ART NEWS, LIFESTYLE

L’Arpa di Nöel, domenica 17 dicembre concerto d’arpa al Pausylipon di Napoli

Si intitola L’Arpa di Nöel il concerto che, con una simpatica assonanza di parole, si aprirà domenica 17 dicembre alle ore 11.00 al Parco Archeologico di Pausylipon. Un’atmosfera magica, rarefatta, sospesa tra il mare della città e il cielo, quella che ricrea l’arpista Stella Gifuni, che reinterpreterà tutti i brani della tradizione del Natale, da Silent Night a Tu scendi dalle stelle, passando per Quanno nascette ninno e Feliz Navidad, ma anche brani pastorali tipici.

Il concerto rientra nella manifestazione Natale a Napoli, promossa dal Comune di Napoli Assessorato alla Cultura e Turismo.

Suggestiva la location alla quale si accede dall’imponente Grotta di Seiano (Discesa Coroglio, 36), nella bellezza secolare dell’antico Odeion, restaurato da poco.

Ho scoperto questo luogo suggestivo una mattina di primavera, dove ho avuto il piacere di degustare delle squisite sfogliatelle, godendo di una vista mozzafiato e dell’aria salina del mare che ti inebria.

Pausylipon significa letteralmente “sollievo dal dolore”, ed è solo visitando questi luoghi dal sapore antico, che si percepisce già un senso di benessere diffondersi nell’anima.

Oltre al piccolo Odeion, i resti di alcune camere di rappresentanza, che lasciano percepire la magnificenza di questi posti, in cui la storia sembra quasi sospesa, tra il fascino naturalistico e l’architettura che si fa archeologia.

Un complesso che tutti, appassionati d’arte e studenti di archeologia, dovrebbero visitare almeno una volta nella vita, e (ri)scoprire quelle radici partenopee che affondano nell’ozio romano, inteso come cura di sé e piena armonia con il mondo.

Organizzatori e promotori dell’evento il Centro Studi Interdisciplinari Gaiola Onlus, d’accordo con la Soprintendenza Archeologica di Napoli, che da tempo si occupano della tutela e della salvaguardia non solo del sito archeologico naturalistico del Pausylipon, ma anche della sottostante area marina protetta della Gaiola, che comprende i resti di una imponente Villa marittima del I sec. d.C. di Publio Vedio Pollione, che divenne residenza imperiale di Ottaviano Augusto.

Per maggiori informazioni:

Contributo: €10

Durata: 2,5 ore

Info e prenotazioni:

0812403235 – 3285947790

info@gaiola.orgwww.gaiola.org

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ART NEWS

Da Picasso a Frida Kahlo, il ricco calendario delle mostre a Milano nel 2018

Fine anno, tempo di bilanci. Come ormai mia consuetudine, in questo periodo parlo o anticipo le mostre da non perdere che vedremo in Italia.

Presentato ieri dal sindaco Giuseppe Sala e dall’assessore alla cultura Filippo Del Corno, a Palazzo Reale di Milano, il ricco calendario di eventi che vedrà coinvolta la capitale lombarda nei prossimi dodici mesi.

Mi ero già precedentemente occupato della mostra su Frida Kahlo che arriva a Milano dopo il grande successo di mostre precedenti in Italia che hanno portato ad una vera e propria riscoperta della donna e dell’artista messicana, ed è soltanto il primo dei tanti nomi illustri cui saranno dedicate delle esposizioni che vanno da Picasso a Paul Klee, da Giovanni Boldini ad Albrecht Durer. Ed è proprio quest’ultimo che inaugura la nuova stagione di Palazzo Reale. Quando sarà chiusa la (più che felice) parentesi su Caravaggio, dal prossimo 21 febbraio al 24 giugno 2018 arriverà l’artista tedesco.

Al MuDeC invece ci sarà il primitivismo di Paul Klee, dal 26 settembre 2018 al 27 gennaio 2019.

Giovanni Boldini arriverà invece al GAM con una selezione di trenta opere, dal prossimo 16 marzo al 17 giugno 2018.

A raccogliere la pesante eredità di Caravaggio per il 2018 sarà Pablo Picasso. Il pittore spagnolo arriverà nelle sale di Palazzo Reale dal 18 ottobre 2018 al 17 febbraio 2019 con una monumentale personale che comprende 350 opere tra i suoi più grandi capolavori. E della quale, senza dubbio, vi parlerò più avanti.

Frida Kahlo, come vi avevo già anticipato in un precedente post, arriva dal prossimo 1 febbraio 2018 al 3 giugno con oltre 100 opere che troveranno posto nelle sale del MuDeC, un’ampia retrospettiva che il Museo delle Culture di Milano ha deciso di dedicare a questa artista controcorrente che ha saputo imporsi anche per la sua personalità.

Ma il Palazzo Reale della capitale lombarda continua ad essere uno dei grandi luoghi dell’Arte per il prossimo anno, che dall’8 marzo al 2 settembre 2018 ospiterà le opere di Pierre Auguste RenoirClaude MonetPaul CézanneHenri MatissePablo Picasso e Paul Klee, con una collettiva che mette a confronto stili, tecniche e contenuti del XX secolo.

Il Novecento italiano sarà invece ben rappresentato da una interessante collettiva al Castello Sforzesco dal 23 marzo al 1 luglio 2018 che metterà insieme i nomi dei più grandi Maestri del XX secolo: da Boccioni a Modigliani, da Carrà a De Chirico, passando per Pistoletto e Fontana.

Durante l’evento, per ingolosire stampa e visitatori, sono stati anticipati anche alcuni dei nomi che faranno parte di eventi culturali e mostre per il 2019, che già si preannuncia, al pari del prossimo anno, molto ricco: Ingresde La TourDe Chirico e De Pisis sono soltanto alcuni degli artisti ai quali, certamente, se ne andranno ad aggiungere molti altri.

Nel 2019, in occasione del V centenario dalla morte di Leonardo Da Vinci, sarà riaperta la Sala delle Asse del Castello Sforzesco, che celebra così la scomparsa del maestro dell’umanesimo italiano: «Una proposta ricca, articolata e coraggiosa – ha così commentato Sala il ricco calendario di eventi – perché crediamo che con la cultura si mangi e che insistere su questa offerta culturale importante sia giusto sia per i cittadini che per chi viene a visitare Milano».

ART NEWS

Vittorio Sgarbi presenta il Museo della Follia, a Napoli fino al 27 maggio

Quella del Museo della Follia, nuova mostra di Vittorio Sgarbi a Napoli dal 3 dicembre fino al 27 maggio, non è una mostra, ma un viaggio introspettivo attraverso gli stati dell’animo umano. La follia non è intesa soltanto nella sua accezione di perdita del senno, ma è libertà di spirito, che si fa a volte avanguardia, capacità di andare oltre il

Goya, Una santa monaca guarisce una giovane inferma

mondo conosciuto, oltre il sensibile, percependo ciò che gli altri non vedono. Come Goya che, intossicato dal mercurio, ha dipinto una Una santa monaca guarisce una giovane inferma quasi cieco, forse come messaggio di speranza per la propria guarigione dell’anima, ma soprattutto del corpo.

Molti degli artisti esposti in mostra erano considerati folli, altri invece, artisti, lo sono diventati tra le mura degli istituti in cui erano reclusi. Tutti erano in realtà dei sognatori. È il caso di Antonio Ligabue, che nelle campagne emiliane, di cui era originario, immaginava leoni e tigri, giraffe e animali esotici. Un mondo onirico in cui l’artista vuole dimostrare che la natura è bella nella sua imperfetta bruttezza, nel leone che caccia la gazzella o un insetto scuro che cammina tra la danza di due coloratissimi galli. Una natura disarmonica, come lo erano i suoi autoritratti, così simili a quelli di un altro artista visionario, Van Gogh, con il quale ha in comune pennellate dense di colore, stemperate direttamente sulla tela.

Un percorso fatto di camere, reali e immaginarie, in cui gli oggetti di uso quotidiano sono impressi della vita di chi li ha posseduti, si fanno silenziosi narratori di mondi e di menti, di ciò che era prima, della quotidianità di luoghi ora abbandonati. Gli stessi che il visitatore vede nelle fotografie di Fabrizio Sclocchini, che immortala gli assenti: mura consunte, letti arrugginiti, Madonne e crocifissi che parlano di chi li ha abitati. C’è persino un presepe crollato, ultimo baluardo di una fede in una vita altra, traslata nell’attaccamento al possesso di oggetti senza valore.

Lorenzo Alessandri, Gioconda modella inveroconda (Surfanta)

Il visitatore attraversa anche le camere immaginarie del surrealista Lorenzo Alessandri, quelle del Surfanta, immaginario hotel in cui ritrae Gioconde transessuali e vizi, o quelle del naïf Carlo Zinelli, che disegna uomini e crocifissi, colorando ogni centimetro del foglio bianco con un horror vacui che è paura del tempo, di cui ne diventa inconscia scansione.

Il tempo, tema ricorrente in queste prigioni dell’anima, che senti dal ticchettio di una sveglia senza lancette. Istanti di giorni tutti uguali eppure diversi. Diversi da artista ad artista, da paziente a paziente: chi lotta contro la cura, chi si rende complice della terapia scegliendo il proprio supplizio o chi riesce a trovare la sua dimensione, raccontando quel micro-mondo di pensieri e immagini che riversava con più o meno consapevolezze nelle proprie opere.

Bacon, Head

Bellissime le opere di Bacon, il quale, incapace di disegnare un sorriso, ha immortalato un urlo. Silenzioso quanto forte nella sua informe bocca, in questa espressione sfuggente che esprime strazio, dolore, rabbia. Ma di certo non lascia indifferenti.

Un percorso di ampio respiro, che alterna pittura, scultura e videoinstallazioni, mescolando con maestria arte moderna e contemporanea, indagando la mente che è spazio interiore e posto fisico, deputato a quell’igiene mentale che spesso era chiusura all’altro, chiusura al diverso.

Gli allestimenti scuri sospendono il visitatore in uno spazio amorfo e atemporale, dove l’arte e la realtà si confondono, in un ambiente a metà tra museo e manicomio, dove è stato ricreato anche un OPG, gli Ospedali Psichiatrici Giudiziari.

La rassegna è allestita all’interno della Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta in Via Tribunali, dove è stata presentata dal Professor Sgarbi, dai suoi autori, insieme allo psicologo Raffaele Morelli, al Monsignor De Gregorio rappresentante della Curia che ha permesso di fare della Chiesa un luogo di cultura.

Tra gli autori della rassegna l’artista Cesare Inzerillo, presente con delle sue opere sul tema, Sara Pallavicini, Giovanni C. Lettini e Stefano Morelli.

Bellissima la serie di foto stereoscopiche, tratte da vecchie foto in bianco e nero che acquisiscono una profondità di immagine che proietta lo spettatore in questi ambienti. Ma sono tante le sorprese, i video, le installazioni e gli audio che i visitatori avranno modo di scoprire.

Dipinti, luoghi, oggetti. E poi ci sono loro, i “matti”, i tanti volti dalle cartelle cliniche di uomini e donne ritenuti folli, delle loro espressioni straziate dal dolore o da trattamenti sperimentali senza reali fondamenti scientifici, ma spesso frutto di preconcette idee di una società non ancora avvezza al cambiamento.

Anche Maradona trova posto in questa esposizione, con una serie di radiografie del suo piede durante un’azione e la foto di un suo piede. L’ex calciatore del Napoli è provocatoriamente è incluso nella mostra come un contemporaneo Caravaggio dalla vita dissoluta, ma dalla indiscussa genialità. La mano de Dios di una sua storica partita di Maradona è oggi venerata dai tifosi così come gli storici dell’arte apprezzano le pennellate delle Madonne del maestro della pittura rinascimentale italiana.

Bellissimo il gesto dell’ex calciatore del Napoli che ha deciso di devolvere il compenso per legare il suo nome all’evento all’Ospedale Pausilipon.

C’è anche un corno gigante, portafortuna per antonomasia, le cui radici affondano nella mitologia greca, che omaggia Napoli, originario simbolo di immortalità inteso da popolo partenopeo come scaramantica capacità di sconfiggere il male e propiziare la buona sorte.

un’opera dell’artista Cesare Inzerillo

Una follia che arriva fino allo stesso Cesare Inzerillo, e alle mummie della sua serie Tutti santi, a quel nano alato che, come un decomposto Icaro, sogna di volare ma non ci riesce. Sì, Follia come morte, che rende tutti santi, tutti uguali, come quella Livella dell’amato Totò. Ma follia anche di chi cerca irrazionalmente la morte, quale fuga dalle miserie e guai della propria esistenza. Follia come mancanza delle persone care e, proprio come Astolfo che sulla luna cercò il proprio senno, artisti come Silvestro Lega provano a ritrovare il loro nell’arte.

TELEVISIONE

Napoli protagonista di “Sirene”, dal 26 ottobre alle 21.10 su raiuno

Valentina Bellè, interprete della Sirena Yara

Andrà in onda domani, giovedì 26 ottobre, nella prima serata di RaiUno, la fiction Sirene. E me ne sentirete parlare spesso, non solo perché è uno dei pochi soggetti fantasy che finisce prepotentemente nella prima serata della prima rete di stato, ma anche perché è completamente ambientato a Napoli, la mia città, e allora, se vorrete (e potete anche scrivere o commentare in seguito) vi svelerò anche quali sono i luoghi in cui è stata girata, per scoprire l’arte e i luoghi dietro la storia.

Ma andiamo con ordine.

La fiction è stata scritta da Ivan Cotroneo, sceneggiatore e regista napoletano, che molti conoscono per la sua collaborazione con Ozpetek (ha realizzato Mine Vaganti) e per i successi di Tutti pazzi per Amore, Una grande famiglia e Un’altra vita.

La storia è quella di quattro sirene che giungono a Napoli per ritrovare l’ultimo dei tritoni che, a quanto pare, è sbarcato proprio nel golfo del capoluogo partenopeo. Da qui tutta una serie di tragicomiche avventure che coinvolgono le protagoniste di questa serie in sei puntate.

Maria Pia Calzone, nella serie interpreta la sirena Marica

Loro sono Valentina Bellè, Maria Pia Calzone, Denise Tanucci e Rosy Franzese, madri, figlie, sorelle che partono unite alla conquista della terraferma. Ad aspettarle ci sarà il sorriso travolgente di Luca Argentero e degli umani di cui diffidano.

Ma la serie vede anche la partecipazione straordinaria di Ornella Muti, nelle vesti di zia Ingrid, Sirena Regina pluricentenaria scappata da Napoli per Miami ma che ritornerà in aiuto della nipote.

E quale ambientazione migliore se non Napoli, città della mitica sirena Partenope? Con le sue strade, i suoi monumenti e il suo riconoscibilissimo profilo si fa perfetta di interprete silenziosa di stati d’animo e rocambolesche avventure.

Nell’episodio di domani sera, la bella Valentina Bellè, che interpreta la sirena Yara, abbandona il mare per andare alla ricerca di Ares, ultimo tritone del Mediterraneo nonché suo promesso sposo che, stanco del carattere dispotico della fidanzata, si rifugia a Napoli e diventa famoso come nuotatore in una squadra di pallavolo di serie B di nome Gegè De Simone. È a lui che è affidata la prosecuzione della specie.

Arrivata a Napoli, Yara si imbatte invece per caso in Salvatore (Luca Argentero) giovane di bell’aspetto molto corteggiato dalle ragazze, ma che non ha mai conosciuto il vero amore. Sarà lui l’inconsapevole guida di questo strambo mondo degli umani.

Sì, perché la serie è un omaggio a classici come Splash – una Sirena a Manatthan, e proprio come nel film di Ron Howard del 1984, fuori dall’acqua le sirene hanno gambe come donne normali, che ritornano code di pesce a contatto con l’acqua.

Una storia, questa, che attraverso il fantastico parla anche di diversità, nell’accezione più ampia del termine, e che riflette una società : «L’idea di Sirene nasce dalla volontà di raccontare il nostro quotidiano (amori, avventure, amicizie, fissazioni e manie, ma anche discriminazioni e paure) con occhi “altri”, cioè con lo sguardo di qualcuno che potesse conoscere poco o nulla di noi umani – ha detto Cotroneo – Per parlare di differenze e di inclusione, di rispetto dell’altro e di quanto in definitiva si possa veramente amare chi è diverso da te, così diverso da respirare con le branchie invece che con i polmoni».

ART NEWS

Dentro Caravaggio, a Palazzo Reale fino al prossimo 28 gennaio

Iniziata lo scorso 29 settembre, Dentro Caravaggio è un’antologica che si propone di ripercorrere la carriera del noto pittore lombardo in maniera inedita. A Palazzo Reale a Milano fino al prossimo 28 gennaio, la mostra ha messo insieme ben venti delle opere maggiori dell’artista provenienti dai più importanti musei italiani e del mondo, mostrandone al contempo, e per la prima volta, gli esami diagnostici ai raggi X.

Non potevo esimermi dal seguire il flusso degli oltre 70.000 visitatori che, ad oggi, hanno già prenotato il biglietto d’ingresso per quello che è un vero e proprio evento d’Arte e di cultura del capoluogo lombardo.

Un’audioguida, inclusa nel biglietto, si concentra soprattutto sulla tecnica con la quale Caravaggio ha realizzato ogni singola opera: preparazioni bianche, scure o rosse diventano parte delle tele realizzate per lo più a risparmio, dove un Caravaggio povero, ma già famoso, dipinge, anzi, illumina soltanto ciò che desidera mostrare all’osservatore, incidendo con la spatola dettagli che talvolta non realizzerà mai, mentre alle parti in penombra e alle zone scure l’arduo compito di rappresentare un’indefinita quanto immaginifica scena come in un teatro-libro di ronconiana memoria.

I dipinti raccontano tacitamente la vita di un artista talentuoso e bellicoso, irascibile, che ai salotti mondani preferisce sbronzarsi in osteria tra prostitute e delinquenti, e coinvolto spesso in risse e duelli che lo porteranno a fuggire a Napoli prima e in Sicilia poi, fino a Malta trovando la morte lungo il cammino di ritorno a casa, come un tragico eroe omerico a soli trentanove anni.

La devozione per le figure, per lo più religiose, si sovrappone a volte ad una iconografia pagana, come dimostrano i torsi atletici e possenti dei due San Giovanni Battista, l’uno delle Gallerie Nazionali di Arte Antica di Roma, ritratto in meditazione come un novello Galata morente, con tutta la dignità e il vigore di un eroe epico che trova la salvezza nella fede, l’altro, oggi al Nelson-Atkins Museum of Art di Kansas City, più cupo, immerso in una natura oscura e simbolica.

Tratti, rimaneggiamenti, che mostrano un Caravaggio spesso in conflitto con sé stesso e con ciò che voleva rappresentare davvero, e che trova la consacrazione quando riuscirà a spogliarsi di quei timori che i sotto-strati di pittura celano e conservano: come dimostra la figura dominante dell’angelo di spalle che campeggia al centro della scena del Riposo durante la fuga in Egitto, ingrandito fino a diventare il vero protagonista del dipinto, o l’uomo di spalle nell’Incoronazione di spine di Prato.

Personaggi secondari, spesso di spalle, chinati, addirittura proni, che sovversivamente diventano i silenziosi protagonisti di una naturale quotidianità che Merisi cattura anticipando la fotografia. Lo conferma il famoso (auto)ritratto del Ragazzo morso da un ramarro, dove il soggetto pronto per mettersi in posa per farsi ritrarre è invece paradossalmente catturato in un improvviso momento di disequilibrio compositivo, di paura per quel morso che gli porta a ritrarre la mano e aggrottare le sopracciglia in un’espressione buffa, che strappa quasi un sorriso allo spettatore che vede il quadro. Un momento concitato, come quel cambio di rotta della mano sinistra, prima dipinta accanto al viso del ragazzo e poi lasciata così come oggi noi tutti la vediamo, sospesa in secondo piano.

Le opere sfilano una ad una al centro delle grandi sale di Palazzo Reale che quasi scompare nella penombra delle luci soffuse e dagli ampi pannelli che ospitano i quadri, dietro i quali, proprio come un gioco in negativo, si nascondono degli LCD che mostrano video-installazioni degli esami ai raggi X cui sono state sottoposte, rivelando piccole modifiche in corso d’opera o ripensamenti, censure o vere e proprie sostituzioni dei personaggi ritratti, giungendo persino a svelare opere precedenti, come una Madonna orante nascosta sotto la Buona Ventura Capitolina, destinate a rimanere nascoste sotto gli strati di pittura che altrimenti l’occhio umano non vedrebbe mai.

A chiudere un percorso straordinario sono ben due i dipinti napoletani che prendono parte a questa rassegna: la flagellazione di Cristo del Museo di Capodimonte e Il Martirio di Sant’Orsola delle Gallerie d’Italia, che dal 30 novembre diventerà protagonista assoluto di L’ultimo Caravaggio. Eredi e nuovi maestri, alle omologhe Gallerie d’Italia milanesi fino all’8 aprile.

Una mostra, questa, che getta nuove basi per gli studi caravaggeschi, e di cui comprendi l’importanza solo quando ti ritrovi faccia a faccia con la Madonna di Loreto (o dei Pellegrini), portata nelle sale direttamente dalla Basilica di Sant’Agostino in Campo Marzio a Roma; dinanzi al volto di una delle tante prostitute che Michelangelo Merisi ha reso immortali nelle fattezze delle maddalene, di eroine e di Vergini oggi note in tutto il mondo, osservi una realtà fatta di imperfezioni, di unghie sporche, di persone di spalle e pose sbagliate, una realtà fatta di le luci e di ombre, le stesse che Caravaggio ha saputo cogliere nelle sue opere senza tempo.

Per maggiori informazioni:

www.caravaggiomilano.it

ART NEWS

Da Michelangelo a Pontormo, il ‘500 a Firenze a Palazzo Strozzi da settembre

Una trilogia iniziata nel 2010 che trova quest’anno il degno capitolo conclusivo. Il Cinquecento a Firenze, è questo il titolo della nuova mostra che animerà le sale di Palazzo Strozzi a Firenze dal prossimo 21 settembre, e che chiude un ciclo, a cura di Carlo Falciani e Antonio Natali, iniziato sette anni fa con Bronzino per poi proseguire nel 2014 con Pontormo e Rosso Fiorentino.

La rassegna di quest’anno va ad indagare gli artisti che hanno reso grande quella parte di Rinascimento fiorentino che idealmente va dal Concilio di Trento, caratterizzato dalla figura di Francesco I de’ Medici, mecenate di grande cultura e potenza, fino al 1550, anno in cui Giorgio Vasari pubblicò per la prima volta un’edizione del suo celebre volume Vite, e che arriverà dunque al Dio fluviale di Michelangelo e la Pietà di Luco di Andrea Del Sarto.

Giorgio Vasari (Arezzo 1511-Firenze 1574) Crocifissione 1560-1563

70 capolavori della storia dell’arte tra dipinti e sculture, selezionati per mostrare ai visitatori la magnificenza culturale di questo periodo. Un percorso espositivo cronologico e tematico, in cui si muoveranno le opere dei maestri quali Pontormo, Rosso Fiorentino, Giorgio Vasari, Giambologna e tanti altri. Artisti quasi tutti coinvolti nello Studiolo, e della nota Tribuna degli Uffizi, ma anche nella decorazione delle chiese fiorentine secondo le indicazioni del Concilio.

La mostra sarà anche l’occasione per confrontare opere quali la Deposizione di Santa Felicita e la Deposizione della Croce di Volterra con il Cristo Deposto di Besanon, dipinti che dialogheranno tra loro, illustrando l’evoluzione della pittura italiana.

Un percorso nel percorso, all’interno del quale troveranno posto temi sacri realizzati per le chiese riformate fiorentine, arrivando alla produzione di soggetti profani legati proprio alla figura di Francesco I.

In entrambi le sezioni tematiche ritroveremo artisti quali Mirabello Cavalori, Girolamo Macchietti, Santi di Tito, Jacopo Coppi, Maso da San Friano, Giovanni Battista Naldini e molti altri ancora.

Giambologna (Douai 1529-Firenze 1608) Fata Morgana 1572

Non potevano mancare, lungo un percorso di pregio, la Crocifissione della Chiesa di Santa Maria del Carmine del Vasari e l’Immacolata Concezione del Bronzino, in deposito alla Chiesa della Madonna della Pace, ma anche la Resurrezione della Basilica di Santa Croce di Santi di Tito e infine Cristo e l’Adultera di Alessandro Allori.

In occasione di questo importante evento culturale d’inizio autunno, saranno riunite, per la prima volta, sei lunette che rappresentano uno dei rari cicli pittorici di soggetto profano e allegorico eseguiti da alcuni artisti per lo Studiolo di Francesco I negli ambienti di Palazzo Vecchio.

L’esposizione resterà aperta al pubblico fino al prossimo 21 gennaio 2018.

INTERNATTUALE

Vaccini: perché è necessario il diritto a una scelta libera e consapevole

Vaccini sì, vaccini no. Ancora una volta l’Italia si spacca. Dopo le trivelle, il referendum e l’eutanasia, sono i vaccini adesso ad aver creato, on-line e non solo, delle vere e proprie faide, tra gli assertori che vogliono una vaccinazione obbligatoria, pena l’esclusione dalla scuola, e i detrattori che invece fanno leva sulla coscienza genitoriale e la libertà di poter scegliere le cure, o in questo caso gli antidoti, migliori per prevenire malattie e infezioni.

Immediata la reazione di coloro che pensano che una profilassi terapeutica sia assolutamente indispensabile per arginare il rischio di infezioni virali, sposando in pieno la proposta del ministro della salute Lorenzin, da cui ha avuto origine questa diatriba mediatica che da qualche giorno tiene banco sulle prime pagine dei quotidiani.

Io appartengo alla generazione dei “millennials” e ai miei tempi la vaccinazione era obbligatoria solo per alcune malattie. Fatte quelle, il modo alternativo per sviluppare gli anticorpi per le altre, se i genitori non volevano imbottire di antibiotici i propri figli, era quello di farsele attaccare.

Io ero un bambino molto sano. Mentre i miei amichetti a scuola si ammalavano di continuo: varicella, orecchioni, rosolia io non mi ammalavo mai.

Ancora ricordo mia madre che, non appena sapeva che i figli delle amiche si erano beccati qualcosa, portava me e mia sorella di casa in casa per farci giocare insieme un intero pomeriggio, sperando che fosse sufficiente per farsela attaccare.

E così anche io ho avuto la mia pertosse, il mio morbillo e tutto un iter di malattie che mi ha risparmiato una sequela di ulteriori iniezioni e conseguenti stati febbricitanti. Non ricordo, durante la mia infanzia o adolescenza, di morti precoci o diffusioni virali di malattie. Siamo stati bambini come quelli delle generazioni che ci hanno preceduto, con i nostri giochi nel cortile, le corse sfrenate, il naturale decorso di malattie a letto a base di gelato e televisione.

Credo fermamente nella medicina, ma, fatto un distinguo per casi in cui affidarsi alla scienza è assolutamente fondamentale, generalmente credo che bisognerebbe evitare l'(ab)uso di medicinali che invece sta fortemente condizionando la nostra vita.

Vitamine, integratori, anti-influenzali, ansiolitici. C’è un farmaco per ogni disturbo, per la gioia degli ipocondriaci che temono anche un banale raffreddore e la fortuna delle case farmaceutiche, che ci spingono verso questa ideale ricerca del perfetto stato di salute.

Una volta per curare un mal di orecchi o un la di gola, si tagliavano le maniche delle vecchie maglie di lana (quelle che a Napoli si chiamano “maglie della salute”) e le si riscaldava con il ferro da stiro, dopodiché bastava avvolgerle intorno al collo o vicino all’orecchio per sentire il calore sciogliere, letteralmente, il dolore.

Nessuno sciroppo, nessun miracolo della medicina, nessuna fretta di guarire. Persino un mal di denti lo si curava mettendoci su del liquore per attutire il dolore.

Dottori allarmisti e pazienti spaventati che cercano su Google i sintomi di malattie comuni che sul web si fanno gravi o addirittura terminali.

Persino la gravidanza diventa una corsa al parto a base di acido folico da assumere e costosissimi controlli per la salute del bambino, quando appena qualche decennio prima le nostre nonne sfornavano almeno quindici figli, tenendone per mano tre e aspettandone al contempo due, mentre si chinavano ogni giorno ai lavatoi pubblici per il bucato. E così, in una società che teme il morbillo come un attacco dell’ISIS, anche i vaccini si fanno indispensabile strumento di difesa contro minacce inesistenti, esasperando casi particolari come quelli della campionessa olimpionica Bebe Vio (colpita da meningite fulminante all’età di 11 anni), per diffondere, è proprio il caso di dirlo, un infondato allarmismo social(e).

La verità è che non c’è un vero e proprio pericolo di una qualsivoglia epidemia in Italia, né una reale necessità di fare dei vaccini un caso nazionale. È soltanto una questione di equilibrio e conoscenza. È chiaro che bisogna stare attenti ad una meningite fulminante, così come non ci si può ostinare a curare con rimedi omeopatici un sintomo che proprio non vuol passare, rischiando la vita. Ma, allo stesso tempo, bisogna guardarsi bene dall’entrare in un paranoico circolo vizioso senza soluzione di continuità.

È per questo motivo che il Movimento Giovanile del Risveglio ha organizzato una serie di slow walking (camminata lenta) in diverse città d’Italia sabato 3 giugno, per manifestare e difendere il proprio diritto ad una scelta consapevole.

È giusto, e anche doveroso, il desiderio genitoriale di voler proteggere i propri bambini, e la ferma volontà di farli crescere felici e, soprattutto, sani. Ma forse non dovremmo perdere di vista due cose fondamentali che, in questa storia, ci sono sfuggite: la prima è che quella della salute, così come la vita (e anche la morte) dovrebbe essere una libera scelta in risposta al proprio credo, alla propria etica, alla dignità con cui si desidera condurre la propria vita. Uno stato democratico, quale dovrebbe essere il nostro Paese, deve mettere a disposizione degli strumenti, lasciando però il libero arbitrio ai suoi cittadini se farne ricorso o meno, senza alcun tentativo di coercizione o forma coatta di attuazione. La seconda, e probabilmente più importante, è che il buon senso e la saggezza popolare continuano a rappresentare quel millenario sapere che da secoli l’umanità si tramanda oralmente. Perché, in fondo si sa, a volte per togliere il medico di torno, basta soltanto una mela.

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“Totò Genio”, la mostra su Totò in tre sedi a Napoli fino al 9 luglio 2017

Nell’anno del cinquantenario dalla morte, il Maggio dei Monumenti di quest’anno a Napoli non poteva che essere dedicato alla figura di Totò, noto attore partenopeo che nella sua città è venerato come mito immortale di risata ed essenza di quella napoletanità goliardica che piace, e senza dubbio di diritto “monumento” della città di Partenope. ‘O Maggio a Totò, questo il titolo della rassegna di quest’anno, ha visto protagonista assoluto il principe della risata con diversi eventi sparsi in tutta la città, tra cui Totò Genio.

Voluta dall’Associazione Antonio De Curtis e promossa dal Comune di Napoli, la mostra ha avuto luogo grazie alla collaborazione con diversi enti, tra cui l’Istituto Luce, il Polo Museale della Campania – Palazzo Reale, la RAI e la SIAE, con lo straordinario contributo di Rai Teche e dell’Archivio Centrale dello Stato.

Suddivisa in tre sedi, si disloca in alcuni punti strategici e più suggestivi di Napoli, tra cui la Cappella Palatina (con un po’ di sacrificio della stessa) all’interno del Maschio Angioino, dove c’è Genio tra i geni, la Sala Dorica di Palazzo Reale, che ospita invece Totò, che spettacolo! e infine Dentro Totò, all’interno del Grande e del Piccolo Refettorio del Convento di San Domenico Maggiore.

Tre diverse location che raccontano altrettanti aspetti del compianto attore, attraverso spezzoni di show televisivi, lettere, fotografie, materiali in alcuni casi inediti e straordinari, che svelano la vita, l’arte e la grandezza di De Curtis.

All’interno del Museo Civico di Castel Nuovo, i visitatori potranno ascoltare e vedere alcune interviste di personaggi straordinari, contemporanei e non solo, che ricordano o raccontano la grande influenza che Totò ha avuto sulla loro arte: Eduardo e Peppino De Filippo, Ugo Tognazzi, Dario Fo, Achille Bonito Oliva, Roberto Benigni, Andrea Camilleri, Carlo Verdone, Fiorello. Sono soltanto alcuni dei personaggi che omaggiano Totò con un proprio pensiero o aneddoto.

A Palazzo Reale invece trovano posto costumi di scena originali, filmati e installazioni multimediali, accompagnati dalla voce dello stesso Totò.

Molto bello il percorso a San Domenico Maggiore che mostra invece un Totò particolarmente legato alla sua città d’origine, Napoli, con un filmato in cui l’attore fa da Cicerone, illustrando Napule” a’riggina. Ma il percorso narra anche di un aspetto meno noto della carriera cinematografica dell’attore, il suo legame con la pubblicità della Lambretta insieme a Franca Faldini, o quando la Perugina l’ha scelto, anticipando i tempi dei tanti cantanti e volti noti che oggi sono testimonial del noto cioccolatino, come volto per il famoso Bacio.

La mostra si chiude con Totò e il cinema, allestita nel Piccolo Refettorio, dove sono esposti manifesti, locandine e fotobuste dei 97 film che hanno visto protagonista Totò e che lo hanno fatto conoscere al grande pubblico.

A fare da supporto all’evento c’è  il catalogo ufficiale, realizzato da Skira, introdotto da una prefazione di Goffredo Fofi.

L’esposizione è curata da Alessandro Nicosia, che ha coordinato anche la direzione generale del progetto, insieme al giornalista Vincenzo Mollica, e prodotta da C.O.R, Creare Organizzare Realizzare resterà aperta al pubblico, ben oltre il Maggio dei Monumenti, tenendo compagnia visitatori e turisti fino al prossimo 9 luglio.

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Colosseo. Un’icona: duemila anni di storia, a Roma fino al 7 gennaio 2018

Dall’avvio dei lavori nel 69 d.C. sotto l’imperatore Vespasiano al film Lo chiamavano Jeeg Robot del 2016, passando per le settecentesche raffigurazioni del Gran Tour e la PopArt romana di Olivo Barbieri. È davvero grandiosa, come l’opera che celebra appunto, la mostra che ripercorre i duemila anni del Colosseo, storia che è allo stesso tempo anche quella del nostro paese e della nostra cultura.

Colosseo Olivo Barbieri - internettuale
il Colosseo di Olivo Barbieri

Parte oggi fino al prossimo 7 gennaio 2018, Colosseo. Un’icona, straordinaria rassegna, all’interno dello stesso Anfiteatro Flavio, che si propone di mostrare anche aspetti inediti o poco noti di uno dei monumenti italiani più famosi e visitati al mondo.

Forma ellittica, 52 metri di altezza, 188 metri di “lunghezza” (asse maggiore) per 156 di “larghezza” (l’asse minore), per una superficie complessiva di 3357 metri cubi, che poteva ospitare fino a 73.000 persone, e che oggi invece accoglie oltre sei milioni di visitatori l’anno. Sono solo alcuni dei numeri di questo straordinario edificio, che ha visto nei secoli non solo i gladiatori, ma anche attività commerciale, residenziale e religiosa che caratterizzò la sua vita durante il Medioevo.

Con la riscoperta del mondo classico, anche il Colosseo esercita un grande fascino sulla società rinascimentale, ispirando architetti e pittori. Luogo di martirio, nel Cinquecento diventa simbolico teatro della Via Crucis.

Con la ripresa degli ideali dell’Antica Roma e l’ideale prosecuzione di ciò che fu l’Impero, nel ventennio fascista diventa ideologico proscenio del potere.

Roman Holiday
La locandina del film Vacanze Romane, 1953

È con i primi film peplum, i primi kolossal in costume, che il monumento entra nell’immaginario collettivo di tutto il mondo: da Quo vadis? con una giovanissima Sophia Loren a Mangia Prega Ama, passando per La Dolce Vita e La Grande Bellezza sono tanti i film che hanno celebrato Roma, e il Colosseo, sul grande schermo. Lo dimostra un film-documento, a cura di Silvana Palumberi per Rai Teche negli anni 2000, con una photogallery dei film selezionati, ma anche il filmato Nuovo Cinema Colosseo, corto che in 23 minuti raccoglie i più importanti film cui il Colosseo ha fatto da sfondo: dal Gladiatore a Vacanze Romane, da La commare a Roma di Fellini.

La rassegna si articola in dodici sezioni ordinate cronologicamente che, come capitoli di un libro, riassumono le tante vite dell’anfiteatro romano, con modelli, studi, disegni, dipinti. Come il Colosseo che Carlo Lucangeli realizzò tra il 1790 e il 1812.

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il Colosseo di Carlo Lucangeli, 1790-1812

Tanti i materiali, esposti qui per la prima volta, che ricostruiscono la vita medievale del monumento romano, per un insieme complessivo di centocinquanta opere e filmati rari, ottenuti grazie alla sinergia con l’Istituto Luce, Cinecittà, a cura di Giorgio Gosetti e Lorenza Micarelli – e la Casa del Cinema.

Curata da Rossella Rea, Serena Romano e Riccardo Santangeli Valenzani, con progetto di allestimento di Francesco Cellini e Maria Margarita Segarra Lagunes, la rassegna è promossa dalla Soprintendenza Speciale per il Colosseo e l’area archeologica centrale di Roma, con Electa, che per l’occasione pubblica anche The Colosseum Book, volume che propone alcuni dei tanti itinerari alla scoperta della fortuna post-antica dell’anfiteatro, con un’ampia raccolta di immagini a corredo, ma anche tante pagine letterarie che lo hanno celebrato e ne hanno fatto una vera icona senza tempo dell’arte e dell’archeologia italiana nel mondo.

ART NEWS

Nicca Iovinella, tra arte contemporanea e classicità il 2 marzo al MANN

Il Museo Archeologico Nazionale di Napoli è un museo in continua evoluzione. Prosegue infatti il connubio, felice direi, tra archeologia e arte contemporanea, alzando di volta in volta il livello della qualità. Se finora il MANN ha ospitato nelle sue sale opere contemporanee in dialogo con le collezioni archeologiche, il prossimo evento è una vera e propria performance, per vivere appieno l’arte e il contatto con l’artista.

nicca-iovinnella-iam-mann-museo-archeologico-di-napoli-2017-internettualeSuccederà il 2 Marzo alle 18.30, quando le sale del museo adiacenti al giardino delle camelie si trasformeranno nella scena teatrale di Ancient Freedom, antiche libertà, di (e con) Nicca Iovinella. Una performance che, come la divinità greca Giano, incarna due anime: classica e contemporanea, corporea e digitale, naturale e artificiosa, in perfetta linea con il fil rouge del museo napoletano.

afrodite-venere-mann-museo-archeologico-nazionale-di-napoli-internettualeIl museo diventerà per l’occasione scenario bucolico dove l’artista indagherà temi cari alla sua poetica, come l’affermazione del sé, dell'”abitare”, delle “ferite” di un universo femminile più volte calpestato dalla volontà altrui. Un tema quanto mai attuale, e che diventa la perfetta occasione per festeggiare e celebrare degnamente in anticipo la festa della donna che ricade proprio a marzo.

La performance, che sarà ripresa in diretta, nasce in collaborazione con il Museo Archeologico Nazionale di Napoli e si trasformerà poi in una video-installazione, visibile fino al prossimo 2 aprile, attraverso un proiettore e schermi ad hoc.

Ad accompagnare la mostra un testo critico di Adriana Rispoli, che dice: «Come i grandi personaggi tragici femminili della mitologia – da Didone a Cleopatra, da Cassandra a Medea – Nicca interpreta (è) una donna dilaniata dallo sforzo di vivere e di affrontare le forti contraddizioni dell’animo umano. Indubbiamente Eros e Thanatos si fondono in quest’operazione polisemica, sintesi di un percorso di vita che diventa racconto universale».

La performance che Iovinella proporrà al pubblico dell’archeologico è, in un certo senso, la prosecuzione di I AM, esibizione tenuta dall’artista al Parco dei Camaldoli di Napoli nel 2014. Qui i sentieri di allora si fanno immaginari e immaginifici, i cui passi sono oggi scanditi da un nuovo ritmo, da una nuova consapevolezza, da quel vissuto, diverso da quello di ieri, che inevitabilmente continua ad influenzare il suo lavoro e la sua ricerca.

Una sola costante, due cappi: una corda appesa ad un ramo ed un secondo, invece, alato. Non ci sono particolari artifizi in scena, ma materiali semplici offerti dalla natura: foglie e rami.

Nicca penderà dalla corda, un gesto simbolico che disorienta lo spettatore, lasciandolo sospeso con lei in un groviglio sensoriale tra leggerezza e riflessione.

Durante la performance saranno proiettate su Nicca, vestita completamente di bianco, le figure di alcune delle Veneri acefale conservate all’interno del MANN: un omaggio alla scultura classica del museo, certo, ma anche un tentativo di storicizzare questa performance, che riecheggerà delle sofferenze delle donne, delle loro conquiste nel tempo, della sofferenza che si perpetua ancora dall’Antica Grecia ad oggi.