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Napoli: stazioni d’arte e metti da parte

Al Museo Archeologico Nazionale di Napoli è stata da poco inaugurata una mostra dedicata alle stazioni della metropolitana di Napoli. Meta di attrazione per turisti, per i loro colori e le architetture avveniristiche, le stazioni entrano con progetti, fotografie e rendering a far parte di Metro & The City, esposizione che fino al prossimo 31 dicembre 2018 si propone di ripercorrere la storia di questo ampio progetto.

Ma oltre le immagini promozionali, quali sono le reali condizioni di salute di queste opere?

Tra attese estenuanti, vagoni affollati e tratte ridotte, ho fatto un giro per le Stazioni dell’Arte, quel complesso, si legge letteralmente su wikipedia, artistico-funzionale composto da quindici fermate della metropolitana di Napoli, in cui è stata prestata particolare attenzione a rendere gli ambienti belli, confortevoli ed efficienti. Insomma una vera e propria opera d’arte (quasi) in movimento, che i turisti ci invidiano e vengono a frotte a vedere come un vero e proprio monumento, e che ha portato, nel 2012, l’elezione di TOLEDO come stazione più impressionante d’Europa, per il Daily Telegraph e addirittura più bella del mondo per la CNN, assegnando a MATERDEI un decoroso 13esimo posto su scala mondiale.

stazione UNIVERSITÀ

Un progetto nato nel 1995, che ha portato nel tempo installazioni d’arte anche in quelle stazioni originariamente non nate sotto questo concept che tuttora segue queste linee guida, come VANVITELLI, dove successivamente è stata applicata la sequenza di Fibonacci di Mario Merz.

Un vero e proprio museo d’arte contemporanea che i cittadini, attese a parte, possono percorrere al costo di 1,10 €, il biglietto di una corsa singola, e che ha portato artisti quali Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto, Jannis Kounellis solo per citarne alcuni, senza considerare la copia in vetroresina dell’Ercole Farnese, il calco in bronzo della Testa di Cavallo (detta Carafa, il cui originale è all’interno del Museo Archeologico Nazionale di Napoli), o quella del Laocoonte.

Opere che hanno reso l’arte contemporanea senza dubbio più vicina, e sebbene i napoletani continuino ad ignorare quali siano i nomi degli artisti che hanno realizzato le installazioni che quotidianamente li accompagnano, di certo hanno imparato a familiarizzare con le loro opere, come il profilo continuo, Conversational profile della stazione UNIVERSITÀ.

Più archeologica quella MUNICIPIO che propone invece alcuni reperti rinvenuti durante gli scavi per la sua realizzazione, mentre all’uscita MONTECALVARIO, quella che collega la stazione Toledo con i Quartieri Spagnoli ci sono opere fotografiche di artisti come il noto fotografo Oliviero Toscani.

La stazione DANTE è stata disegnata invece dalla compianta archistar Gae Aulenti, che per l’omonima piazza in cui è ubicata ha voluto rispettarne l’originario impianto 700ntesco.

Ma se anche prendere la metropolitana è diventata, a Napoli, una full-immersion nell’Arte, i tanti disagi e disservizi cui è continuamente sottoposta la LINEA 1, ne fanno anche un’esperienza folkloristica, dove il turista si ritrova affascinato dal ritardo come se fosse parte di un colorato viaggio di un Paese del Sud America.

E se per i treni, le cui attese sforano abbondantemente ancora i 20 minuti, l’imperativo è ancora aspettare, augurandoci di poter vedere presto un miglioramento che renda più vivibile e civile viaggiare in metropolitana, ci si aspetterebbe che almeno le stazioni fossero trattate come opere d’arte. Da qualche mese a questa parte ho così deciso di impiegare le mie attese ad osservare le condizioni, oltre che la bellezza delle stazioni napoletane. Ed è proprio ad uno sguardo più attento che è possibile notare neon spenti, pannelli luminosi completamente bui, pezzi di scale (o meglio, battiscopa) che mancano.

sequenza Fibonacci, stazione Vanvitelli (Napoli)

I numeri della sequenza di Fibonacci infatti, risultano spenti, così come i pannelli della stazione Toledo che dovrebbero rappresentare il mare, o i versi della Divina Commedia del sommo Poeta.

Ma non solo. Con la pioggia ritornano le transenne nella stazione Museo, che subisce da anni evidenti infiltrazioni, e mancano i battiscopa e nella stazione Università che proprio in quella Toledo.

Colpa, a volte, dell’esuberanza dei ragazzini, dell’inciviltà di chi maltratta le nostre infrastrutture, certo, ma anche di chi dovrebbe vigilare su queste architetture garantendone una regolare conservazione, a maggior ragione se poi sono, o almeno dovrebbero essere, considerate come opere d’arte.

Insomma le stazioni dell’arte sembrano un po’ abbandonate a loro stesse, con sbarramenti che ciclicamente ritornano sempre negli stessi punti, sempre con le medesime condizioni meteo, a riprova di problematiche note ma che vengono perennemente rattoppate, senza una vera manutenzione ordinaria o straordinaria, senza una vera cura quotidiana che ne preservi l’originario aspetto, e dia loro la considerazione non solo di stazioni funzionali, ma anche di opere architettoniche decorative.

stazione MUSEO, transenne per le infiltrazioni d’acqua

Tuttavia, osservando le condizioni fatiscenti delle stazioni e aspettando per ore treni che non passano, viene da chiedersi se non sarebbe stato meglio investire in assunzioni e macchine i milioni di euro che invece abbiamo speso in architettura e design, e se non sarebbe stato meglio aspettare pochi minuti un treno in una stazione anonima, anziché sostare per ore sotto una stilosa quanto affollata banchina.

Parafrasando un noto proverbio, sembra che a Napoli valga il detto stazioni d’arte e metti da parte.

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Perché Escher è la mostra dell’anno. A Napoli fino al prossimo 22 aprile

Colori, giochi, interazione. La mostra di Escher, al Palazzo delle Arti di Napoli fino al prossimo 22 aprile, è una full-immersion nell’arte e nella psiche del visionario artista olandese. Prodotta dal gruppo Arthemisia, che con questo evento fa il suo debutto napoletano, è una retrospettiva moderna sull’opera e la poetica di Maurits Cornelis Escher, che ha dedicato tutta la sua vita a prospettive, effetti sorprendenti, studi diventati una pietra miliare della storia dell’arte contemporanea.

Sono oltre 200 le opere presenti in questa colossale antologica, che rappresentano la summa perfetta di tutto ciò che ha prodotto l’artista.

Dalle sue metamorfosi, alle architetture impossibili, passando per prospettive oniriche e disegni che anticipano la terza dimensione.

Acqueforti, disegni, schizzi opere in “bianco e nero” in cui dominano, a volte, pochi colori primari come il rosso, il blu, il verde che s’introducono nella complicata texture di forme arabeggianti, in motivi che si ripetono illudendo lo sguardo, in animali che si ripetono e si trasformano a vista d’occhio.

Opere che, come mostra l’ultima sezione sono state e sono tuttora fonte di grande ispirazione per il mondo del cinema, per la pubblicità, per la moda, persino per la musica.

Una genialità trasversale, quella dell’artista, che all’interno del PAN si fa anche interazione ed immedesimazione con quelle opere la cui fama supera il nome dello stesso autore. Bellissimi i punti in cui il visitatore è invitato a prendere lo smartphone alla mano e scattarsi una foto dentro uno dei quadri dell’artista o a sentirsi parte di moti infiniti e gouache psichedeliche, capaci di alterare persino la percezione di grande e piccolo.

È una mostra “contemporanea” quella che Arthemisia porta a Napoli, che non ha paura di sfidare i nuovi colossi delle futuristiche experience, che alterna felicemente opere vere a momenti interattivi, disegni e schizzi a proiezioni che rendono più viva e vicina la figura dell’artista scomparso negli anni ’70, proprio mentre il mondo Hippy lo scopriva e in qualche modo lo faceva proprio dando ai suoi disegni colori acidi.

Straordinario l’allestimento, al primo piano di Palazzo Carafa di Roccella, le cui sale dai colori a contrasto, ben enfatizzano le opere di Escher.

E non stupisce se nel solo primo giorno di apertura al pubblico ha già superato i mille ingressi. Grazie a questa imponente retrospettiva finalmente anche Napoli potrà conoscere la genialità di un artista il cui nome resterà impresso nella nostra mente come le sue opere immortali.

Per una più ampia spiegazione sull’opera dell’artista, il mio post qui.

Per tutte le altre informazioni il sito ufficiale della mostra:

www.mostraescher.it

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Margherita Sarfatti: dal Duce all’arte italiana. Al Museo del Novecento di Milano

Gli annali la ricorderanno principalmente come una delle amanti di Benito Mussolini, ma Margherita Sarfatti, al secolo Grassini, di origine ebraica, era una donna libera e di grande intelligenza, ed è stata anche, e forse soprattutto, una mecenate illuminata e di grande cultura, proteggendo artisti come Mario Sironi, Ubaldo Oppi, Anselmo Bucci e tanti altri che andranno a costituire il cosiddetto Gruppo del Novecento. Nomi e opere che ritroviamo oggi all’interno del Museo del Novecento di Milano fino al prossimo 24 febbraio 2019, in una monumentale rassegna che arriva in contemporanea anche al Mart di Rovereto, inaugurando così la stagione autunnale di grandi mostre.

Al piano terra del museo milanese diverse sale provano a raccontare la vita e le gesta di questa interessante figura femminile. Siamo nella prima metà del ‘900, e Milano, città in cui la Sarfatti muove i primi passi nella borghesia del tempo, avvicinandosi via via a quell’ideologia nazionalista che la porterà alla direzione della rivista Gerarchia, fondata proprio dal Duce nel 1922.

Milano, città all’avanguardia e del cambiamento, si fa largo tra le grandi capitali d’Europa. È l’anno dell’Esposizione Internazionale del 1906, quella del Parco Sempione per intenderci, e tutto il mondo guarda con ammirazione a questa città e alla modernità dei suoi trasporti e delle sue costruzioni architettoniche.

Sculture, pitture, video-installazioni e persino abiti sartoriali d’epoca, lettere, manifesti e libri. È una rievocazione accurata, realizzata grazie alla produzione del Mart di Rovereto su di un progetto di Daniela Ferrari e il supporto di Ilaria Cimonetti e dei ricercatori dell’Archivio del ’900 del Mart, nel quale è conservato il prezioso Fondo Sarfatti.

Wildt, Carrà, de Chirico, Morandi. Sono tantissimi gli artisti che si snodano lungo questo percorso espositivo, che, come la vita dell’artista, si alterna quasi tra luce e ombra, e sala dopo sala si fa riflessione sul concetto di arte e di bellezza, e ci porta nella mente di una donna che sposò in pieno, forse per amore, la causa di quel fascismo di cui, nel 1938 con l’introduzione delle leggi razziali, fu essa stessa vittima scappando prima a Parigi, dove pros

eguì le sue attività di dotta e letterata, e poi in Uruguay e Argentina.

Margherita farà ritorno in Italia soltanto nel 1947, quasi dieci anni dopo, ritirandosi a Cavallasca (n

ei pressi di Como), dove si dedicherà ad un libro di memorie, Acqua Passata (pubblicato nel 1955). Morirà all’età di 81 anni nel 1961.

La mostra del Museo del ‘900 a lei dedicata è una retrospettiva sull’ultimo grande movimento artistico conosciuto dal nostro Paese, quello che con quella stessa denominazione, Novecento, voleva rievocare i fasti del Rinascimento e di quelle epoche che con i loro stessi numeri, a caratteri cubitali, ‘400 e ‘500 in primis, erano state in grado di evocare e trasmettere la grandezza dell’uomo e la rinascita dell’arte italiana conosciuta nel mondo.

Le immagini della mia visita sul mio profilo instagram, @marianocervone

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Il rinascimento di Dürer, tra Germania e Italia. A Milano fino al 24 giugno

Dopo un breve periodo di latitanza, dovuto a diversi impegni, rieccomi qui a scrivervi di arte e delle mostre che in queste settimane ho avuto modo di vedere per voi.

Come molti avevano probabilmente già visto dalle mie stories su instagram, lo scorso weekend sono volato a Milano per due eventi cui tenevo molto e che volevo raccontarvi.

Prima fra tutte quella su DÜRER. A Palazzo Reale a Milano fino al 24 giugno, DÜRER E IL RINASCIMENTO TRA GERMANIA E ITALIA, sontuosa retrospettiva sul pittore di Norimberga, protagonista assoluto del rinascimento non solo in Germania ma in tutta Europa.

Ultimo weekend dunque per ripercorrere la carriera e l’evoluzione artistica del pittore sul confine italo-teutonico.

Il solo rammarico, per una mostra di questo spessore, è il divieto di scattare foto, e così dovrete accontentarvi della mia descrizione del bellissimo allestimento che ben enfatizza le opere. Pareti dai colori vivaci, nelle nuance del giallo, del viola, dell’azzurro, hanno accompagnato i visitatori guidandoli per altrettante sezioni tematiche: dai ritratti ai soggetti religiosi, dai miti greci ai paesaggi, passando per soggetti insoliti per il tempo e il luogo dell’artista, quali granchi e virtuosismi pittorici.

Unica piccola nota di demerito il fatto che molti dipinti e disegni su carta sono già rientrati nelle loro sedi originali, in ottemperanza, così si legge nelle didascalie a lato delle stampe che li riproducono, alle normative che ne disciplinano l’esposizione. Frutto di una non ben oculata considerazione della durata della mostra (quattro mesi, dallo scorso 21 febbraio) e che la porta oggi a vedere molti degli originali (ne ho contati almeno una dozzina) malamente stampati su forex o carta.

Ma, a parte questo, sono tanti i motivi per correre, nonostante tutto, a vedere questa esposizione.

I prestiti innanzitutto, da musei di tutto il mondo, che mettono insieme artisti diversi: da Martin Schongauer a Lorenzo Lotto, da Hans Baldung Grien ad Andrea Mantegna, passando per Giorgione e Leonardo Da Vinci.

Il maestro toscano è incluso in questa rassegna senza sensazionalismi, né posti d’onore, inserendosi in questo percorso museale come mera pietra miliare e vero e proprio punto di arrivo della poetica di Albrecht Dürer, che molto mutua dai maestri del rinascimento italiano, e veneziano in particolare, in una proficua quanto reciproca contaminazione di stili e gusti che sin dalla giovanissima età si manifestano, accompagnandolo fino all’età matura, continuando a palesarsi in forme e colori diversi in tutte le sue opere. Lo dimostra, in chiusura, la Vecchia ritratta con straordinario verismo da Giorgione. Normalmente esposta nelle Gallerie dell’Accademia di Venezia, il dipinto si fa qui monito forse del tempo che passa e di una pagina di storia dell’arte che non può prescindere dal talento di Dürer.

Per maggiori informazioni:

www.mostradurer.it

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Frida Kahlo, l’emozionante forza oltre il mito. Fino al 3 giugno al MUDEC di Milano

Mariano Cervone alla mostra di Frida

È una mostra che tocca l’anima, quella su Frida Kahlo, al Mudec di Milano fino al prossimo 3 giugno.

Oltre il mito, questo il sottotitolo della rassegna, si propone di raccontare l’artista messicana al di là delle opere, che ne hanno fatto un’icona di arte contemporanea, ma anche di stile in tutto il mondo.

E dire che qui i prestiti sono tanti, al punto che, al mio ingresso nella prima sala, penso che siano lì tutte i lavori, i disegni a carboncino, i dipinti, gli acquerelli, i carteggi attraverso i quali si è raccontata ad amici e parenti. E invece svolto appena l’angolo, per capire che ciò che avevo di fronte era appena la punta di un iceberg d’arte ben più grosso, di una esposizione grandiosa che abilmente racconta la vita, oltre la poetica, della pittrice.

Lungo il percorso trovano infatti posto anche una serie di lettere originali, con traduzione a fronte, in cui la Kahlo parla della sua vita privata: leggerle tutte è impossibile, così come sarebbe impossibile riassumere in queste pagine la vita di un’artista molto complessa e dai sentimenti profondi.

Tra le opere esposte, non mancano disegni inediti, in cui Frida si disegna con matita e carboncino, sperimentando volumi e colori, e evidenziando, con mano un po’ naif, le trasparenze delle vesti.

L’arte di Frida trasuda Messico, perché la pittrice si è nutrita della linfa vitale dalla Madre Terra, la sua forza vitale conviveva in quella del suo Messico, che continuerà a sentire dentro di sé come un fuoco, anche quando si trasferisce nella calda California, scioccando la borghesia con la sua indole ribelle.

Bellissima la sezione fotografica, che ripercorre l’esistenza di Frida, dalla sua infanzia alle foto di famiglia, passando per i momenti conviviali, dove, anche in un folto gruppo, la presenza silenziosa dell’artista è preminente.

È in queste foto che non posso fare a meno di notare che negli anni ’50 Frida appare come una donna più forte, forse austera, più consapevole di quel corpo tragicamente cambiato, meno giocosa: non ci sono più i fiori tra i suoi capelli, che in poche foto più avanti porta sciolta, quasi come un velo monacale, quasi a decostruire quell’immagine che negli anni aveva consapevolmente creato, ma sempre fedele a se stessa.

Non mancano momenti di maggior azione lungo il percorso, come un cortometraggio di animazione che offre al visitatore il dialogo immaginario, e immaginifico, tra la Kahlo e la morte, che miracolosamente l’ha risparmiata da quell’incidente in tram che drammaticamente caratterizzerà tutta la sua vita: degenze in ospedale, cure, pesanti busti, fino all’amputazione di una gamba che la porterà a ricorrere ad una protesi. Un dolore fisico e psichico che Frida riversa senza imbarazzi nelle sue opere. Si ritrae con le lacrime, come un cuore che soffre e sanguina. Crea una precisa iconografia del dolore, ritraendo i momenti cupi, senza il timore di mostrare sé stessa in quel letto d’ospedale, esorcizzando il male con la sua arte.

Una vita dolorosa segnata anche da Diego Rivera, amore della vita e marito fedifrago che la tradirà tra le altre anche con la sorella prediletta.

Eppure Frida sembra continuare a sorridere alla vita, da un raro quanto emozionante home video in 16mm del George Eastmen Museum, in cui la pittrice è proprio accanto a Rivera, qui accompagnato dall’intenso brano del cantautore calabrese Brunori Sas, Diego e io, che incarna con passione la dolcezza e la sofferenza, la profonda inquietudine, di questo amore. È probabilmente questo l’apice emotivo di questa antologica, che rappresenta un momento di grande pathos.

Continuo a passeggiare nelle sale del Mudec, e osservo ritratti di politici, di uomini e di donne illustri con cui Frida era entrata in contatto. Quando osservo le sue vivaci nature morte, mi accorgo che la Kahlo era forse vicina a Picasso più di quanto lei stessa forse non sapeva neppure. Mentre in altri dipinti ricorda addirittura il surrealismo di Dalì, Magritte, dove realtà e sogno si sovrappongono, tra lune, panorami sospesi a mezz’aria, abbracci divini in una ricerca di pace e misticismo.

Frida si è sempre espressa anche attraverso il proprio corpo; una Marina Abramović ante saecula, che esprime i suoi stati d’animo anche attraverso quelle stravaganti acconciature, attraverso gli abiti, le collane, mai lasciate al caso nella vita come nei suoi dipinti, facendo del proprio corpo un manifesto. Ed è così che si chiude questo racconto d’arte e questo profondo spaccato di vita: con i busti, le protesi, la sofferenza e l’imperfezione che hanno segnato duramente la sua esistenza. Frida è ben lontana dalla ricerca di perfezione che affligge noi contemporanei, e non aveva paura di mostrare fragilità e fallimenti. Ed è proprio questa forza che l’ha resa immortale ai nostri occhi, vincendo dopo la morte quella malattia che invece l’aveva afflitta tutta la vita.

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Quattro dinosauri si aggirano per le strade di Bergamo. Ecco dove:

Al mio arrivo in stazione a Bergamo ho trovato un Indricotherium (non sapevo cosa fosse, finché non l’ho googlato), sotto leggeri fiocchi di neve. Sono giunto in città in occasione della mostra Raffaello e l’Eco del mito, e come prima cosa invece mi ritrovo faccia a faccia con un animale enorme: un dinosauro. L’ho sfiorato proprio come un asteroide sfiora il pianeta Terra, e mai similitudine mi sembra più appropriata. Sarà facile immaginare la mia espressione nel vedere anche in Piazza Cittadella un altro dinosauro in carne ed ossa… o quasi.

Stazione di Bergamo, dal profilo instagram @marianocervone

Se l’idea mi rimanda alla promozione hollywoodiana di un film della saga Jurassic Park, scopro subito, e da qui il mio post, che l’evento è stato invece creato per celebrare il centenario del Caffi, il Museo Civico di Scienze Naturali di Bergamo.

Come un bambino, memore dei film di Steven Spielberg degli anni ’90, non potevo non fare una foto con tanto di dinosauro e posa simil-spaventata.

Sono felice di essere incappato in questa promozione collaterale che ha dislocato in giro per la città un bel po’ di esemplari estinti, benché terrà le sale del museo chiuse al pubblico ben oltre la mia partenza, fino al 9 marzo. Il motivo però è dei migliori, e l’occasione è solenne. Il museo infatti è impegnato nell’allestimento di questa grandiosa (è proprio il caso di dirlo) mostra, Noi abbiamo 100 anni, loro molti di più: dinosauri al museo.

L’esposizione celebrativa aprirà ufficialmente al pubblico il prossimo 10 marzo, e sarà la protagonista delle sale del museo fino al 30 settembre.

Saranno 50 i dinosauri, per la gioia soprattutto dei più piccoli, che potranno essere ammirati insieme ad altri animali estinti, fossili, calchi, ricostruzioni e animali imbalsamati.

Museo di Scienze Naturali di Bergamo E. Caffi, da profilo instagram @marianocervone

Se volete (come me) sentirvi esattamente come Sam Neill nel film Jurassic Park del 1993, allora dovrete dirigervi proprio davanti al museo bergamasco, dove vi attende proprio un Diplodocus, mentre in Piazza Vittorio Veneto, tra il Donizetti e il Municipio, vi aspetta un Pachyrhinosaurus.

Se invece siete a caccia del re di tutti i dinosauri, andate verso l’Ospedale Giovanni XXII, e troverete ad accogliervi il terribile Tyrannosaurus Rex, che vi farà dubitare dell’estinzione di questi mastodontici mammiferi.

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Salvador Dalí al Palazzo delle Arti di Napoli dal 1 marzo

Il sospetto, e la speranza, era già venuto qualche settimana fa, quando abbiamo visto per strada dei misteriosi cartelli rossi con la faccia furbetta di Salvador Dalí, in una sua iconica immagine in bianco e nero.

Nessun titolo, nessuna data, nessuna dicitura per una furba strategia di marketing che intendeva, ed è riuscita con successo, a suscitare la curiosità dei napoletani per settimane, prima dell’annuncio di qualche giorno fa.

Come molti avevano già ipotizzato, l’evento riguarda il Palazzo delle Arti di Napoli, che dal 1 marzo al 10 giugno 2018, ospiterà Io Dalí.

Una mostra che si propone di ripercorrere la carriera di Dalí, dalla nascita del mito all’immortalità di un artista, scomparso nel 1989, più vivo che mai. La poetica delle sue opere, ma anche il personaggio eccentrico un po’ sopra le righe, ne fanno un artista sempre attuale.

Per la prima volta in Italia l’esposizione indagherà anche la Vita segreta del controverso maestro del surrealismo.

Dipinti, disegni, ma anche video, fotografie e riviste ripercorreranno la carriera e la vita di Dalí.

I visitatori avranno così modo di notare come è nato il personaggio dell’artista catalano che ha senza dubbio contribuito alla diffusione delle sue opere.

Un’esposizione fondamentale per chi vuole conoscere la forte personalità del genio.

Fortemente voluta dal Comune di Napoli – Assessorato alla Cultura e al Turismo, la mostra vede la collaborazione della Fundació Gala-Salvador Dalí ed è co-organizzata con C.O.R. Creare Organizzare Realizzare.

Curatori dell’esposizione Laura Bartolomé e Lucia Moni per la Fundació Gala-Salvador Dalí e da Francesca Villanti, direttore scientifico di C.O.R. Creare Organizzare Realizzare.

Il percorso si avvale della consulenza scientifica di Montse Aguer, direttrice dei Musei Dalí e di Rosa Maria Maurell.

Info:
www.mostradalinapoli.it

(il sito sarà online a partire dalla data d’inaugurazione della mostra)
Tel. 081.7958601 – 06.85353031 – info@mostradalinapoli.it
Prevendite:
www.etes.it – Tel.081.5628040

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Rubens e Brueghel al Museo Diocesano di Napoli fino al 30 aprile

Quello di Donnaregina è l’esempio di quanto le architetture non rispondono sempre alle esigenze museali. Mi perdo nel percorso del Complesso Monumentale del Museo Diocesano a Napoli, eppure camminando mi accorgo che è stato concepito, forse, per suscitare meraviglia e stupore.

L’occasione, per vedere questo museo, è un incontro speciale, quello con Rubens e Brueghel e la bellissima Madonna col Bambino in una ghirlanda di fiori, nelle sale, anzi nel bellissimo coro, del complesso fino al prossimo 30 aprile.

I due artisti sono soltanto gli ultimi, in ordine cronologico, ad aggiungersi alla lista di opere illustri, ospitate dal Donnaregina, tra le quali il Salvator Mundi di Leonardo Da Vinci (recentemente venduto per oltre 450 milioni di euro).

L’opera di Rubens rispondeva alle esigenze della Riforma, che vietava la rappresentazione della Vergine e dei Santi, e così l’artista fotografa un momento di intima maternità: il bambino sembra muovere i primi passi, mentre la Vergine lo sostiene, guardandolo con tenerezza e amore, quasi presagendo il destino della Croce. È una scena affettuosa, quella che dipinge il pittore tedesco, contribuendo alla diffusione del barocco e di questo nuovo linguaggio figurativo nell’Europa del nord.

I fiori di Brueghel sono il realistico motivo decorativo, con cui il pittore olandese risponde invece al gusto dei collezionisti del tempo, ponendo la Vergine all’interno di una ghirlanda floreale. I suoi fiori possono quasi essere toccati, tant’è il loro realismo, e potrebbero fuoriuscire dalla cornice con vivida verosimiglianza. Colori sgargianti, ombreggiature, dettagli che anticipano la fotografia, ma anche quella mise-en-scène floreale di quelli che oggi, nell’epoca 2.0, chiamiamo florist. Una composizione equilibrata, allegra, ma al tempo stesso austera e celebrativa, enfatizzata ulteriormente dal fondo scuro della tavola, che fa da cornice al dipinto ottagonale di Rubens.

Versioni analoghe a questo dipinto, le ritroviamo nelle collezioni del Louvre a Parigi e al museo del Prado a Madrid.

La Madonna e il bambino non guardano lo spettatore, che si ritrova ad osservare l’intimo legame tra una madre e il suo bambino ancora in fasce.

È tenero lo sguardo della Madonna, che osserva la figura stante del bambino.

È solo percorrendo le sale di Donnaregina che si comprende perché è davvero monumentale questo museo.

Le sale si illuminano al ritmo dei miei passi sul pavimento.

È straordinario osservare la ricchezza di queste collezioni che emergono dal buio come apparizioni mistiche. Pittori napoletani o attivi a Napoli tra il X secolo e il 1800, che hanno reso omaggio alla sacralità. De Matteis, Vaccaro, Solimena, Tommaso De Vivo sono solo alcuni dei tanti nomi che affollano il percorso dell’immensa collezione permanente, raccontando, ognuno a proprio modo la storia dell’arte partenopea. Madonne, Santi, racconti biblici o evangeli, dipinti e ritratti che si ispirano alle agiografie ufficiali o apocrife.

Chiesa Santa Maria Donnaregina Vecchia, affreschi Coro delle Monache

Le sale sono silenziose e quasi respiro la sacralità di quella che doveva essere l’originaria clausura di Donnaregina Nuova, sede nel XVII secolo delle Clarisse, che vollero costruire una chiesa barocca che maggiormente rispondesse al gusto del tempo, annettendo l’antica chiesa gotica, che oggi prende il nome di Donnaregina Vecchia, alla zona della clausura.

Trovo particolarmente tenere un Compianto sul Cristo morto di Andrea Vaccaro, che rende la disperazione della Vergine e il dolore della Maddalena.

Molti degli artisti napoletani di queste collezioni sono ignoti o seguaci di altri maestri partenopei: dai caravaggeschi che avevano ben recepito l’opera di Caravaggio, che a Napoli ha lasciato le Sette Opere di Misericordia, ai seguaci di altri artisti partenopei che hanno fatto propri gli stili di artisti maggiori e i dettami del gusto del tempo.

Il museo è anche un florilegio di paramenti sacri e finissimi reliquiari e ostensori di metalli nobili e pietre preziose, che ancora raccontano lo sfarzo e la ricchezza di questo luogo.

Proseguo il mio percorso dirigendomi verso l’ingresso di Chiesa di Santa Maria Donnaregina Vecchia, le cui origini risalirebbero addirittura al 780 d.C. Qui c’è il ciclo di affreschi risalente al XIV secolo più grande di Napoli. Un ciclo scampato miracolosamente ad un incendio, i cui pigmenti, come nell’antica Pompei, sono diventati rossicci, mantenendo però intatte le scene del vecchio e del nuovo testamento, con la vita e la passione di Gesù.

All’interno della Chiesa di Santa Maria Donnaregina Vecchia trova posto il sepolcro di Maria D’Ungheria.

Il Complesso è oggi anche sede di stagioni concertistiche, ed è un prezioso scrigno di grandi e meravigliosi tesori. Un’antologia di autori partenopei, per scoprire le storie e la storia della cristianità attraverso la grande arte napoletana.

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Il mondo incontaminato e primordiale di Sebastião Salgado al PAN fino al 28 gennaio

Considerato più volte da World Press Photo uno dei migliori fotografi dell’anno, Sebastião Salgado è considerato uno dei migliori fotoreporter umanisti dei nostri tempi. Classe 1944, comincia la sua attività di fotografo dopo gli studi in economia e statistica, decide di diventare un fotografo a seguito di una sua missione in Africa.

Uno dei suoi primi reportage, agli inizi degli anni ’70 è stata la siccità del Sahel, da allora inizia uno straordinario percorso di documentarista, raccontando, con i suoi scatti rigorosamente in bianco e nero, la rivoluzione in Portogallo e le guerre coloniali in Angola e in Mozambico.

Negli anni ’80 entra a far parte anche della prestigiosa agenzia fotografica Magnum, che lascerà nel 1994 per fondare la Amazonas Images e dedicarsi completamente al suo lavoro.

Ultimi giorni per avere l’occasione di apprezzare gli scatti del pluripremiato fotografo brasiliano, che è arrivato al PAN di Napoli dopo Steve McCurry e Helmut Newton con Genesi, monumentale progetto suddiviso in cinque sezioni, in cui l’artista racconta le terre a lui care.

Cinque le sezioni, Il Pianeta Sud, I Santuari della Natura, l’Africa, Il grande Nord, l’Amazzonia el Pantanàl per un totale di 245 scatti che ritraggono natura selvaggia e animali in libertà, e una primigenia umanità che non ha perso il contatto con un incontaminato mondo che la circonda.

Comincio dal secondo piano di Palazzo Roccella, dove ad aprire questa esposizione sono gli scatti del Pianeta Sud, l’Antartide e i suoi abitanti, le colonie di alabatri che sfidano le temperature ostili, ma anche i performer della Nuova Guinea. La flora del Madagascar e le sue isole da forme sorprendenti.

Immagini di un mondo altro, in cui si respira un senso di pace e armonia con la natura.

È straordinario guardare questi panorami di terre isolate, per catturare le quali Salgado ha spesso sfidato il tempo, aspettando pazientemente la luce giusta e il momento giusto.

Il bue muschiato, i leoni marini, i pinguini, ma anche le bellissime foto di renne stagliate a branchi contro bianco della neve, come macchie di inchiostro irregolari su di un foglio: si muovono in lontananza, camminano.

Le immagini di questa esposizione sono state scattate tutte nel primo decennio degli anni 2000.

Dal Canada alla Siberia, passando per la California e il Grand Canyon. Terre selvagge, spesso inospitali, che diventano negli scatti del fotografo racconti di viaggio e di vita, come quella dei Nenci, popolazione indigena Russa, che vivono nelle loro tende o čum, nel Nord del golfo dell’Ob, ma anche l’Alaska, dove Salgado sembra carpire l’anima degli uomini e delle donne che ritrae mentre mostrano i loro abiti tradizionali in pelliccia.

Persino i fiumi si tramutano in poesia di luci e ombre, catturati come folgori lucenti tra le rocce.

Dal grigio e dai colori freddi che caratterizzano le prime sale, passo ai toni caldi del bordeaux di quelle al primo piano del museo, dove prosegue la mostra e il mio percorso in questi mondi fantastici. Percepisco già che il clima è cambiato, passando dalle aree algide del nord alle terre calde dell’Africa, da sempre terra molto cara al fotografo che la definisce “apparentemente eterna”.

Qui la natura si fa rigogliosa, frastagliata, ricca di flora e fauna, come i gorilla di montagna, il babbuino Gelada, gli elefanti africani.

Le didascalie che accompagnano le foto, diventano quasi stralci enciclopedici del National Geographic, e così apprendo che le donne degli himba, dalle lunghe treccine ricoperte di ocra e grasso, appartengono ad una comunità quasi esclusivamente femminile, perché gli uomini si sono allontanati con le loro mandrie in cerca di acqua e pascoli.

Le sale dell’Amazzonia sono di un vivace color turchese, lo stesso che probabilmente caratterizza le foreste del Brasile, dove il fotografo ritrae gli Zo’é, piccola comunità di appena 275 membri che vivono suddivisi in una decina di piccoli paesi collegati tra loro da sentieri.

E guardando queste bellissime immagini è impossibile non domandarsi se non sia proprio questa la genesi, l’origine di ogni cosa, tra i giaguari in agguato e la pesca della tribù waura nel lago Piyulaga.

ART NEWS

I Longobardi, un popolo che cambia la storia. Al MANN fino al 25 marzo

Per chiudere in bellezza l’anno appena passato, ho deciso di vedere la mostra i Longobardi, al Museo Archeologico Nazionale di Napoli fino al prossimo 25 marzo. Una rassegna itinerante, questa, che fa tappa a Napoli dopo l’esposizione pavese al Castello Visconteo.

Longobardi. Un popolo che cambia, questo il titolo completo della rassegna, apre un’ampia parentesi monografica su questa dinastia che ha dominato il nostro paese dal II al VI secolo d.C e sulla sua evoluzione nel corso dei secoli.

Una mostra storico-artistica nel senso più ampio di questa accezione, che ripercorre non soltanto la grande maestria artigianale di questa popolazione di origine germanica, ma anche il percorso geografico che dal nord dell’Italia ha portato alla conquista anche dell’entroterra meridionale del nostro Paese.

Allestita al primo piano del museo napoletano con un allestimento che, benché bellissimo, tanto ha tolto alla pavimentazione messa in opera proveniente dall’antica Pompei.

Una ricostruzione di ampio respiro, questa, che vede lungo il suo percorso corredi funerari, monili preziosi e persino carcasse di cavalli.

I reperti sono accompagnati da video-installazioni cui sono affidate le pagine storiche della mostra, che restituiscono ricostruzioni anche tridimensionali di siti e luoghi, mostrando minuziosamente, usi, costumi e percorsi lungo la nostra penisola.

Mariano Cervone alla mostra I Longobardi al Museo Archeologico Nazionale di Napoli

Spade, spilloni, spille, fibbie, ma anche abiti e oggetti in pelle. Sono tanti e variegati gli oggetti che è possibile vedere attraverso le eleganti vetrine esagonali, che sposano i colori del verde e dell’arancio a motivi geometrici.

Non mancano teschi e incunaboli, con approfondimenti che vanno dall’antropologia alla cultura.

Ciò che sorprende più di ogni altra cosa è l’estensione di questa rassegna, in cui trovano posto anche epigrafi e fregi ornamentali, marmi in cui era scolpita l’arte e la storia longobarda, il cui gusto orientaleggiante incontra il cristianesimo, nelle sue croci d’oro e nelle raffigurazioni.

 

Per le immagini della mostra, vi rimando al mio profilo instagram @marianocervone