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Storia del Museo Ginori: ascesa, caduta e rinascita del museo di Sesto fiorentino

Se la bellezza è una necessità, allora nutrila con stile. È così che recita il sito web ufficiale di Richard-Ginori, storico marchio di produzione ceramica, che ha fatto di una squisita ricerca estetica la propria vocazione, sin dal lontano 1735, votando il proprio nome ad un’Arte diventata già icona.

Sinonimo di eccellenza italiana, oggi il brand, Richard-Ginori, è noto ed apprezzato in tutto il mondo. Fondato dal marchese Carlo Ginori, è suo il merito di aver dato origine alla Manifattura della porcellana di Doccia.

Sin dai primi anni di attività, Ginori decise di destinare alcuni locali al pianterreno della Villa Ginori di Doccia alla raccolta di modelli, ceramiche e terre formatesi nel primo periodo di vita della fabbrica.

Ben consapevole dell’alta qualità delle proprie porcellane e del loro significato artistico, già nel 1754 Ginori dimostrò la precisa volontà di una loro musealizzazione, creando un’apposita Galleria in cui esporre queste opere.

A poco più di un secolo dalla sua fondazione, la Ginori fu acquisita dalla milanese Soc. Ceramica Richard, diventando il marchio che oggi tutti conosciamo. L’originario nucleo delle raccolte storiche restò nei depositi della Villa di Doccia, cui negli anni si aggiunsero nuovi oggetti di proprietà Richard-Ginori.

Il progetto dell’attuale museo è dell’architetto toscano Pier Niccolò Berardi e Fabio Rossi. Le collezioni comprendevano l’originario lascito Ginori che si arricchì dei pezzi realizzati dopo la fusione con la Richard.

Richard-Ginori 1735 lottatori ceramica porcellana biscuit Museo Doccia Sesto fiorentino Vaso ad orcino Gio Ponti, Prospettica - internettuali
Giò Ponti

Inaugurato nel 1965 ha tristemente chiuso le sue porte al pubblico nel maggio del 2014, mentre la fabbrica delle pregiate porcellane era già stata acquistata all’asta nel 2013 dalla maison di moda Gucci.

Di grande valore la collezione del museo, che comprende statue e statuine di pregevole fattura di ispirazione michelangiolesca, con corpi vigorosi e nudi eroici, o rinascimentale, riproducendo opere come il Ratto delle Sabine del Giambologna, o ottocentesche, impresse nella porcellana lucida e finissima o l’elegante e opaca biscuit.

La Richard-Ginori vede tra le sue collezioni delle sue ultime creazioni anche le decorazioni del designer milanese Giò Ponti, che caratterizzò i primi anni ’20, rileggendo alla propria maniera l’Art Déco.

Lo scorso 27 novembre il museo è stato finalmente comprato dallo Stato Italiano, attraverso il Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, con conseguente lascito della collezione che è stata così utilizzata per il pagamento delle tasse attraverso opere d’arte.

Ed è proprio da questa acquisizione che parte la ventiquattresima edizione di Artigianato e Palazzo, cui parteciperò e di cui vi parlerò, nella quale è stata allestita la Mostra Principe dedicata proprio alla Richard-Ginori. Durante i quattro giorni della rassegna, che si terranno al Giardino Corsini a Firenze, saranno infatti raccolti fondi per la riapertura del museo, identitario dell’arte e della pregiata manifattura fiorentina.

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INTERNATTUALE

La Gaiola a Napoli: storia dell’isola maledetta che abitò anche Virgilio

A Napoli primavera fa rima con Gaiola. Con l’arrivo della stagione degli amori e i primi caldi, gli adolescenti e gli studenti che marinano la scuola, ma anche tutti coloro che vogliono rubare qualche raggio di sole in anticipo hanno un solo rituale: andare alla Gaiola.

Situata di fronte alla costa di Posillipo, l’Isola della Gaiola, oggi è parte del Parco Archeologico di Posillipo, dove è possibile visitare anche l’omonimo Parco Sommerso della Gaiola.

Il piccolo isolotto, vera e propria quinta teatrale di uno scenario marino da sogno, è ascritto anche negli annali della storia. Sulle sue coste infatti si schiantò il sommergibile Giacinto Pullino, che comportò la cattura del tenente di vascello Nazario Sauro, che trovò così la morte.

E proprio la morte o la sventura sarà un tema ricorrente su queste piccole isole collegate tra loro solo da un ponticello incuneato tra gli scogli, dove oggi sorge la villa che Filippo Negri fece costruire nel 1874, che la rivendette a seguito del suo fallimento.

Da questo momento la villa continuerà a passare di mano in mano, portando un triste destino ai suoi proprietari.

Negli anni ’20 è lo svizzero Hans Braun, proprietario dell’immobile, che viene ritrovato morto e avvolto in un tappeto. Anche la moglie non ebbe sorte migliore. Di lì a poco infatti annegò, attraversando il mare con la seggiovia che la collegava alla terraferma.

Negli anni ’30 anche un collegio di orfanelli trova la morte nelle acque della Gaiola, mentre erano in barca per una gita.

La villa passa così nelle mani di Otto Grunback, che muore d’infarto proprio durante un suo soggiorno nella villa. La stessa sorte tocca anche all’industriale farmaceutico Maurice-Yves Sandoz, morto suicida in un manicomio in Svizzera per aver saputo del fallimento della sua azienda. Non era vero, ma l’industriale non lo ha mai saputo.

Successivo proprietario della villa un altro industriale, dell’acciaio questa volta, il barone Paul Karl Langheim, il quale fu trascinato sul lastrico dai festini e dagli efebi di cui amava circondarsi.

Ma sono tanti anche i nomi noti che l’hanno abitata, da Norman Douglas, scrittore inglese autore di Terra delle Sirene, a Giuseppe Paratore, senatore della Repubblica Italiana, passando per Gianni Agnelli che subì la morte di molti familiari, tra cui quella del figlio Edoardo, e Jean Paul Getty, il cui nipote, Jean Paul Getty III (come racconta anche l’ultima pellicola di Ridley Scott, Tutti i soldi del mondo) fu rapito a Roma dalla ‘drangheta, e subì, durante i lunghi mesi di prigionia, l’amputazione dell’orecchio. La maledizione della villa sembra aver seguito il nipote di Getty fino in America, dove anni dopo ebbe problemi celebrali in seguito a una overdose di droga.

Rilevata la villa, Gianpasquale Grappone vede fallire la sua società di assicurazioni, Lloyd Centauro, nel 1978.

Messa all’asta, l’isola diventa definitivamente proprietà della Regione Campania, ponendo fine, o forse è più corretto dire “sospendendo” la maledizione.

Ma quale sarebbe il motivo di tanta negatività?

Nel 1960 Paratore avrebbe rinvenuto nei fondali dell’isola il volto di una Gorgone, un affresco di muro datato, secondo un esperto dell’epoca, II secolo d.C. e questa sarebbe una delle origini della maledizione. Il senatore, inorridito dalla raffigurazione lo avrebbe fatto murare nella villa sulla terraferma.

Ma secondo una tesi molto più accreditata, e diffusa, la colpa sarebbe tutta di Virgilio. Sì, il poeta dell’Eneide, che tanta parte della sua vita avrebbe trascorso nella città di Napoli, secondo alcuni biografi si sarebbe avvicinato al neopitagorismo, una corrente filosofica molto diffusa in Magna Grecia, e nell’antica Neapolis sua colonia.

Ad accreditare tale tesi ci sarebbe anche, nel 1700, la frequentazione di questo posto da parte del Principe di SanseveroRaimondo De Sangro, grande estimatore del poeta latino, che qui vi giungeva con la carrozza e i cavalli per fare dei rituali esoterici.

Sul piccolo isolotto della Gaiola, il poeta avrebbe infatti fondato la sua scuola, la cosiddetta Scuola di Virgilio, dove il poeta-mago avrebbe (condizionale d’obbligo) praticato arti magiche e fatto pozioni che ne avrebbero inquinato le acque intorno e l’aura, dando origine alla maledizione che contribuisce perpetuarne il fascino.

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Il primo altare di San Pietro si trova a Napoli

Napoli riesce a riservare sempre delle sorprese anche a chi come me la conosce bene o sta imparando a conoscerla. Potrà capitarvi infatti, percorrendo Corso Umberto I, di imbattervi nella Chiesa di San Pietro ad Aram.

Questa basilica è nota perché, secondo la tradizione, custodirebbe l’Ara Petri, l’altare dell’apostolo Pietro, primo pontefice della cristianità, dal quale, durante la sua venuta a Napoli, avrebbe convertito i primi cristiani.

Un reperto, una vera e propria reliquia, questa, importantissima per la comunità, ed un nuovo primato per la città di Napoli che dunque nella storia sarebbe stata anche importante centro di culto cristiano.

Secondo la tradizione infatti Pietro, proveniente da Antioca e diretto a Roma, avrebbe fatto una sosta a Napoli. Qui avrebbe incontrato una donna di nome Candida, pagana, gravemente ammalata, che implorò il santo di guarirla. Pietro riuscì a compiere il miracolo e la donna allora lo condusse da un certo Aspreno, ammalato anch’egli che, grazie al vicario di Cristo, riuscì a trovare la salvezza.

I due pagani si convertirono così al cristianesimo, e fu tanto l’ardore che Pietro nominò Aspreno primo vescovo di Napoli.

La cosiddetta Ara Petri, dove San Pietro avrebbe pregato e celebrato, sarebbe stata custodita da Aspreno prima in una piccola edicola, e poi all’interno della stessa basilica dove ancora oggi è visibile.

la Chiesa di San Pietro ad Aram a Napoli

L’altare si trova nel vestibolo della chiesa, in quello che è di fatto l’ingresso principale della basilica, ed è sormontato da un affresco rinascimentale e da un grande baldacchino, addossato ad una parete.

L’accesso alla basilica è attraverso un ingresso secondario, una piccola porticina in legno e vetro che quasi nasconde le dimensioni di questo monumentale edificio, e dà sul lato lungo della navata centrale. Si prova un vero e proprio senso di smarrimento, osservandone la cupola, il biancore delle sue pareti, l’estensione, lo straordinario organo a canne che troneggia dall’alto della cantoria dell’altare maggiore.

Un coro di frati fa da sottofondo a questo complesso di grande suggestione, dove un tempo sorgeva una costruzione paleocristiana, in cui si celebrava il culto delle anime del Purgatorio, particolarmente sentito a Napoli se si considera l’omonima Chiesa delle Anime del Purgatorio ad Arco o lo stesso Cimitero delle Fontanelle.

Al complesso era originariamente annesso un chiostro, demolito verso la metà del XIX secolo, durante il “Risanamento” della città, per fare spazio al Rettifilo (Corso Umberto I). Il chiostro era uno degli esempi di architettura rinascimentale partenopea, di cui oggi parte delle colonne dell’ambulacro furono trasferite nella Chiesa di Sant’Aspreno al Porto.

Il piccolo altare è stato il cuore della cristianità partenopea, dove l’apostolo ha dato inizio al suo lungo percorso di evangelizzazione che porterà alla fondazione della Santa Romana Chiesa. È in questo luogo che l’apostolo celebrò le prime messe rinnovando il culto dell’eucarestia, e dando inizio alla canonizzazione di quella che sarà la liturgia.

La Basilica di San Pietro ad Aram ospita tra gli altri delle bellissime opere di Luca Giordano.

Mi stupisce che un luogo di tale importanza spirituale sia distante anni luce dalle folle oceaniche che invece investono altri e ben più noti luoghi e, benché apprezzi la pace interiore che solo un posto come questo sa dare, mi dispiace notare che sia per lo più ignoto al grande pubblico.

La Chiesa è di certo un sito da scoprire e riscoprire, non solo per sentirsi più vicini alla conversione e rinascita spirituale e cristiana, ma per restare affascinati da così tanta ieratica bellezza.

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Visita virtuale alla Galleria Borbonica di Napoli

Quando si parla della Napoli sotterranea, molti immaginano il noto accesso in Via dei Tribunali a due passi da Piazza San Gaetano. Se questo sito è stato il primo ad offrire la possibilità di visitare le viscere della città, di certo negli anni non è stato l’unico, né può definirsi “l’originale”, considerando che si tratta di una parte di storia che accomuna a grandi linee tutto il sottosuolo del capoluogo partenopeo.

Tra gli accessi sotterranei più belli e suggestivi c’è infatti la Galleria Borbonica. Alle spalle di Piazza del Plebiscito a Napoli, offre la possibilità di percorrere un tratto che arriva fino al cuore della nota piazza napoletana.

L’ho scoperta soltanto qualche anno fa. Ne avevo sentito parlare, conoscevo già gli interessanti progetti di moda e teatrali che da qualche anno animano luogo, ma mi sono spinto soltanto a discendervi dopo aver visto la bellissima puntata di Ulisse che Alberto Angela ha in parte dedicato a questo sito, e al percorso che include addirittura una falda acquifera.

La novità che riguarda oggi la Galleria Borbonica è che sarà visitabile anche dal web. Un progetto che, grazie alla tecnologia 3D Voyager, ha ricreato un tour virtuale. Un lavoro durato circa due anni che ha visto l’impiego di oltre 24.000 fotografie, e che rende visitabile il tunnel attraverso smartphone, PC e tablet.

Il costo per fare tutto questo è di 3€, con i quali il visitatore (virtuale) acquista un ticket che gli darà un accesso di 7 giorni per percorrere cunicoli, gallerie e vasche sotterranee.

Una certosina ricostruzione tridimensionale che include un’audio guida che accompagnerà il visitatore, munito virtualmente di una torcia, nella visita di un sito che si vuole far conoscere in tutto il mondo.

Se volete farvi un’idea di ciò che la rete potrà offrire, ecco un video con la presentazione del progetto:

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Napoli, scoperto un nuovo tratto dell’Acquedotto del Serino

Se amate le escursioni e i percorsi sotterranei, c’è un nuovo tratto che potrete visitare a Napoli.

Qualche giorno fa infatti, l’associazione Celanapoli, che si occupa di studiare il sottosuolo nell’area a nord dell’antica Neapolis, ha annunciato una scoperta che va ad ampliare l’offerta di visite nel ventre della città.

È stato scoperto infatti un nuovo tratto dell’acquedotto Augusteo del Serino: «Un rinvenimento ed una identificazione – hanno detto in merito i responsabili dell’associazione dalle pagine ANSA – che arricchisce di un prezioso tassello il complesso paesaggio dell’area già caratterizzata dall’imponente necropoli ellenistica».

Il nuovo tratto dell’acquedotto Augusteo presentato dall’associazione Celanapoli (ANSA)

Si tratta di una grandiosa opera di ingegneria idraulica, che si ritrova a circa venti metri sotto l’attuale quota stradale, e lunga circa 220 metri.

Il tratto presenta ben sette pozzi di areazione. La sua presenza era già stata segnalata da diverse fonti tra il VI e il XIX secolo.

Questo percorso, che si trova tra la zona dei Ponti Rossi ed il Rione Sanità, era stato finora erroneamente identificato come un tratto del Carmignano, opera risalente al 1600.

Già noto durante il secondo conflitto bellico, veniva utilizzato come camminamento che collegava le diverse cavità sotterranee della città, che nel corso della Seconda Guerra Mondiale furono convertite come rifugi antiaerei.

Celanapoli consente ai suoi visitatori di vedere un itinerario alternativo dei più noti accessi al sottosuolo di Napoli, che va da Porta San Gennaro e attraversa il Borgo dei Vergini e il Rione Sanità.

La scoperta rappresenta senza dubbio una novità nel già variegato panorama partenopeo, ed è sicuramente interessante rivivere non soltanto le suggestioni della Napoli greco-romana, ma anche per conoscerne una più recente e particolareggiata storia del secondo ‘900.

Per maggiori informazioni, vi rimando al sito ufficiale:

www.celanapoli.it

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Frida Kahlo, l’emozionante forza oltre il mito. Fino al 3 giugno al MUDEC di Milano

Mariano Cervone alla mostra di Frida

È una mostra che tocca l’anima, quella su Frida Kahlo, al Mudec di Milano fino al prossimo 3 giugno.

Oltre il mito, questo il sottotitolo della rassegna, si propone di raccontare l’artista messicana al di là delle opere, che ne hanno fatto un’icona di arte contemporanea, ma anche di stile in tutto il mondo.

E dire che qui i prestiti sono tanti, al punto che, al mio ingresso nella prima sala, penso che siano lì tutte i lavori, i disegni a carboncino, i dipinti, gli acquerelli, i carteggi attraverso i quali si è raccontata ad amici e parenti. E invece svolto appena l’angolo, per capire che ciò che avevo di fronte era appena la punta di un iceberg d’arte ben più grosso, di una esposizione grandiosa che abilmente racconta la vita, oltre la poetica, della pittrice.

Lungo il percorso trovano infatti posto anche una serie di lettere originali, con traduzione a fronte, in cui la Kahlo parla della sua vita privata: leggerle tutte è impossibile, così come sarebbe impossibile riassumere in queste pagine la vita di un’artista molto complessa e dai sentimenti profondi.

Tra le opere esposte, non mancano disegni inediti, in cui Frida si disegna con matita e carboncino, sperimentando volumi e colori, e evidenziando, con mano un po’ naif, le trasparenze delle vesti.

L’arte di Frida trasuda Messico, perché la pittrice si è nutrita della linfa vitale dalla Madre Terra, la sua forza vitale conviveva in quella del suo Messico, che continuerà a sentire dentro di sé come un fuoco, anche quando si trasferisce nella calda California, scioccando la borghesia con la sua indole ribelle.

Bellissima la sezione fotografica, che ripercorre l’esistenza di Frida, dalla sua infanzia alle foto di famiglia, passando per i momenti conviviali, dove, anche in un folto gruppo, la presenza silenziosa dell’artista è preminente.

È in queste foto che non posso fare a meno di notare che negli anni ’50 Frida appare come una donna più forte, forse austera, più consapevole di quel corpo tragicamente cambiato, meno giocosa: non ci sono più i fiori tra i suoi capelli, che in poche foto più avanti porta sciolta, quasi come un velo monacale, quasi a decostruire quell’immagine che negli anni aveva consapevolmente creato, ma sempre fedele a se stessa.

Non mancano momenti di maggior azione lungo il percorso, come un cortometraggio di animazione che offre al visitatore il dialogo immaginario, e immaginifico, tra la Kahlo e la morte, che miracolosamente l’ha risparmiata da quell’incidente in tram che drammaticamente caratterizzerà tutta la sua vita: degenze in ospedale, cure, pesanti busti, fino all’amputazione di una gamba che la porterà a ricorrere ad una protesi. Un dolore fisico e psichico che Frida riversa senza imbarazzi nelle sue opere. Si ritrae con le lacrime, come un cuore che soffre e sanguina. Crea una precisa iconografia del dolore, ritraendo i momenti cupi, senza il timore di mostrare sé stessa in quel letto d’ospedale, esorcizzando il male con la sua arte.

Una vita dolorosa segnata anche da Diego Rivera, amore della vita e marito fedifrago che la tradirà tra le altre anche con la sorella prediletta.

Eppure Frida sembra continuare a sorridere alla vita, da un raro quanto emozionante home video in 16mm del George Eastmen Museum, in cui la pittrice è proprio accanto a Rivera, qui accompagnato dall’intenso brano del cantautore calabrese Brunori Sas, Diego e io, che incarna con passione la dolcezza e la sofferenza, la profonda inquietudine, di questo amore. È probabilmente questo l’apice emotivo di questa antologica, che rappresenta un momento di grande pathos.

Continuo a passeggiare nelle sale del Mudec, e osservo ritratti di politici, di uomini e di donne illustri con cui Frida era entrata in contatto. Quando osservo le sue vivaci nature morte, mi accorgo che la Kahlo era forse vicina a Picasso più di quanto lei stessa forse non sapeva neppure. Mentre in altri dipinti ricorda addirittura il surrealismo di Dalì, Magritte, dove realtà e sogno si sovrappongono, tra lune, panorami sospesi a mezz’aria, abbracci divini in una ricerca di pace e misticismo.

Frida si è sempre espressa anche attraverso il proprio corpo; una Marina Abramović ante saecula, che esprime i suoi stati d’animo anche attraverso quelle stravaganti acconciature, attraverso gli abiti, le collane, mai lasciate al caso nella vita come nei suoi dipinti, facendo del proprio corpo un manifesto. Ed è così che si chiude questo racconto d’arte e questo profondo spaccato di vita: con i busti, le protesi, la sofferenza e l’imperfezione che hanno segnato duramente la sua esistenza. Frida è ben lontana dalla ricerca di perfezione che affligge noi contemporanei, e non aveva paura di mostrare fragilità e fallimenti. Ed è proprio questa forza che l’ha resa immortale ai nostri occhi, vincendo dopo la morte quella malattia che invece l’aveva afflitta tutta la vita.

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Rubens e Brueghel al Museo Diocesano di Napoli fino al 30 aprile

Quello di Donnaregina è l’esempio di quanto le architetture non rispondono sempre alle esigenze museali. Mi perdo nel percorso del Complesso Monumentale del Museo Diocesano a Napoli, eppure camminando mi accorgo che è stato concepito, forse, per suscitare meraviglia e stupore.

L’occasione, per vedere questo museo, è un incontro speciale, quello con Rubens e Brueghel e la bellissima Madonna col Bambino in una ghirlanda di fiori, nelle sale, anzi nel bellissimo coro, del complesso fino al prossimo 30 aprile.

I due artisti sono soltanto gli ultimi, in ordine cronologico, ad aggiungersi alla lista di opere illustri, ospitate dal Donnaregina, tra le quali il Salvator Mundi di Leonardo Da Vinci (recentemente venduto per oltre 450 milioni di euro).

L’opera di Rubens rispondeva alle esigenze della Riforma, che vietava la rappresentazione della Vergine e dei Santi, e così l’artista fotografa un momento di intima maternità: il bambino sembra muovere i primi passi, mentre la Vergine lo sostiene, guardandolo con tenerezza e amore, quasi presagendo il destino della Croce. È una scena affettuosa, quella che dipinge il pittore tedesco, contribuendo alla diffusione del barocco e di questo nuovo linguaggio figurativo nell’Europa del nord.

I fiori di Brueghel sono il realistico motivo decorativo, con cui il pittore olandese risponde invece al gusto dei collezionisti del tempo, ponendo la Vergine all’interno di una ghirlanda floreale. I suoi fiori possono quasi essere toccati, tant’è il loro realismo, e potrebbero fuoriuscire dalla cornice con vivida verosimiglianza. Colori sgargianti, ombreggiature, dettagli che anticipano la fotografia, ma anche quella mise-en-scène floreale di quelli che oggi, nell’epoca 2.0, chiamiamo florist. Una composizione equilibrata, allegra, ma al tempo stesso austera e celebrativa, enfatizzata ulteriormente dal fondo scuro della tavola, che fa da cornice al dipinto ottagonale di Rubens.

Versioni analoghe a questo dipinto, le ritroviamo nelle collezioni del Louvre a Parigi e al museo del Prado a Madrid.

La Madonna e il bambino non guardano lo spettatore, che si ritrova ad osservare l’intimo legame tra una madre e il suo bambino ancora in fasce.

È tenero lo sguardo della Madonna, che osserva la figura stante del bambino.

È solo percorrendo le sale di Donnaregina che si comprende perché è davvero monumentale questo museo.

Le sale si illuminano al ritmo dei miei passi sul pavimento.

È straordinario osservare la ricchezza di queste collezioni che emergono dal buio come apparizioni mistiche. Pittori napoletani o attivi a Napoli tra il X secolo e il 1800, che hanno reso omaggio alla sacralità. De Matteis, Vaccaro, Solimena, Tommaso De Vivo sono solo alcuni dei tanti nomi che affollano il percorso dell’immensa collezione permanente, raccontando, ognuno a proprio modo la storia dell’arte partenopea. Madonne, Santi, racconti biblici o evangeli, dipinti e ritratti che si ispirano alle agiografie ufficiali o apocrife.

Chiesa Santa Maria Donnaregina Vecchia, affreschi Coro delle Monache

Le sale sono silenziose e quasi respiro la sacralità di quella che doveva essere l’originaria clausura di Donnaregina Nuova, sede nel XVII secolo delle Clarisse, che vollero costruire una chiesa barocca che maggiormente rispondesse al gusto del tempo, annettendo l’antica chiesa gotica, che oggi prende il nome di Donnaregina Vecchia, alla zona della clausura.

Trovo particolarmente tenere un Compianto sul Cristo morto di Andrea Vaccaro, che rende la disperazione della Vergine e il dolore della Maddalena.

Molti degli artisti napoletani di queste collezioni sono ignoti o seguaci di altri maestri partenopei: dai caravaggeschi che avevano ben recepito l’opera di Caravaggio, che a Napoli ha lasciato le Sette Opere di Misericordia, ai seguaci di altri artisti partenopei che hanno fatto propri gli stili di artisti maggiori e i dettami del gusto del tempo.

Il museo è anche un florilegio di paramenti sacri e finissimi reliquiari e ostensori di metalli nobili e pietre preziose, che ancora raccontano lo sfarzo e la ricchezza di questo luogo.

Proseguo il mio percorso dirigendomi verso l’ingresso di Chiesa di Santa Maria Donnaregina Vecchia, le cui origini risalirebbero addirittura al 780 d.C. Qui c’è il ciclo di affreschi risalente al XIV secolo più grande di Napoli. Un ciclo scampato miracolosamente ad un incendio, i cui pigmenti, come nell’antica Pompei, sono diventati rossicci, mantenendo però intatte le scene del vecchio e del nuovo testamento, con la vita e la passione di Gesù.

All’interno della Chiesa di Santa Maria Donnaregina Vecchia trova posto il sepolcro di Maria D’Ungheria.

Il Complesso è oggi anche sede di stagioni concertistiche, ed è un prezioso scrigno di grandi e meravigliosi tesori. Un’antologia di autori partenopei, per scoprire le storie e la storia della cristianità attraverso la grande arte napoletana.

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Il Monastero di Santa Chiara a Napoli, stupor mundi

Chi mi segue su instagram lo sa già: questo weekend ho visitato, tra l’altro, il Chiostro del Monastero di Santa Chiara a Napoli.

Tra i complessi conventuali più noti, se non il più noto, il Chiostro è famoso soprattutto per le maioliche che ne rivestono la struttura, realizzate nella prima metà del XVIII secolo.

Qui la spiritualità si mescola con la storia dell’arte, nei colori brillanti delle scene bucoliche e delle vedute napoletane, che Donato e Giuseppe Massa hanno impresso su queste straordinarie “riggiole“.

Un’oasi di pace e nuance vivaci, che ha del prodigioso, se si considera che è la sola parte del convento ad essere miracolosamente rimasta illesa dal bombardamento del 1943, che invece distrusse gran parte dei locali della vicina basilica.

Il chiostro fu realizzato nel 1739 da Domenico Antonio Vaccaro, noto pittore, scultore e architetto italiano, che decise di adeguare la goticheggiante struttura allo stile barocco del tempo.

Ma non è solo la parte centrale del chiostro, e dei giardini, ad attirare l’attenzione del visitatore, ma anche i coloratissimi affreschi che ne adornano le pareti dell’intero perimetro, con un bellissimo ciclo pittorico, realizzato tra il 1300 e il 1600, di cui poco sappiamo, a causa dei documenti perduti e degli ingenti danni subiti dal complesso religioso durante la seconda guerra mondiale.

Il complesso era stato voluto dalla dinastia angioina. I finanziamenti per questo ammodernamento giunsero dalle famiglie aristocratiche napoletane e, benché le clarisse disponessero di ingenti somme di denaro provenienti probabilmente dalle loro doti, per i lavori chiesero un sostegno alla regina Maria Amalia di Sassonia, moglie di Carlo III di Borbone. Fu la badessa Ippolita d Carmignano che suggerì una maggiore apertura dell’architettura verso l’esterno, affinché perdesse l’austerità dell’originaria struttura.

Oggi infatti il chiostro è armonioso, un caleidoscopio di luce e colori che ne fanno la perfetta rappresentazione del Paradiso in terra. Bellissimo il giardino e le piante, straordinario il maiolicato che restituisce un’immagine di come doveva essere sontuoso e ricco questo ambiente prima degli orrori della guerra.

Sono 64 le colonne, a forma ottagonali, che recano invece una decorazione per lo più fitomorfa, come avvolti da una lussureggiante vegetazione in fiore.

Molto belle le sedute, veri e propri quadri, che ci restituiscono gli affreschi della vita quotidiana nella Napoli a cavallo tra Sei e Settecento: paesaggi indefiniti, scene campestri, ma anche mascherate e scene mitologiche, sono solo alcuni dei temi che è possibile ammirare in questi meravigliosi ambienti.

Il porticato è sorretto da 72 pilastri, da cui originano degli archi a tutto sesto, squisitamente gotici, che formano un intreccio di volte a crociera finemente affrescate. Un gioco di forme medievali, che vanno a confondersi nelle decorazioni baroccheggianti dei successi rimaneggiamenti della struttura.

Oggi il percorso di visita comprende anche al Museo dell’Opera di Santa Chiara (fondato nel 1995), attraverso il quale è possibile ripercorrere la storia di questo monastero, già ispiratore di un omonimo brano della tradizione napoletana, la cui vita architettonica può essere scissa in due parti. Da un lato c’è il fasto del rifacimento del Vaccaro, il barocchismo di un edificio dalle forme gotiche, coperte dagli ori e dagli stucchi. Dall’altro la decadenza, un ritorno all’originaria austerità dell’edificio, spogliato degli orpelli postumi e restituito al pubblico così come doveva essere stato voluto nel 1340 da Roberto D’Angiò, poi sepolto all’interno della chiesa.

Come per il Chiostro, anche nella Basilica di Santa Chiara tutto ciò che resta del barocco è lo straordinario pavimento marmoreo del 1762 ad opera di Ferdinando Fuga.

Ma se le bombe da un lato hanno letteralmente distrutto la Chiesa, dall’atro hanno avuto il “merito” di aver riportato alla luce un complesso termale di epoca romana, oggi parte del percorso archeologico del sito, il cui impianto è molto simile alle terme visibili a Pompei ed Ercolano. Creste di muro e pavimenti sopraelevati, mostrano il più grande e completo complesso termale della città di Napoli che risale al I secolo, e le raffinate tecniche per la cura e la ricerca del benessere.

La Basilica di Santa Chiara e il meraviglioso Chiostro sono pagine di un libro che raccontano storie diverse, accomunate dall’amore degli abitanti di N(e)apoli per la propria città.

LIFESTYLE

Edenlandia riapre al pubblico. Ritorna a Napoli “la gioia di giornate spensierate”

L’ultima volta che sono stato all’Edenlandia Janet Jackson cantava All for you. Sono trascorsi un po’ di anni da quando trascorsi quell’ultimo, bellissimo, giorno nel famoso parco di divertimenti napoletano in compagnia di amici.

Mi ritorna alla mente le volte in cui mi portava mio padre, in macchina, ed io capivo quando eravamo quasi arrivati oltrepassando la galleria che porta nel quartiere di Fuorigrotta a Napoli.

Aperto al pubblico dal 1965, ha avuto alterne fortune, passando dai successi degli anni ’90, ad un primo tentativo di rinnovarsi cambiando le modalità di accesso con l’ingresso forfettario con il bracciale, fino alla decadenza nel primo decennio degli anni 2000.

Edenlandia prendeva ispirazione dall’omologo parco Californiano di Disneyland che aveva aperto nella periferia di Los Angeles un decennio prima, e a questo si ispira anche il logo del parco, con un castello ed un carattere che molto ricordano quello disneyano.

Il castello vero e proprio arriverà qualche anno più tardi, con il Castello di Lord Sheidon.

Edenlandia, il Trenino (foto
del 1965 da wikipedia)

Ancora ricordo la musica, le risate, lo schiamazzo della gente con lo zucchero filato e le code per le giostre a tema: il trenino, il Far West e, il mio preferito, le cascate dei tronchi, tappa per me irrinunciabile.

Edenlandia diventa una vera e propria attrazione turistica con i suoi 38 mila metri quadri di divertimento, e sarà superata solo nella metà degli anni ’70, quando Gardaland, con i suoi 500 mila metri quadri di superficie e giochi, aprirà al pubblico.

Edenlandia, Cascata dei Tronchi (foto del 1965 da wikipedia)

Nei primi anni 2000 arriveranno nuovi giochi, quelli da brivido, con cadute libere e sfide alla forza di gravità. Ma l’epoca dei parchi divertimento sembra ormai superata, e con essa quella spensierata aria di divertimento. Le giostre si fanno tristi, la folla sembra diradarsi, e il parco sembra meta solo dei giovanissimi. Complice l’età adulta, che cambia la concezione del divertimento, ma anche, forse, la rapida diffusione dell’home-gaming con la PlayStation, dei Tomb Raider, dei Resident Evil, dei Gran Turismo che ci facevano vivere avventure, paura e brivido con un realismo all’ora inimmaginabile, che preludeva ad una chiusura nelle mura domestiche, ad un isolamento, e ad un divertimento fatto di joystick, pad e primi giochi in 3D.

La società che se ne occupava dal 2003, Park and Leisure, dichiarerà fallimento nel 2011.

Da questo momento si parlerà più volte di ristrutturazioni e riaperture, senza mai arrivare ad una conclusione vera e propria.

Nel 2015, sotto il nome di New Edenlandia S.p.A. un gruppo di imprenditori rileva la proprietà, facendo ufficialmente partire i lavori nel dicembre dello stesso anno.

Oggi, a quasi tre anni dai lavori, il parco sembra finalmente pronto per riaprire i suoi cancelli al pubblico di grandi e piccoli. Non c’è ancora una data ufficiale, ma, pare, che il nastro d’inaugurazione possa essere tagliato già ad aprile.

Tante le novità, che traghettano Edenlandia nel 2018 e che, alle 15 attrazioni “storiche” vedrà l’affiancamento di 13 nuove attrazioni, per un totale di 38 attrazioni, quindici punti ristoro, il teatro dei piccoli e un PalaEden con 600 posti a sedere, più aree commerciali e di intrattenimento. Un investimento di oltre 8 milioni di euro che si propone, con questa apertura, di riqualificare l’area occidentale di Napoli e restituire ai suoi abitanti e non solo “la gioia di giornate spensierate”: «Edenlandia – ha detto Gianluca Vorzillo, della GCR Outsider, società che lo scorso agosto ha acquisito la maggioranza della New Edenlandia spa – non sarà solo un parco giochi, ma un vero parco di intrattenimento con giostre, aree spettacoli e un’ampia zona food con la presenza di marchi nazionali e internazionali».

Le immagini che vi ho proposto sono quelle del 1965 pubblicate da wikipedia, a mio avviso bellissime.

ART NEWS

Restaurato il balcone di Giulietta: la storia, i film, le curiosità

Chiuso dallo scorso 23 ottobre per dei lavori di restauro, il Balcone di Giulietta, uno dei monumenti più noti e visitati della città di Verona, è stato finalmente restituito al pubblico in tutto il suo splendore da qualche giorno.

Leslie Howard e Norma Shearer in Romeo e Giulietta (1936)

È bello per i romantici come me pensare che nella nota casa veronese si siano amati i due sfortunati amanti della tragedia Shakespeariana, Romeo e Giulietta. Ma, diciamoci la verità, sappiamo che quella del famoso drammaturgo inglese era un’opera di pura invenzione.

Ma allora perché a Verona si dice che sia proprio quella la casa di Giulietta? Me lo sono chiesto anche io e così, dopo qualche ricerca, ho scoperto che effettivamente sono esistite a Verona le famiglie Montecchi e Capuleti, ma, per l’esattezza si tratta di Cappelletti, che avrebbero vissuto proprio in quella dimora situata in Piazza Erbe durante gli anni della permanenza di Dante a Verona.

Ce lo dice uno stemma, situato sulla chiave di volta dell’arco che dà accesso al cortile della casa.

Per quanto riguarda i Montecchi invece, si sa che erano una famiglia di mercanti, militanti nei ghibellini, effettivamente impegnata nelle sanguinose lotte di presa di potere contro la famiglia guelfa dei Sambonifacio.

Francesco Hayez, L’ultimo bacio di Giulietta e Romeo (1823)

Non ci sono dunque documentazioni che attestino una effettiva rivalità con la famiglia dei Capuleti, o meglio dei Cappelletti, ma in compenso, entrambe le famiglie sono citate dallo stesso Dante nella Divina Commedia, nel VI canto del Purgatorio, vera e propria invettiva del poeta fiorentino contro i disordini in Italia, che nei versi 105-107 dice:

Vieni a veder Montecchi e Cappelletti,
Monaldi e Filippeschi, uom sanza cura:
color già tristi, e questi con sospetti!

Tra il XIV e il XV secolo la Casa di Giulietta ospita la famiglia Capello, che probabilmente prende il nome dalla dimora stessa, esercitando la professione di farmacisti fino al 1400.

Passa il tempo e cambia la destinazione d’uso, trasformandosi in un albergo, e subendo nella struttura diversi rimaneggiamenti tra il XVII e il XVIII secolo. Soltanto l’originaria torre pare risalire al XIII secolo e dunque alla parte più antica, benché anch’essa abbia subito non poche trasformazioni.

Alla fine dell”800 la casa appariva come un casermone popolare di chiara impronta nord-italiana, con una lunga balconata con ringhiera in ferro che percorreva tutta la facciata interna e rappresentava anche un camminamento.

La casa di Giulietta come appariva alla fine dell’Ottocento (immagine wikipedia)
La casa di Giulietta negli anni ’40 (immagine wikipedia)

L’idea del balcone arriva tra la fine degli anni ’30 e gli inizi degli anni ’40, quando Antonio Avena, storico italiano e direttore del museo civico veronese, ispirandosi ad un film hollywoodiano di quegli anni con Leslie Howard, che a sua volta si rifaceva al noto quadro di HayezL’ultimo bacio dato a Giulietta da Romeo, decise di avviare dei fantasiosi lavori di ristrutturazione, affinché la casa potesse effettivamente coincidere con quella che ormai si era diffusa nell’immaginario collettivo.

Il balcone di Giulietta infatti è in realtà un antico sarcofago scaligero, assemblato insieme ad alcuni resti marmorei che risalirebbero al XIV secolo.

Balcone di Giulietta

Oggi il sito è uno dei monumenti più famosi di Verona. Sono tanti i giovani innamorati e fidanzati che accorrono alla casa di Giulietta per trovare o testimoniare l’amore, con lettere a sfondo amoroso lasciate sul muro dell’andito della casa, e per fare il rito propiziatorio di toccare il seno alla statua in bronzo di Giulietta posta nel cortile: «Il balcone di Giulietta – ha detto il sindaco Federico Sboarina in merito al restauro – è senza dubbio il nostro monumento turistico più visitato e conservarlo in tutto il suo splendore è doveroso anche nei confronti delle migliaia di turisti che ogni anno vengono ad ammirarlo».

Amanda Seyfried in una scena del film Letters to Juliet (2010) mentre attacca al muro la sua lettera

I lavori hanno interessato sia la parte statica, sia quella dei materiali, che sono stati esaminati con specifiche tecniche di conservazione. Grazie a questo intervento, che ha permesso la pulitura di tutto il balcone, sigillando alcune lesioni dello stesso e il consolidamento di alcune pietre in tufo, i visitatori potranno adesso ammirarlo in tutto il suo splendore. A protezione è stata applicata su tutta la superficie, compreso il piano di calpestio, un materiale impermeabile, per preservare questo splendore ritrovato.

Non so voi, ma mi emoziona molto l’idea di vedere (e conto di farlo quanto prima) questo luogo che, benché sia una sorta di quinta teatrale ispirato ad una storia di pura fantasia, rappresenta oggi il tempio dell’amore per antonomasia, ed è permeato di quel romanticismo e quella fede incrollabile che ci dà la certezza che l’anima gemella esiste per tutti, bisogna soltanto crederci intensamente.