni bancarie che hanno un loro patrimonio, ma non hanno un proprio museo come Palazzo Zevallos, che sia il luogo naturale in cui farli vedere».

Ed è proprio un istituto bancario, il gruppo CREDEM, il main sponsor di questo evento, che si preannuncia tra i più interessanti, se non IL più interessante del calendario culturale napoletano, e che gode del patrocinio dell’Arcidiocesi della Città di Napoli, della Regione Campania e del Comune e della città Metropolitana di Napoli.

La mostra sarà presentata alla stampa lunedì 5 dicembre, cui parteciperà Vittorio Sgarbi, guida d’eccezione per i presenti di questi capolavori, il Presidente della regione Campania, Vincenzo De Luca, l’assessore alla cultura Nino Daniele, il produttore esecutivo della mostra, Gianni Filippini, il presidente del Gruppo Credem, e il Dottor Raffaele Iovine.

Napoletani e turisti potranno invece ammirare queste straordinarie opere a partire da martedì 6 dicembre fino al prossimo 28 maggio 2017.

Una selezione molto attenta quella del noto critico italiano, che ha idealmente percorso la storia dell’arte dal ‘300 al ‘900, che costituiscono un museo vero e proprio, una temporanea pinacoteca in cui le opere, non legate ad una storia predefinita, sono affiancate con l’intento di aprire uno squarcio su opere nascoste, ma non per questo clandestine, ritrovate in una Chiesa ritrovata.

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Le sculture di Mitoraj a Pompei, a due passi tra la vita antica e quella moderna

IMG_0367Si ha la sensazione di trovarsi in un quadro di De Chirico, passeggiando in queste settimane tra le rovine di Pompei. Angeli, torsi virili, teste giganti dal sapore classico. Non sono nuovi ritrovamenti dell’antica cittadina romana, ma le imponenti sculture di Igor Mitoraj.

Le opere dello scultore polacco, scomparso nel 2014, sono infatti parte integrante del tradizionale percorso di visita degli Scavi Archeologici di Pompei fino al prossimo gennaio 2017, dove dialogano perfettamente tra domus e antiche costruzioni, segnando un sottilissimo confine tra l’antico e il contemporaneo.

Mitoraj infatti è stato attivo dalla fine degli anni ’60. Le sue opere ritraggono principalmente angeli, busti maschili, rifacendosi alle sculture dell’arte greca classica. La novità post-moderna delle sue opere sta nell’enfatizzare i danni subiti nei secoli dalle sculture classiche, che riproduce tramite la realizzazione di arti e membra mancanti. Le sue opere infatti restituiscono una bellezza senza tempo come la Nike di Samotracia, la Venere di Milo, l’Hermes con Dioniso di Prassitele.

Mitoraj Pompei 2016 - internettualeLe sue colossali sculture sono perfettamente incastonate nei complessi termali del Foro, cuore della città, dove si trovano i più maestosi esempi dei complessi termali della città.

Mitoraj esalta il corpo, ispirato da Fidia, dalle decorazioni frontonali del Partenone di Atene del V secolo a.C. I suoi corpi presentano volumetrie piene, perfette simmetrie dei corpi che mollemente si adagiano sul suolo pompeiano. Come la colossale statua dell’Icaro caduto, che si presenta allo spettatore nella sua imponente decadenza.

Durante la sua ricerca artistica il polacco osa, cambia, si trasforma insieme alla sua arte che lo anima, lavorando indistintamente la terracotta, il bronzo, il marmo.

IMG_0371Dopo le esposizioni di Agrigento, Tivoli, Firenze, Roma le opere dell’artista polacco giungono in un altro suggestivo sito che le mette in relazione col mondo antico. Quello di Pompei è infatti un sogno dello stesso scultore, che trova postuma realizzazione grazie alla collaborazione con Atelier Mitoraj di Pietrasanta, la Galleria d’arte Contini insieme alla promozione della Fondazione Terzo Pilastro. Il maestro aveva già immaginato dove collocare le sue opere quando era ancora in vita. È grazie all’interpretazione di queste sue ultime volontà che Luca Pizzi dell’Atelier Mitoraj ha distribuito le trenta grandi sculture negli spazi archeologici dell’antica Pompei, collocando le più significative tra il Foro della Basilica, il Quadriportico dei Teatri e Via dell’Abbondanza, poco distanti dall’ingresso di Porta Marina.

Mitoraj ritrae la compiuta incompiutezza dell’uomo, dimostrandoci che la bellezza, talvolta, si trova nell’imperfezione.

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Gianni Croce, il fotografico che hai bisogno di conoscere

Mostre: gli scatti di Croce dal Ventennio al boom

Se i bianchi e neri non avessero un nome, probabilmente non avrebbero nemmeno tempo. È una narrazione straordinariamente moderna quella di Gianni Croce, fotografo attivo nella provincia emiliana nel ‘900, che ha saputo raccontare con maestria non soltanto la sua terra d’origine, ma l’epoca di un intero paese. Gianni Croce 1920 – 1960, è questo il titolo di una mostra che rende omaggio al maestro scomparso nel 1981, raccontando quarant’anni di storia, dalle manifestazioni ginniche degli anni ’20 ai ritratti, passando per le architetture e la ripresa economica, allestita a Piacenza, dove resterà fino al 29 maggio, nello spazio ex Enel. La rassegna prova a raccontare il percorso creativo e stilistico del fotografo italiano.

Croce è nato a Lodi nel 1896, Croce muove i primi passi con la fotografia liberty nello studio di Giuseppe Marchi, per poi aprire uno studio fotografico suo a Piacenza. Qui inizia anche la sua attività come pittore. Conosce artisti quali Bot, Ricchetti, Arrigoni, Cavaglieri.

Pur specializzandosi in ritratti, nelle sue foto Croce racconta una cronaca semplice, reale, diretta, incastonate in panorami urbani, catturando la società a lui contemporanea: dagli aristocratici agli umili.

Sono sette le sezioni del percorso di visita, per altrettante macro-tematiche delle sue immagini. A cominciare dall’architettura, vista come suggestione di stati d’animo, impressioni, atmosfere.

Di grande interesse sono le sezioni dedicate al Sabato Fascista, la città invisibile, senza figure umane, ma in puro contrasto di luce e ombra.

La mostra è in collaborazione con il Museo per la Fotografia e la Comunicazione visiva di Piacenza, ed è stata curata da Donatella Ferrari, Roberto Dassoni, che ha realizzato anche un documentario sull’artista in visione nell’esposizione, e Maurizio Cavalloni, che hanno selezionato i materiali più significativi del maestro per una cronaca fotografica lunga quasi mezzo secolo.

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“Caravaggio Experience” a Roma le opere come non le avete mai viste

In perfetto clima pasquale arriva al Palazzo delle Esposizioni di Roma un’esperienza artistica sensoriale del tutto nuova. Si chiama Caravaggio Experience, ed è la nuova mostra che partire da oggi, giovedì 24 marzo 2016 fino agli inizi di luglio, immergerà, letteralmente, lo spettatore all’interno delle opere di Michelangelo Merisi.

Non più la tradizionale visione frontale del quadro, ma una full immersion inedita, grazie alla tecnica del video mapping, che permette al visitatore di fruire dell’opera in altissima risoluzione (ben oltre il Full HD), che appare contemporaneamente in multivisione grazie all’installazione di 33 videoproiettori, abbattendo la barriera tra il dipinto che si scorge e la realtà stessa: «Un’innovativa lettura dei quadri – ha spiegato Stefano Fomasi di The Fake Factory – per alcuni istanti togliamo il colore, la luce, lasciando soltanto le linee di forza o la composizione dei corpi, per capire l’equilibrio delle figure e il talento dell’artista che riusciva a riprodurre tutto dal vero, senza passare da disegni preparatori. In altri momenti, tutte le sale diventano psichedeliche: è un modo per fruire dell’arte attraverso un’esperienza pienamente emozionale».

Cinquantasette i capolavori dell’artista milanese, provenienti dall’Archivio Scala di Firenze, per una proiezione di 48 minuti sulle pareti del Palaexpo, accompagnati dalle musiche di Stefano Saletti, per una esperienza sensoriale unica.