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Stanze d’Artista, i capolavori del ‘900 alla Galleria d’Arte Moderna a Roma fino al 1 ottobre

Si intitola Stanze d’Artista ed è la nuova esposizione che da oggi fino al prossimo 1 ottobre 2017 occuperà le sale della Galleria d’Arte Moderna a Roma. Un percorso di storia dell’arte contemporanea che mette insieme i maggiori esponenti italiani della prima metà del ‘900: da Mario Sironi ad Arturo Martini, da Giorgio De Chirico a Carlo Carrà, passando per Fausto Pirandello e Scipione.

Giorgio De Chirico, gladiatori

Capolavori del ‘900 italiano, come recita il titolo completo che sono stati allestiti secondo un criterio monografico: a ciascun artista infatti è dedicata una ideale “stanza” che mette insieme non soltanto le opere sue opere, ma anche tutte quelle parole raccolte nel corso di una vita in lettere, diari, scritti teorici o critici. Parole che si trasformano in questo contesto in un commento critico degli stessi autori, in cui ritrovare la poetica o l’origine dei loro capolavori.

Sono oltre sessanta le opere raccolte da questa grande rassegna, che mette insieme non soltanto pezzi della galleria stessa, ma anche dipinti provenienti da prestigiose collezioni private.

Dalla sua riapertura nel 2011, la galleria romana segue un principio di rotazione delle opere, che permette ai suoi visitatori di scoprire pezzi e parti importanti del suo vasto patrimonio artistico. Per l’occasione di questa mostra dunque alcuni dipinti vengono valorizzati per la prima volta, come ad esempio Le spose dei marinai, opera del 1934 di Massimo Campigli, ma anche Paese di Ottone Rosai del 1923, e molti altri dipinti che trovano così una più degna collocazione all’interno di questo evento.

Ferruccio Ferrazzi

Stanze d’Artista è promossa da Roma Capitale, l’Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, ed è a cura di Maria Catalano e Federica Pirani, con la collaborazione dei Servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

Dopo aver visitato la Casa Boschi-Di Stefano a Milano lo scorso anno, mi sono particolarmente appassionato a molti di questi artisti che ho conosciuto e amato proprio in quella bellissima dimora disegnata dal noto architetto milanese Portaluppi. Ed è per questo motivo che suggerisco di vedere questa mostra che oggi si propone oggi non soltanto di far conoscere l’opera di questi straordinari esponenti dell’arte italiana, ma anche le loro parole e la persona oltre la personalità che tutti conosciamo.

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Leonardo Da Vinci Experience, il museo che porta la Gioconda in Italia

Per chi studia storia dell’arte Leonardo Da Vinci rappresenta il genio assoluto dell’Umanesimo. La sua tecnica pittorica, l’alone di mistero intorno alla sua figura e le sue invenzioni geniali, hanno contribuito a dargli una fama senza eguali, a metà strada tra artista puro e scienziato vero e proprio.

leonardo-da-vinci-experience-il-cenacolo-internettualeGrazie a Leonardo Da Vinci Experience, in Via della Conciliazione 19 a Roma, adesso anche gli italiani potranno ammirare dal vivo le sue opere: la Gioconda, il Cenacolo, le due versioni de La Vergine delle Rocce, sono soltanto alcuni dei ventitré dipinti certificati dal Maestro finalmente riuniti in un unico grande ambiente. Non si tratta di prestiti, bensì di vere e proprie riproduzioni degli originali, non solo nei materiali, gli stessi utilizzati da Leonardo, ma anche con la medesima tecnica da lui operata.

Cinquecento metri quadri suddivisi in cinque aree tematiche, che comprendono un’antologia dei dipinti più noti, ma anche cinquanta macchine inedite progettate dal Genio Universale.

Il Museo si propone di essere un percorso tra arte e scienza, un viaggio tra pittura, meccanica, proiezioni, ologrammi e audio didattici per restituire al pubblico tutto il mondo vinciano.

leonardo-da-vinci-experience-la-sala-delle-macchine-internettualeLa Sala delle macchine del volo e L’Ultima Cena, la Sala delle macchine da guerra, la Sala della prospettiva, la Sala dei principi e la Sala della pittura. Sono queste le sezioni attraverso le quali si muoverà il visitatore, in un’esperienza che coniuga arte, scienza, cultura, istruzione e intrattenimento.

A realizzare le opere pittoriche Bottega Artigiana Tifernate, fornitore ufficiale per il museo del Louvre, il British Museum ed il Metropolitan Museum of Art di New York, che ha ricreato i capolavori vinciani con la rivoluzionaria tecnica della pictografia e dipinti a mano, a tutti gli effetti riconosciuti conformi agli standard del Ministero dei Beni Culturali.

Ogni macchina e ogni dipinto sono accompagnati da proiezioni e pannelli multilingua esplicativi, con informazioni e immagini 3D.

«La posizione di questo museo, la quantità e la fedeltà dei capolavori riprodotti ed esposti al suo interno, fanno di Leonardo Da Vinci Experience un’occasione unica al mondo per immergersi nella vita e nelle opere del più grande genio di tutti i tempi – spiega Leonardo La Rosa, presidente della società Arte e Cultura – Il percorso espositivo è rivolto a un pubblico senza confini di età e provenienza: una mostra viva, dinamica e in continua evoluzione, che intendiamo arricchire costantemente e proiettare verso il futuro in vista del 2019, anno in cui ricorreranno le celebrazioni per il cinquecentenario dalla morte di Leonardo».

Per maggiori informazioni:

www.leonardodavincimuseo.com

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Artemisia Gentileschi, l’arte di una donna fino al 7 maggio a Roma

In un’epoca di cancelliere, sindache e prime ministro che hanno conquistato quelle vette fino ad un secolo prima riservate ai soli uomini, è più moderna che mai la mostra su Artemisia Gentileschi a Roma con Artemisia Gentileschi e il suo tempo.

Donna, ma soprattutto pittrice, al pari dei suoi contemporanei uomini, altrettanto potente e vigorosa nelle sue raffigurazioni pittoriche quanto Caravaggio e, talvolta, persino più violenta e vivida. Come dimostrano le due Giuditta e Oloferne. La prima del 1617, vibrante, viva, vivida, cruda; la seconda del 1620 per Cosimo de’ Medici. L’una agli Uffizi a Firenze, l’altra al Museo di Capodimonte a Napoli. Entrambe riunite sotto lo stesso tetto in occasione della monografica sulla pittrice seicentesca organizzata dal Museo di Roma, aperta al pubblico fino al prossimo 7 maggio.

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Giuditta e Oloferne, 1620 – Uffizi (Firenze)

È successo qualche giorno fa, quando le maestranze del museo napoletano e quelle dell’omologo romano, hanno trasportato in sicurezza il dipinto, giunto nella Capitale dal capoluogo partenopeo nella sua cassa in legno.

La potenza pittorica della Gentileschi, la forte espressività dei suoi soggetti, unita alla teatralità delle ambientazioni delle scene, la modulazione della luce ha contribuito alla diffusione del caravaggismo in Italia e a Napoli in particolare, dove l’artista si era trasferita e aveva vissuto in seguito ad uno stupro, la cui onta le avrebbe fatto perdere i favori e i privilegi di artista di cui invece godeva nella sua natia Roma.

Un tentativo di “femminicidio” spirituale, che non è riuscito tuttavia a fermare la creatività, che l’artista ha continuato a dimostrare per tutto il corso della sua vita.

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Giuditta e Oloferne, 1617 – Museo di Capodimonte (Napoli)

Non a caso il racconto biblico di Giuditta e Oloferne, che l’artista ha ritratto per ben due volte con altrettanto vigore, racchiude probabilmente la poetica della Gentileschi stessa, trasformandosi in metafora del trionfo della donna sul genere maschile. Giuditta infatti, donna del popolo ebraico, rimprovera gli anziani del suo popolo di non aver avuto fede nel Dio di Israele, e di non essere stati forti nella lotta contro il Re Oloferne, dal quale invece giunge, facendogli intendere di voler tradire la propria gente. La donna ottiene asilo e il permesso di pregare ogni notte il suo Dio. Una sera Re assiro Oloferne, invaghito della bellezza della donna, la invita al suo banchetto completamente ubriaco nell’intento di abusare di lei. Giuditta riesce così a sottrargli la sua stessa spada e decapitarlo, ritornando nella sua città. Presi dal panico per la morte del proprio condottiero, gli assiri furono messi in fuga dai Giudei.

Una rivincita quella di Giuditta, che si fa riscatto artistico per la stessa Artemisia, che con la sua arte e il suo talento ha dimostrato e continua a dimostrare di essere una donna contemporanea, di straordinario talento e sensibilità, ma, soprattutto, una grande Artista.

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L’arte contemporanea alla Farnesina, l’ultimo venerdì del mese

Per molti semplicemente sede del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, la Farnesina sarà anche sede espositiva di una ricca collezione d’arte contemporanea. Da Pistoletto a Dorazio, da Kounellis a Vedova passando per Mauri, Merz, Rotella, Fioroni sono davvero tantissimi i nomi degli artisti che fanno parte di questa raccolta nata agli inizi degli anni 2000 su iniziativa dell’allora Segretario Generale Ambasciatore Umberto Vattani. La collezione, nata per sottolineare l’impegno del Ministero nella ricerca (e adesso anche nella promozione) dell’arte contemporanea, e deputata negli anni ad ambito di intervento strategico della politica culturale del ministero italiano, è oggi restituita al pubblico italiano e non solo che desidera visitarla, entrando, al contempo, in contatto con gli ambienti di palazzo ministeriale.

È giusto che collezioni come questa siano rese fruibili, poiché parte della storia dell’arte italiana, ma anche e forse soprattutto, parte del tessuto cittadino cui, di fatto, appartiene.

Gli orari di apertura al pubblico saranno dalle 9.00 alle 16.00; ogni visita va prenotata su www.collezionefarnesina.esteri.it

Da venerdì 27 gennaio, ad accogliere i visitatori ogni ultimo venerdì del mese, ci saranno i Volontari per il Patrimonio Culturale del Touring Club Italiano, che approda ora alla Farnesina dopo il Palazzo del Quirinale: «Siamo molto orgogliosi della collaborazione con il Ministero per l’apertura alle visite del Palazzo della Farnesina – ha detto Franco Iseppi, Presidente del Touring Club Italiano – un incarico di grande prestigio che ci è stato affidato, dopo quello per l’apertura alle visite del Palazzo del Quirinale, e che ci permette di restituire agli italiani e ai turisti una parte significativa del nostro patrimonio artistico».

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Perché è giusto pagare un biglietto di ingresso per musei e monumenti

In questi giorni fa molto discutere la decisione di Dario Franceschini di introdurre un biglietto di ingresso per il Pantheon a Roma. La proposta del Ministro dei Beni Culturali, che dovrebbe essere attuata entro fine mandato, arriva a ridosso di un’altra notizia, quella della sospensione dei lavori di ampliamento del MET di New York.

Il noto museo sulla quinta strada stava infatti espandendo un’area, sotto le direttive dell’archistar britannico David Chipperfield, che avrebbe dovuto ospitare la collezione di arte moderna e contemporanea del magnate del beauty Leonard Lauder.

Il progetto però pare, almeno per il momento, congelato fino al 2024. La spesa per la nuova ala si aggira infatti intorno ai 600 milioni di dollari. Troppo per un museo, il cui accesso al pubblico è a contributo volontario, che sembra avere tagliato i costi di spesa di circa 31milioni di dollari, con conseguenti rallentamenti per mostre ed eventi, tagli al personale e stop delle assunzioni.

A darne notizia allo staff lo stesso Daniel Weiss. Il direttore del MET, chiamato qualche anno fa per risanarne i conti, lo ha infatti comunicato in una nota ufficiale.

Nonostante queste sembrino notizie apparentemente distanti, e per collocazione geografica e per tipologia di museo, è innegabile il fatto che esse pongano il punto di domanda sui costi della cultura.

È vero che è compito di una Nazione garantire la fruizione dei beni architettonici, artistici e culturali ai suoi cittadini, ma è altrettanto vero che monumenti e musei hanno dei costi, spesso molto alti, di mantenimento e manutenzione, non soltanto per il personale che ne gestisce le strutture, ma anche per il restauro delle opere in esse contenute.

Alla luce di questa notizia è facile dunque spiegare il prestigioso prestito fatto dal Metropolitan a Capodimonte, quello de La donna con il liuto del fiammingo Vermeer, attualmente esposto nel museo napoletano.

Se consideriamo che il Pantheon a Roma ha una media di sette milioni di visitatori l’anno, che accedono alla struttura senza pagare alcun biglietto d’ingresso, e che il Metropolitan Museum of Art è il secondo museo più visto al mondo con oltre sei milioni visitatori, che vi accedono con un contributo volontario, sarà facile comprendere quanto l’introduzione di un biglietto fisso, porterebbe un grande beneficio alle due strutture che conseguentemente potrebbe portare minori costi per la gestione e manutenzione. Con un biglietto di ingresso infatti si garantirebbe l’accesso alle opere soltanto a chi è veramente interessato a contemplarle e, implicitamente, contribuire al loro mantenimento, riducendo, allo stesso tempo, l’afflusso incondizionato di chi vi accede anche solo per curiosità, spinto dalla gratuità della struttura.

Inserendo un ticket, che potrebbe aggirarsi intorno ai 12 dollari per il MET, a scomputo degli attuali 25 suggeriti sul sito ufficiale, e un costo, magari anche solo simbolico, per il Pantheon a Roma, si garantirebbe alle due sedi di poter fidare su di una rendita più o meno fissa, dalla quale attingere per coprire quantomeno i costi di intervento ad opere e strutture e, nella più rosea delle prospettive, riuscire anche a finanziare piccole esibizioni temporanee.

Se avete di continuo ospiti nella vostra casa, con il passare del tempo persino le sedie e il pavimento risentiranno dell’usura di chi viene a trovarvi, con un notevole aumento dei costi di manutenzione annui della vostra abitazione.

Gli italiani dovrebbero andare oltre il perbenismo un po’ snob che guarda con disprezzo ai guadagni che provengono dalla cultura e alla sua commercializzazione, ed entrare in una forma mentis più imprenditoriale, che sappia “vendere” l’arte al pubblico, nel rispetto dei luoghi, delle opere e del loro valore artistico-culturale.

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A Palazzo Altemps a Roma il vero volto di Antinoo

antinoo-ritratto-in-due-parti-palazzo-altemps-roma-2016-2017-ludovisi-internettualeIcona dell’antichità giunta fino ai giorni nostri, l’immagine di Antinoo è giunta fino a noi come archetipo di bellezza e di erotismo. Il giovane amato dall’Imperatore Adriano, annegato a soli diciannove anni nelle acque del Nilo, e trasformatosi, per volontà dell’Imperatore romano, in vera e propria divinità venerata da ben tre paesi per altrettante culture e iconografie. Il mito rivive oggi nella mostra Antinoo, ritratto in due parti a Roma.

Ad Antinoo infatti Adriano tributerà un’intera città, Antinopoli, sorta laddove il giovane incontrò la morte.

La sua figura è ritratta come dio egizio, giovane bacco o atleta virile, attraversando stili, epoche, culture.

Tra le opere più celebri che hanno riportato la sua immagine fino ai giorni nostri, l’Antinoo Ludovisi, conservato al Palazzo Altemps del Museo Nazionale Romano è probabilmente tra le più note: folti capelli ricci, carnose labbra imbronciate, occhi incavati, pelle liscissima. Il volto di Antinoo, giovane di origine orientale, ha insolitamente fattezze occidentali.

Deve essere stata questa in parte la scintilla che ha portato gli studiosi dell’Art Institute di Chicago a domandarsi se il busto conservato nel museo romano non corrispondesse in realtà ad un volto che è invece custodito presso il loro museo.

È grazie alla tecnica della scannerizzazione 3D che si è così potuto ottenere un primo confronto virtuale tra le due parti. Un’emozione, che ha portato l’entusiasmo degli studiosi alla stampa 3D dei due pezzi, che gli ha consentito di unirli fisicamente, completando le parti del volto ancora mancanti, con un algoritmo che ha presumibilmente ricostruito il volto per ciò che doveva essere davvero, e non dunque per la versione idealizzata e un po’ posticcia de busto Ludovisi.

antinoo-ritratto-in-due-parti-palazzo-altemps-roma-2016-2017-internettualeNe viene fuori una figura diversa, più orientaleggiante, con il naso vagamente schiacciato e la bocca grande. Lontana da quell’immagine “occidentale” che il ritratto romano ci aveva finora dato. Il confronto, tra le singole parti, quella romana e quella statunitense, e la ricostruzione, visibile in sala, di questo percorso di studi, è una vera emozione per il visitatore. Ci si sente ad un passo dalla storia entrando nella piccola sala del Museo Nazionale Romano, dove questo progetto resterà fino al prossimo 15 gennaio.

Si dice che la mente guardi soltanto ciò che conosce, e allora eccola lì la cicatrice sul volto del Ludovisi, la frattura che segna il punto in cui al busto Altemps è stato incollato il volto con le fattezze di un altro Antinoo, vero e proprio mito nell’antichità e nell’era rinascimentale.

Un’icona che si mostra al pubblico senza la sua maschera idealizzata, né quel canone idealizzato dall’immaginario degli artisti.

Due pezzi, una sola ricostruzione, tante colonne di marmo. È semplice e forse un po’ austero l’allestimento della mostra, eppure efficace, perché ci guida, sul fondo della sala alla scoperta del vero Antinoo, di quel busto ricostruito e strappato alla realtà per circostanza di cose, di quel puzzle, che almeno virtualmente è stato ricostruito e che finalmente i visitatori possono ammirare così come doveva apparire in origine.

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Ritratto in due parti: Antinoo a Palazzo Altemps a Roma fino al 15 gennaio

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Antinoo raffigurato come Osiride, al British Museum

È una delle poche icone dell’arte antica giunte fino a noi. Il suo volto è considerato un canone di bellezza in tutto il mondo. Sto parlando di Antinoo, giovane amante sfortunato dell’Imperatore Adriano, che morì prematuramente annegato nelle acque del Nilo. E se molti libri di storia romana/archeologia ancora oggi liquidano il giovane con l’appellativo di “favorito” dell’imperatore, opere come Memorie di Adriano di Marguerite Yourcenar ne hanno fatto uno dei simboli dell’omosessualità contemporanea.

Alla figura di questo giovane innamorato, la cui leggenda ne attribuirebbe la scomparsa ad un tentativo fallito di castrazione per preservare l’efebica bellezza, è dedicata oggi una bellissima mostra.

Antinoo. Un ritratto in due parti. È questo il nome della rassegna che fino al 15 gennaio 2017 mette insieme due frammenti in relazione tra loro, un volto e un busto, identificati come il ritratto del giovane amante dell’imperatore. L’uno conservato all’Art Institute di Chicago, l’altro al Museo Nazionale Romano. Entrambi trovano adesso posto nella mostra di Palazzo Altemps.

Quello di Antinoo è un volto assorto, malinconico, dai folti riccioli e una straordinaria bellezza. Un’icona, la sua, che ha attraversato ben tre Stati, dopo la morte, incarnando i culti locali che vanno dall’ideale bellezza greca alla personificazione del Dio Osiride in Egitto. È probabilmente facile capire, guardando la molteplice e varia ritrattistica antica, come abbia fatto Adriano, l’imperatore romano così tanto affascinato dalla Grecia, ad invaghirsi di questo giovane di origine orientale. Oggi quel volto dell’originaria collezione di Villa Ludovisi, acquisita dal museo romano agli inizi del ‘900, ritrova anche il suo busto, che alla fine dell’800 invece ha attraversato l’oceano per far parte della collezione del primo presidente dell’Art Institute di Chicago.

Ci vorrà l’ipotesi dell’egittologo Raymond Johnson dell’Università di Chicago nel 2005, e gli studiosi del J. Paul Getty Museum, quasi dieci anni dopo, per confermarlo.

I due frammenti, ricostruiti in fedelissimi calchi in gesso 1:1 sono così idealmente composti, ricostruendo idealmente l’aspetto originario dell’opera di età romana.

Alla morte di adriano il mito del giovane svanì con lui. Occorsero gli studi antiquari di J.J. Winckelmann, padre della moderna archeologia, sedotto dalla bellezza di quella scultura romana dal sapore greco. L’immagine di Antinoo riprende vita, e si fa visione erotica, vagamente sensuale, capace di ispirare i versi malinconici di Irwing, di Wilde, di Pessoa.

A rendere omaggio al giovane è oggi questo evento promosso dalla Soprintendenza Speciale per il Colosseo e l’area archeologica centrale di Roma e dal Museo Nazionale Romano insieme ad Electa. L’iniziativa è a cura di Alessandra Capodiferro.

Se la storia omosessuale tra l’Imperatore di Roma e il giovane non destò scandalo, molto stupore suscitò invece il lutto dell’imperatore e condottiero, che volle trasformare la figura del giovane in Dio, diffondendone il culto in tutto l’impero: da Roma alla Grecia, passando per l’Egitto: Osiride, Dioniso, Apollo, Asclepio fino alle divinità agresti minori. Sono tante le iconografie attraverso le quali è passato il volto di Antinoo, rosa di gozzana memoria, rimpianto di quell’imperatore che dall’alto del suo trono trascorse il resto dei suoi giorni, come un Petrarca ante saecula, nel dispiacere di ciò che poteva essere e non è stato.

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La scalinata di Piazza di Spagna ritrova l’antico splendore grazie a Bulgari

In occasione della Milano Fashion Week, è giusto parlare di quanto la moda faccia bene anche all’arte. Se da secoli questa è fonte di ispirazione per gli stilisti di tutto il mondo che, dalle Sorelle Fontana a Moschino, si sono spesso ispirati a celebri opere e personaggi del passato per le loro creazioni, in alcuni casi hanno saputo restituire quanto la storia dell’arte abbia saputo donar loro. E così, dopo Fendi, che ha ridato nuova luce alla Fontana di Trevi, celebrandovi i 90 anni della maison con una sfilata sull’acqua dopo averne finanziato il restauro, un’altra importante casa di monda, Bulgari, ha invece reso possibile il restauro di un altro luogo simbolo della capitale romana, Trinità dei Monti.

Celebre negli anni ’90-2000 per le sfilate di moda in televisione e le fiction rai, la scalinata di Piazza di Spagna a Roma collega la Chiesa di Trinità dei Monti all’ambasciata borbonica spagnola cui la piazza deve il nome.

Commissionata dal cardinale de Tencin, viene inaugurata da Papa Benedetto XIII in occasione del Giubileo del 1725.

Il disegno è ad opera di Francesco De Sanctis, architetto del tardo barocco romano che immaginò una teoria di scale intervallate da terrazze fiorite, riccamente addobbate con fiori a partire dalla primavera di ogni anno.

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Audrey Hepburn a Piazza di Spagna in “Vacanze Romane”, 1953

Scenario di film memorabili come Vacanze Romane con Audrey Hepburn del 1953, risponde alla moda architettonica del tempo, con una profonda prospettiva che culmina in quinte monumentali.

Restaurata già nel 1995, oggi la scalinata ritrova il suo antico splendore grazie ad un restauro costato 1,5 milioni di euro, stanziati dalla maison Bulgari. Di un bianco travertino abbagliante “va preservata da ulteriori situazioni che possano causare danni” dice la neo sindaco Virginia Raggi, la quale vuole vietare fortemente i bivacchi, spesso causa di degrado e sporcizia per luoghi pubblici e monumenti.

All’inaugurazione della riapertura della scala erano presenti l’AD della casa di moda Jean-Christophe Babin, Nicola Bulgari, il Sovrintendente capitolino ai Beni culturali Claudio Parisi Presicce.

E se in città come Napoli i finanziamenti stanziati dai privati in cambio di pubblicità ancora faticano a decollare del tutto, tra ritardi e sponsor che continuano a cambiare a vantaggio delle sole ditte d’appalto, a Roma questa sembra ormai una felice realtà che consente, in questo caso alla moda, di contribuire a rendere più belle quelle città che spesso fanno da sfondo a creazioni uniche e senza tempo.

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Giosetta Fioroni, da oggi a Catanzaro arriva la Pop Art italiana

Parte da oggi una interessante retrospettiva Giosetta Fioroni, esponente della Pop art italiana. Sono 70 le opere, risalenti per lo più alla prima produzione dell’artista, realizzate tra gli anni ’50 e ’70, che è possibile ammirare al Museo Marca di Catanzaro fino al prossimo 5 Agosto.

Tele e carte d’argento che raccontano il percorso di questa artista esponente della scuola di Piazza del Popolo.

Giosetta Fioroni. Roma anni ’60, questo il titolo della rassegna, è l’occasione per rivivere un’importante tappa dell’arte italiana del secondo dopoguerra fino al boom economico.

Curata da Marco Meneguzzo, Piero Mascitti ed Elettra Bottazzi che hanno selezionato le opere, la mostra è resa possibile grazie alla collaborazione con la Fondazione Rocco Guglielmo, l’Amministrazione Provinciale di Catanzaro, la Fondazione Zoli, l’Associazione culturale Spirale d’Idee e l’Associazione culturale Accademia.

Tante innovazioni di questa artista, che interpreta ed esprime perfettamente l’aria rivoluzionaria del ’68, e che negli anni ’70 trova il suo massimo momento di sperimentazione, trovando soggetti nuovi, e andando a ripescare le suggestioni e i ricordi della propria infanzia, reinterpretando le favole che l’avevano caratterizzata.

A chiudere idealmente il percorso espositivo l’opera Grande freccia, che indica la casa in campagna, abbandono della mondanità del tempo. In compagnia di Goffredo Parise decide infatti di lasciare la Capitale per trasferirsi in un piccolo paesino sul Piave. L’opera segna ipoteticamente un confine tra un prima e un dopo che influirà sulla sua vita e le sue opere.

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Da Tiffany a Roma: una mostra per festeggiare un nuovo store nella capitale

Jackie Kennedy and her two year old daughter Caroline Anno: 1960
Jackie Kennedy e la sua bambina Caroline a due anni
Anno: 1960

L’immagine di Audrey Hepburn che cammina alle prime luci dell’alba per le strade di New York per far colazione dinanzi alle vetrine di Tiffany è diventata il simbolo dell’America che sogna. Erano i primi anni ’60 e gli Stati Uniti celebravano i primi 125 anni di quella che sarà considerato da molti il gioielliere per antonomasia. Sono trascorsi quasi 180 anni dalla storica fondazione della sede newyorkese nel 1837 e da allora ne ha fatta di strada Tiffany & Co., non solo nell’immaginario collettivo delle scrittrici che tanti romanzi gli hanno tributato sulla falsariga di Truman Capote, ma delle tante donne che continuano a sognare guardando le vetrine delle sue gioiellerie, proprio come la Hepburn nel film di Blake Edwards.

La fama dei suoi pacchetti è tale da battezzare un colore, il blu Tiffany, per molti verde, la caratteristica colorazione di acquamarina con cui da quasi duecento anni sono avvolti le prestigiose creazioni. Non semplici gioielli, ma vere e proprie opere d’arte osannate in tutto il mondo come icone di stile e di design.

Oggi la celebre gioielleria americana si appresta a festeggiare l’apertura di un secondo punto vendita a Roma, e lo fa con l’inaugurazione di una mostra fotografica, The Female Portrait: Photography by American Women, a Palazzo Ruspoli fino al prossimo 29 maggio.

Curata la Denis Curti, la mostra ripercorre alcune delle donne che hanno indossato negli anni le straordinarie creazioni della maison, catturate dall’occhio delicato di altre donne, come la celebre fotografa statunitense Eve Arnold.

È l’America di Camelot, l’epoca d’oro in cui John Kennedy era presidente e sua moglie Jackie, impeccabile nei suoi tailleur, era considerata una vera icona di stile ammirata in tutto il mondo. Lo dimostra una tenera foto della First Lady con sua figlia Caroline bambina, intenta ad aiutare sua madre a sistemare dei fiori in un vaso su di un tavolo della Casa Bianca.

Uno sguardo nostalgico con intento celebrativo e la voglia di guardare ad un futuro che non dimentica mai il proprio passato, per continuare a perpetuare il sogno americano e non solo.