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Siamo tutti parte della “performance art” di Banksy

“L’arte non si vende. L’arte si distrugge!” gridava Riccardo Pazzaglia nel film Il Mistero di Bellavista a metà degli anni ’80, impersonando un pittore pazzo che accoltellava i suoi dipinti subito dopo averli completati.

E sono tante le opere nella storia dell’arte distrutte o andate perdute, la cui iconica forza però è rimasta indelebile come un’impronta nella mente e nelle pagine di storia dell’arte. Da Caravaggio a Leonardo Da Vinci, solo per citare i più noti. A loro si aggiungerà anche quello di Banksy, che, provocatoriamente s’intende, ha compiuto un’azione destinata a far discutere ancora.

Da qualche giorno infatti il mondo dell’arte non parla d’altro. Me ne accorgo dagli stati di facebook di amici e appassionati, che continuano a commentare con ammirato stupore la sua impresa. Venerdì 5 ottobre, il misterioso streetartist, la cui identità è ancora ben nascosta dietro al noto pseudonimo, ha venduto da Sotheby’s a Londra una delle sue opere più famose, Girl With Balloon, battuta all’asta per 1,04 milioni di sterline, pari a 1,18 milioni di euro. L’opera però si è autodistrutta in pochi secondi, davanti agli occhi esterrefatti di banditori e presenti in sala, subito dopo l’aggiudicazione. All’interno della cornice infatti pare ci fosse un distruggi-documenti che ha fatto scivolare la raffigurazione a brandelli.

Subito dopo l’artista ha postato un’immagine dell’accaduto su instagram con scritto “Going, going, gone…”: «Sembra che siamo appena stati Banksy-zzati» ha detto il direttore di Sotheby’s Alex Branczik.

E mentre il mondo si chiede se questo gesto aumenterà o meno il valore dell’opera, mi chiedo se questo non possa essere considerata una nuova tipologia di performance artistica, al pari di Marina Abramović, dove tutti siamo stati chiamati a partecipare con la nostra sorpresa social(e), interrogandoci ancora una volta sul concetto stesso di arte oggi, in un mondo dove la digitalizzazione e la riproduzione in altissima definizione ha reso immortale l’immagine, permettendo persino la ricostruzione di un Caravaggio rubato a Palermo nel 1969.

Se è proprio negli anni ’60 che nasce e si sviluppa la performance art, l’azionismo, con artisti del calibro di Yōko Ono, Philippe Petit, Hermann Nitsch, facendo dell’interazione con il pubblico parte integrante del proprio messaggio artistico, Banksy ci ha trasformati tutti in quella sua bambina con il braccio teso che tenta invano di afferrare un palloncino rosso, simbolo di un desiderio che sfugge proprio come il suo stesso dipinto tagliato a strisce, che si fa rimpianto suo e nostro.

Una rivoluzione persino per la performance art, in una presenza-assenza dell’artista che si fa beffe del suo pubblico, e se la ride interagendo attraverso i social.

Un gioco (d’arte) di scatole cinesi, in cui l’opera è forse il nostro rammarico, la nostra ammirazione, il nostro stupore dinanzi a quell’auto-distruzione davanti ai nostri occhi impotenti.

Se per Andy Warhol poteva essere una riproduzione in serie e per Piero Manzoni addirittura merda (ma d’artista), tramutandosi via via in un percorso esperienziale unico ed irripetibile per lo spettatore e lo stesso artista, c’è da chiedersi se non ricorderemo anche di quella di Banksy come della più grande performance art della storia, di cui abbiamo inconsciamente fatto parte. Di sicuro per adesso è la più costosa.

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Il Salvator Mundi negli Emirati Arabi: ecco chi l’ha comprato e dove sarà esposto

Mi mangio ancora le mani per non averlo visto dal vivo. Il Salvator Mundi, l’opera attribuita a Leonardo Da Vinci che ha battuto ogni record di vendita, era passato da Napoli quest’anno per la mostra a lui dedicata nel Museo Diocesano di Napoli. Dalla notorietà alla fama mondiale il passo è stato decisamente breve. Dopo essere stato battuto all’asta da Christie’s per oltre 450 milioni di dollari, è adesso uno dei dipinti più costosi e più noti di ogni tempo.

Dopo tante speculazioni giornalistiche, è il Wall Street Journal a rivelare il nome del vero acquirente che, data la disponibilità di una tale somma, non poteva che trovarsi in Medioriente.

È il principe saudita Mohammed Bin Salman il vero acquirente del Salvator Mundi. A confermarlo al giornale economico americano sarebbero state delle fonti dell’intelligence statunitense.

L’acquisto è stato fatto “per procura e per conto” del principe, si legge.

Non si tratta di un collezionista abituale, ma, a quanto pare, il principe vuole riorganizzare l’organigramma dei propri interessi, il che significa che questo potrebbe non essere destinato ad essere (o non lo sarà già) l’unico acquisto d’arte e, visto il patrimonio, l’unico acquisto record.

Salvator Mundi, Leonardo Da Vinci

Per acquistare il dipinto, il principe Mohammed bin Salman si è servito del principe Bader bin Abdullah Mohammed bin Farhan al-Saud, poco noto e appartenente ad un ramo laterale della famiglia. Gli emissari del principe non hanno rivelato le intenzioni di acquistare il dipinto fino al giorno prima, né tantomeno hanno confermato sulla carta di essere gli acquirenti del Da Vinci.

Per partecipare alla gara di acquisto del dipinto gli emissari sauditi avevano depositato 100 milioni di dollari a Christie’s, che per tale somma ne ha naturalmente chiesto l’origine.

Ad oggi il Salvator Mundi è l’unica opera di Leonardo Da Vinci che resta nelle collezioni di un privato e, secondo quanto ha rivelato il giornale americano, sarà esposto nel Louvre di Abu Dhabi, negli Emirati Arabi, come conferma un tweet del profilo ufficiale del museo.

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Caravaggio, la forza delle Sette Opere di Misericordia a Napoli

Non ero mai stato al Pio Monte della Misericordia, il che è già un delitto per un napoletano, se a questo aggiungiamo che sono uno studioso ed un appassionato d’arte, la pena allora diventa addirittura capitale.

Sito in Via Tribunali, 253 a due passi dal Duomo, il Pio Monte, nato come ente benefico della città per aiutare gli oppressi e i bisognosi, custodisce uno dei Caravaggio di miglior fattura, le Sette Opere di Misericordia. Un’opera cardine nella lunga pagina della storia dell’arte, che segnerà un punto di rottura con la pittura precedente dell’artista milanese, e rappresenterà un vero e proprio punto di riferimento per tutti gli artisti del Sud Italia.

Qui bisogna considerare anche lo stato d’animo con cui Caravaggio dipinge l’opera. Accusato dell’omicidio di un uomo avvenuto durante una rissa, è costretto a fuggire da Roma a Napoli per evitare la pena di morte. Lontano dai suoi modelli e modelle abituali, dalle sue amicizie, dall’influenza che via via aveva acquisito nella Capitale e dai committenti romani, l’artista deve aver vissuto un senso di isolamento, solitudine e frustrazione. Le sue opere si fanno più cupe, quasi a riflettere questo suo sentimento da esiliato cui manca la madre patria, la tavolozza dei colori si spegne, abbracciando uno spettro terroso e meno brillante. Oggi Roma-Napoli può apparirci come una breve distanza, di un’ora appena di treno, ma ai tempi erano due mondi lontani e culturalmente molto diversi.

Tra la fine del 1606 e gli inizi del 1608 sono tante le opere che l’autore realizza. Da una Giuditta che decapita Oloferne a una Sacra Famiglia con San Giovanni battista, da Salomè con la testa del Battista a una prima versione di Davide con la testa di Golia.

Di questa vasta produzione soltanto due sono i dipinti rimasti a Napoli: le Sette Opere di Misericordia che, secondo un documento esposto all’interno della quadreria del Pio Monte, non deve essere spostato per nessun motivo né venduto per alcuna cifra, e la Flagellazione di Cristo di fatto di proprietà della Chiesa di San Domenico Maggiore ma custodito al Museo di Capodimonte.

Il terzo, quello che è considerato l’ultimo dipinto di Caravaggio, Il martirio di Sant’Orsola, è stato commissionato da Marcantonio Doria, di una nobile famiglia di Genova, ed è oggi custodito nella Galleria di Palazzo Zevallos a Napoli.

Caravaggio, Sette Opere di Misericordia

Le Sette Opere di Misericordia corporali, sono state commissionate da Luigi Carafa-Colonna, esponente della famiglia che protesse la fuga di Caravaggio nella città di Partenope, nonché membro della Congregazione del Pio Monte della Misericordia.

Trovarsi faccia a faccia con una delle opere più note di Caravaggio è una vera sfida, poiché si guarda l’opera eppure non si finisce mai di coglierne, tra le caratteristiche luci ed ombre tanto amate dall’artista, sfumature, scorci, volti che ci appaiono quasi all’improvviso. Come lo storpio, in basso a sinistra, che emerge dal buio: curare gli infermi, la stessa opera che rappresenta anche l’uomo nudo di spalle, di michelangiolesca memoria, vestito da un buon samaritano che con la spada divide il suo mantello, vestire gli ignudi.

È un quadro colto quello del pittore milanese, i cui riferimenti si rifanno anche alla storiografia romana di Valerio Massimo, autore del I sec. a.C., che ci racconta nei suoi Factorum et dictorum memorabilium di Cimone, condannato a morte per fame in carcere fu nutrito dal seno della figlia Pero, e per questo motivo graziato dai magistrati che fecero erigere in quello stesso luogo un tempio della Dea Pietà. Qui l’episodio è visto nella duplice veste di visitare i carcerati e, allo stesso tempo, dar da mangiare agli affamati.

Il pallore dei piedi di quello che presumibilmente è un cadavere ci ricordano di seppellire i morti, mentre un uomo che beve dalla mascella di un asino, memore del racconto biblico di Sansone, che ricorda di dar da bere agli assetati.

Infine l’ultimo, ospitare i pellegrini, è simboleggiato da un uomo con una conchiglia sul cappello, simbolo del pellegrinaggio verso Santiago de Compostela, e da un altro che gli indica un punto verso l’esterno, forse una locanda dove riposare o la sua stessa casa.

Un chiaro scuro netto, una rottura con il passato che segnerà tutta l’opera successiva di Caravaggio rendendolo autore immortale e maestro del vero, così bello da perdonare quasi una cattiva illuminazione che non rende perfettamente percepibile l’opera quasi in uno stato di penombra. È soltanto grazie ad un altorilievo, progetto per non-vedenti, che è possibile scorgere alcuni dettagli del quadro e scoprire che quello che dal basso appare uno sfregio della tela (in basso a sinistra), è in realtà la spada che riluce dell’uomo che taglia le sue vesti.

Una scena concitata senza un vero e proprio punto focale, che suscitò molto scalpore per le possenti braccia degli angeli, che irrompono nella parte alta del quadro, sorreggendo la Madonna con il bambino che nella sua composizione ricorda molto la Madonna della Seggiola di Raffaello Sanzio. L’ombra delle apparizioni celesti è proiettata sulla prigione, chiaro segno di una concreta presenza anche nella vita terrena dell’Uomo.

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Il Caravaggio della discordia

Da circa due giorni Il Mattino di Napoli sta versando fiumi di inchiostro gettando ombre sull’attribuzione a Caravaggio di una Maddalena Addolorata, attualmente esposta nella Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta nell’ambito della mostra i Tesori Nascosti, curata dal noto critico d’arte Vittorio Sgarbi.

A più riprese, il quotidiano partenopeo ha raccolto le voci dello storico dell’arte Nicola Spinosa, molto scettico a riguardo, e di Sylvain Bellenger, storico d’arte francese, da oltre un anno Direttore del Museo di Capodimonte.

Secondo Spinosa la città, già in possesso di tre Caravaggio non ha bisogno di altre (vere o presunte) opere del maestro milanese: «La gente andasse a vederle al Pio Monte, a Palazzo Zevallos e a Capodimonte» dice il critico, ritenendo che queste siano soltanto operazioni per “richiamare le folle”.

caravaggio_maddalenaaddolorata_1605-1606Dal canto suo, lo stesso Vittorio Sgarbi, curatore della mostra, tiene a precisare di non aver personalmente attribuito l’opera a Caravaggio, sul quale vige sempre l’opinabilità, ma che la paternità del quadro gli è stata attribuita da Francesco Petrucci, curatore di Palazzo Chigi, che ha riconosciuto in questo dipinto la mano del maestro lombardo.

Per Bellenger invece il problema non è tanto quello di portare altri due o tre Caravaggio nella città di Partenope, quanto quello di indagare il percorso artistico dell’artista a Napoli, senza tentativi di fare “un colpo di natura quasi esclusivamente mediatica”.

Il vero problema, aggiunge il direttore del Museo di Capodimonte, è la poca promozione del museo del Real Bosco: «Come si può accettare – si chiede Bellenger – che non ci sia nemmeno una segnalazione del museo di Capodimonte in città?».

Dunque sarebbe tutta colpa della scarsa segnaletica e della poca sensibilità da parte di enti e cittadini verso un museo, quello di Capodimonte che, oltre alla Crocifissione di Caravaggio, custodisce al suo interno i più importanti autori della scuola napoletana, Tiziano, Giotto e tanti altri autori della Storia dell’Arte italiana e non solo.

La Reggia di Versailles in Francia, dista dal centro di Parigi circa 21 chilometri, percorribili in media in quaranta minuti in auto e oltre cinquanta in treno, e quasi 20 € per accedervi. Eppure, nonostante la non facile posizione, il lungo tragitto in auto o in treno, riesce a registrare una media di cinque milioni di visitatori annui all’interno dello château e quasi otto milioni per i suoi bellissimi giardini.

I chilometri che separano il Museo di Capodimonte dal centro di Napoli sono quasi 5, che diventano appena 2 e mezzo se consideriamo come punto di riferimento il Museo Archeologico Nazionale. Con un costo di accesso al pubblico di 12 euro, riesce però a registrare soltanto poco più di 920.000 visitatori all’anno.

Poca promozione nel cuore del centro storico della città o scarsa attenzione alla comunicazione da parte del museo? Benché con alcuni eventi, come il prestigioso prestito di Vermeer, La donna con il liuto, dal Metropolitan di New York, Capodimonte stia riuscendo ad attirare l’attenzione dei giornali e addetti ai lavori, al museo pare ancora mancare quel quid che lo renda attraente per il grande pubblico. Se il Museo Archeologico è, nominalmente, associato all’archeologia, il Museo di Capodimonte, per un turista, è soltanto l’ennesimo museo nel mondo dalle collezioni indefinite. I turisti infatti non immaginano l’importanza degli autori che esso racchiude e custodisce: da Giotto a Tiziano, da Caravaggio a Warhol. Tutta colpa della poca attenzione che Capodimonte presta alla comunicazione e i social. Lo dimostra un logo non proprio avveniristico, che somiglia ad un effetto Wordpad degli anni ’90, lo dimostra anche il non aver fatto di alcun autore il proprio “manifesto”.

Si pensi alla Gioconda e a Leonardo Da Vinci, inconsciamente associati al Museo del Louvre, o alla Ragazza col Turbante (più nota ormai come Ragazza con l’Orecchino di Perla) di Vermeer, simbolo del Mauritshuis in Olanda.

Non una mancanza di rispetto verso le altre opere e ben altri autori, ma la volontà di trasformare nella propria “icona” un’immagine immediatamente riconoscibile, e che attragga i visitatori per una fama che va oltre gli stili pittorici o il valore in sé dell’opera stessa.

È questa la strategia, che Bellenger ha definito “Operazione San Gennaro”, utilizzata dalla Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta e dalla mostra i Tesori Nascosti: un’opera, un nome, che più di altri possa attirare il pubblico. Rendersi immediatamente riconoscibili, trasformando una sola opera nella “copertina” di un’antologia di ben altri e tanti autori di grande valore e talento.

Lungo il percorso espositivo infatti non c’è soltanto Caravaggio, ma autori quali Tiziano, Guercino, lo Spagnoletto, i quali però senza la giusta spinta probabilmente non avrebbero destato la curiosità ed il successo che la mostra invece sta riscuotendo in queste settimane.

È facile invece per un turista riconoscere il percorso caravaggesco a Napoli, a cominciare dal Pio Monte della Misericordia, prestigiosa quadreria partenopea, che prende proprio il nome dall’opera omonima del maestro lombardo, o a Palazzo Zevallos-Stigliano a Via Toledo, che dell’ultimo Caravaggio, Il Martirio di Sant’Orsola, ha fatto la sua punta di diamante.

caravaggio_-_la_morte_della_vergineSe, come annunciato da Vittorio Sgarbi lo scorso 5 dicembre, dovesse dunque arrivare l’Adorazione dei Magi al museo d’arte contemporanea MADRE, nulla toglierebbe agli altri Caravaggio in città, arricchendo un percorso storico-artistico cui si dovrebbe invitare i visitatori a scoprire con maggior sinergia e meno senso di competizione, poiché se tradizionalmente consideriamo Caravaggio un contemporaneo precursore della fotografia, è già per questo “moderno”, senza la necessità di ricercare forzatamente altri dialoghi con le collezioni permanenti del Museo Donna Regina.

Per quanto concerne invece l’autenticità dell’opera della Maddalena Addolorata, attualmente esposta alla Pietrasanta, non è possibile attribuirla con certezza certo, ma non è altrettanto possibile sconfessarla. Sì, è vero, forse Caravaggio non ha mai fatto studi preparatori delle sue opere, né ha mai replicato sé stesso, ma non è possibile escludere a priori che, in una determinata fase della sua carriera e ricerca artistica, per un motivo che oggi ancora ignoriamo, non ne abbia sentito il bisogno, e che dunque la Maddalena alla Pietrasanta non sia l’eccezionalità del caso. Se così fosse, sarebbe per questo motivo di grande e forse maggiore valenza artistica. La mancata documentazione scritta dunque può essere spiegata da quello che l’artista credeva solo un lavoro “estemporaneo” di preparazione per un’altra opera, la Morte della Vergine al Museo del Louvre a Parigi, dove la stessa Maddalena è posta in primo piano al capezzale della Vergine al centro della scena, e che questo dipinto potesse dunque servirgli per ritrarre una delle tante donne che hanno affollato la sua vita ed il suo letto.

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La National Gallery di Londra denunciata dagli eredi di una modella di Matisse

Potrebbe essere la trama del seguito del film Woman in Gold con Helen Mirren, invece potrebbe trasformarsi in un nuovo caso giudiziario sulla restituzione delle opere d’arte. Protagonisti questa volta sono ben tre gli eredi di una modella ritratta da Henri Matisse, attualmente custodita alla National Gallery di Londra. I tre rivendicano la proprietà della tela dell’artista francese, in quanto sarebbe stato “rubato” qualche decennio fa, e pertanto l’acquisto da parte del museo londinese sarebbe illegale.

A formalizzare l’azione legale davanti alla corte federale di New York sono stati Oliver Williams e Margarete Green, cittadini britannici, e Iris Filmer, di nazionalità tedesca, tutti nipoti di Margarete Moll, comunemente conosciuta dagli appassionati e studiosi d’arte come Greta, ritratta nell’omonima opera di Matisse agli inizi del secolo scorso.

Secondo la BBC, i tre nipoti della modella, da ben cinque anni avrebbero tentato di chiedere la restituzione dell’opera, ma finora il museo britannico è sempre stato indifferente a qualsiasi tipo di richiesta.

Adesso i tre, in alternativa alla restituzione fisica dell’opera, chiedono un risarcimento di ben trenta milioni di dollari, da suddividere in dieci a testa.

Ritratto di Greta Moll, 1908 National Gallery

Il coloratissimo dipinto di Matisse ritrae una donna seduta, presumibilmente della media borghesia a giudicare dagli abiti e dalla crocchia, che guarda staticamente l’osservatore mentre è poggiata ad un tavolo rosso.

Ancora una volta l’istituzione britannica ha risposto con quel savoir-faire squisitamente inglese, limitandosi a confermare di aver ricevuto i documenti della citazione legale, ma non troppo convinta dalle motivazioni che i tre adducono.

Che si trasformi in un nuovo clamoroso caso di restituzione o risarcimento d’arte da parte di un museo, ce lo dirà soltanto il tempo. Per ora possiamo ancora ammirare Greta in una delle sale del museo londinese.

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Caravaggio lascia Brera: due giornate gratuite per “salutare” la cena in Emmaus

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Caravaggio lascia Brera. La Cena in Emmaus, celebre dipinto di Michelangelo Merisi custodito nel museo milanese, lascerà le sale del seicentesco edificio fino al gigno 2016. Ad annunciarlo James Bradburne, nuovo direttore del museo.

Datata 1606, è la seconda versione di una tela che Caravaggio dipinse qualche anno prima, nel 1601, custodita oggi alla National Gallery di Londra. Ma mentre nella prima versione i colori erano molto più vivaci, con una rappresentazione del Cristo più paffuta e piuttosto androgina, raffigurato come il “buon pastore” delle opere paleocristiane, e una maggiore dinamicità nella scena e nei movimenti dei personaggi.

Forse intenzione dell’artista in questa prima versione dell’opera, era quella di non rendere immediatamente riconoscibile Gesù, se non per il gesto della mano, proprio come accadde, secondo il Vangelo di Luca, a Cleofa e ai discepoli, increduli di rivedere Cristo dopo la sua crocifissione, riconoscendolo nel gesto di spezzare il pane.

Nella seconda versione, quella di Brera, Caravaggio prosegue il suo percorso di “semplificazione” delle sue opere, a vantaggio dei personaggi centrali dell’evento. I colori si spengono, così come le luci. Cristo qui è meno androgino, e ha adesso le fattezze di un uomo stanco, intento a benedire e spezzare il pane sotto gli occhi attoniti dei presenti. Il pane qui è già spezzato, il pasto molto più frugale e, anziché la ricca canestra di frutta della prima versione, troviamo soltanto pochi elementi, tra cui un piatto e una brocca, forse col vino.

La passione per i dettagli va scemando, e lascia adesso il posto all’intensità della scena, alle espressioni dei volti, alla centralità del Cristo.

L’opera andrà in prestito al Museo di Belle Arti di Caen (Francia), dando così avvio ad una politica di scambi di opere con partner esteri. Da oltralpe infatti arriverà Lo Sposalizio della Vergine del Perugino, che sarà contrapposto all’omonima versione del suo allievo, Raffaello, conservata a Brera.

Per celebrare questo passaggio, sabato 14 e domenica 15 novembre Brera ha indetto due giornate eccezionali con ingresso gratuito, un’occasione da non perdere per “salutare” un’opera straordinaria, nell’attesa di ammirare il derby, tutto artistico, del Perugino e il suo allievo Raffaello.